М. Силина

Музей искусства Нельсона-Эткинс Канзас

Официальный сайт музея: www.nelson-atkins.org

Адрес музея: 4525 Oak St, Канзас.

Проезд: The Kansas City Мах, остановки 45th, Main streets.

Телефон: 816 751 1278.

Часы работы: Среда — 10:00–16:00, четверг — пятница: 10:00–21:00, суббота — 10:00–17:00, воскресенье — 12:00–17:00.

Музей закрыт по понедельникам и вторникам, на Новый год, 4 июля, в День благодарения, Сочельник и Рождество.

Вход свободный.

Фото- и видеосъемка: Разрешена личная, некоммерческая, фотография без использования вспышки и треноги.

Информация для посетителей: В музее запрещено курить, употреблять напитки и еду в выставочных пространствах, касаться экспонатов, находиться в верхней одежде.

К услугам посетителей ресторан «Rozzelle Court», кафе и музейный магазин.

Здание музея

Город Канзас в американском штате Миссури — знаменитая столица ковбоев. В Великих равнинах разворачивались события времен золотой лихорадки, Гражданской войны. Однако не всякий путешественник знает, что в Канзасе фонтанов, например, почти столько же, сколько и в Вечном городе — Риме, и именно здесь находится один из самых интересных музеев США.

К. Ольденбург, К. Ван Брюгген. Воланы. 1994

Экспозиция приятно удивит как самого искушенного ценителя искусства, так и любителей, которые найдут в ней невероятное разнообразие произведений самых разных эпох со всех уголков мира. Новое здание, построенное к 2005, по рейтингу журнала «Тайм» входит в десятку лучших архитектурных сооружений в стране.

Время формирования коллекции музея — конец XIX века, когда, как утверждает автор книги, посвященной ему, «газетчик почувствовал вкус к изящному, а овдовевшая учительница влюбилась в художественные музеи Европы». Уильям Рокхилл Нельсон приехал в Канзас в начале 1880-х. Он попал в провинциальный пыльный и скучный городок. Предприимчивый журналист инициировал программу по улучшению его инфраструктуры, выступал за закладку новых парков и бульваров. Именно он поднял вопрос об открытии галереи искусств.

Вторым основателем музея по праву считается скромная и мало кому до той поры известная преподавательница Мери МакЭфи Эткинс. Ее муж скончался в 1886, оставив вдове солидное состояние. Она, в свою очередь, завещала деньги на открытие музея.

В 1927 попечители договорились объединить фонды Нельсона и Эткинс, более 3 миллионов долларов хватило, чтобы приобрести оригинальную и качественную коллекцию живописи, скульптуры и декоративноприкладного искусства.

Музей распахнул двери для широкой публики в 1933. Сотрудники делали все, чтобы он стал культурным и образовательным центром города. По сей день здесь проводятся лекции и мастер-классы, экскурсии и специальные выставки для посетителей разного возраста и уровня знаний.

Здание построено в стиле эклектики архитектором Томасом Вайтом. Для города, в котором раньше не было ни одной галереи, это стало настоящим событием. В первый день ее работы пришло 8000 человек, их поразили изящество и великолепие сооружения. Шли годы, коллекция росла, но только в 2007 случилось важнейшее событие в жизни канзасского музея: его реконструкция и увеличение экспозиционной площади. Новое здание архитектора Стивена Холла, легкое, из стекла, с лаконичным силуэтом, как уже говорилось, стало одним из самых заметных архитектурных решений в государстве.

Сейчас собрание насчитывает более 33,5 тысяч объектов. В музее существуют экспозиции искусства Африки, Америки, Китая и Японии. Достойны внимания отделы декоративного искусства, фотографии, графики. Неизменной популярностью у посетителей пользуются залы, посвященные искусству древности, классической Европы и культуре американских индейцев.

История европейского искусства представлена такими именами, как Караваджо, Эль Греко, Тициан, Рембрандт, Петер Пауль Рубенс. Ни одна серьезная музейная коллекция европейского искусства XIX–XX веков не обходится без полотен импрессионистов и постимпрессионистов. Так, и канзасский музей располагает работами Эдгара Дега, Клода Моне, Камиля Писсарро и Винсента Ван Гога.

Изюминкой музея считается отдел Юго-Восточной Азии: шедевры Китая (одна из лучших в мире коллекций антикварной мебели), Японии, Индии, Ирана, Индонезии и Кореи.

Особое место занимает национальное североамериканское искусство, которое представлено работами Джорджа Беллоуза, Джорджа Калеба Бингема, Уинслоу Хомера, Джона Сарджента и многих других.

В зале музея

При музее открыт скульптурный парк с самой крупной в США коллекцией монументальных работ Генри Мура. Наверняка многие ценители прекрасного знают этот музей по его своеобразному символу — гигантским «Воланам» Класа Олденбурга (1994).

В настоящее время экспозиция и временные выставки ежегодно привлекают около 350 тысяч посетителей. Благодаря Музею искусства Нельсона — Эткинс Канзас по праву заслуживает звание одного из важных культурных центров страны. Мечта его основателей сбылась.

В зале музея

Искусство Египта

Рельеф с изображением Монтуэмхета и Анубиса. 665–650 до н. э. Фрагмент

Ра-вер 2503–2455 до н. э. Известняк. 177,8x65,4x41,9

Перед зрителем — статуя древнеегипетского аристократа по имени Ра-вер. Она найдена в погребении, в котором были захоронены несколько знатных семей. Рядом стояли изваяния дочери Ра-вера (след ее руки виден на правой ноге) и матери (след ее руки — на торсе справа). Представленная фигура очень типична и в целом характеризует скульптурное искусство Древнего Египта: строго фронтальна, детализация очень лаконична. Наряду с условностью позы, элементы тела реалистичны: обозначены грудная клетка, пресс, пупок, коленные чашечки. Общий вид таких статуй строг, от них веет вековым безмолвием. По поверьям древних египтян, эти фигуры воспринимались как аналог умершего человека. Энергия «ка» — современное понятие души — вселялась в них. Священнослужители молились за усопших перед их изображениями, подносили еду и дары. Именно поэтому для египтян так важно было написать имя человека на изваянии и сделать его реалистичным, чтобы покойный мог жить и после смерти.

Статуя Мечечи. Около 2375–2345 до н. э. Дерево, гипс, краска, медь, алебастр, обсидиан. 80,3x16,2x38,9

Данная египетская скульптура принадлежит захоронению периода Древнего царства. На поверхности земли возводилось прямоугольное сооружение с одним узким входом в подземелье, где располагалась погребальная камера. Помещение гробницы не было рассчитано на посещение, туда могли проходить только жрецы для осуществления ритуалов. Камера обычно богато раскрашивалась, в нее помещали статуи умерших, а также различные ценности. Естественно, таких почестей удостаивались только самые знатные люди.

Перед зрителем — портрет чиновника по имени Мечечи. Несмотря на реалистичность черт, облик идеализирован, он изображен юным в характерной для жрецов белой юбке на специальном каркасе. Сокровища упомянутой гробницы, в том числе плиты с росписями, повествующими об укладе жизни Древнего Египта, хранятся во многих музеях мира, в частности в Лувре и музее Метрополитен.

Голова Сенурсета III. Около 1874–1855 до н. э. Желтый кварцит. 45, 1x34,3x43,2

Перед зрителем — харизматичный правитель Древнего Египта. Наклон головы, форма губ, посадка глаз — все указывает на властность, независимость и уверенность в себе. Сразу видно, что это выдающаяся и суровая нравом личность. Безусловно, данный портрет не может считаться полностью реалистичным, так как скульптор не запечатлел признаков возраста фараона, но мастерство неизвестного ваятеля неоспоримо. Он изобразил Сенурсета III так, как тот хотел видеть себя. Названному правителю принадлежат слова: «Я расширил свои границы далеко на юг, я умножил то, что перешло мне по наследству… Нападать — значит быть храбрым, отступает только трус». На голове властителя — традиционный убор фараона, на лбу — оберегающая от злых сил кобра.

Принцесса. Около 1352–1336 до н. э. Известняк, краска. 39,4x15,9x18,4

Эта статуэтка древнеегипетской принцессы представляет самый загадочный и интересный этап развития искусства страны. Дело в том, что фараон Аменхотеп IV указом реформировал вековые традиции царства: перенес столицу (из Фив в Тель-эль-Амарну), заново отстроил себе резиденцию, переименовал богов, выдвинул новых, взял другое имя (Эхнатон), а также полностью поменял, казалось бы, незыблемые принципы художественного вкуса египтян. Скульптуры буквально в одночасье стали очень пластичными по трактовке поверхности, позам, портретным чертам. В них появились мягкость, человечность, особый лиризм, который виден в этом небольшом изваянии девочки из семьи правителя. Впечатляет и то, что в насквозь пронизанной условностями культуре вдруг позволяется, становится возможным изображение полностью обнаженного человека. Подъем нового искусства был недолгим, однако очень ярким и совершенно необъяснимым.

Рельеф с изображением Монтуэмхета и Анубиса 665–650 до н. э. Известняк, краска. 41,4x28,9

На данном древнеегипетском раскрашенном рельефе узнаваемого стиля изображен один из самых успешных чиновников страны по имени Монтуэмхет. За время деятельности этого влиятельного политика Верхний Египет пережил три нападения ассирийской армии. Он работал при сменивших друг друга четырех фараонах, которые утратили фактическую власть. Здесь Монтуэмхет в одеянии жреца предстал перед Анубисом, проводником усопших в загробный мир. Бог с головой шакала — один из самых популярных героев искусства страны, где главной книгой была Книга мертвых, а вся жизнь египтянина концентрировалась на культе умерших.

Рассмотрим основные особенности древнеегипетского рельефа, в целом не менявшиеся тысячелетиями (за исключением эпохи Эхнатона, о которой говорилось выше). Рельефы делались очень низкими, то есть снималась большая часть массы камня, оставлялись только тонкие силуэты. Еще применялся так называемый углубленный рельеф: фигуры прорезались в толще камня. Мастера словно распластывали тела по поверхности. Они создавали наиболее полное изображение человека, обычно глаз не в состоянии так увидеть силуэт. Каждая фигура традиционно «составлялась» из фрагментов, данных в разных ракурсах: торс — в фас, голова и ноги — в профиль. Рисунки размещали в одну линию, несколькими ярусами. Движение сцен, повествование приобретало неторопливый, монотонный характер. Преобладание силуэтов и единство стиля подчеркивали гладкость стен. Создавалась необычайно торжественная атмосфера размеренной устремленности к вечности. Мастера не использовали ракурсы и перспективные уменьшения. Размеры фигур соответствовали статусам персонажей: самыми крупными делались боги, потом фараоны, аристократы, а самыми маленькими дети и рабы.

Эстетику древнеегипетского рельефа сотни лет спустя, в XIX и XX веках, открыли для себя европейцы.

Женский портрет 130–161 год н. э. Деревянная панель, энкаустика, позолота, гипс. 44, 5x17,2

Перед зрителем так называемый фаюмский портрет — реалистичное изображение умершего, которое при погребении помещали на верхнюю часть тела мумии. Указанный обычай появился в Египте во времена Римской империи: обряд мумифицирования был традиционным, а документальная передача облика человека — достоянием римской культуры. Вместе это дало потрясающие по своей жизненности и одновременно идеализированности и благородности погребальные портреты. Кажется, что задумчивый взгляд умершей отражает мысли о загробной жизни. Произведения данного жанра делались в технике энкаустики: мастера наносили на деревянную панель расплавленные восковые краски. Такой способ придавал особую стойкость изображениям, делал их «вечными». Поэтому они дошли до наших дней в почти нетронутом виде.

Искусство Древней Греции и Древнего Рима

Сатир на коленях. 150-31 до н. э.

Курос. Около 490 до н. э. Мрамор. 19x14

Куросом называют статую, представляющую обнаженную мужскую фигуру. Этот тип появился в древнегреческом искусстве в период архаики. На языке оригинала слово «курос» означает «юноша».

Скорее всего, данное изваяние являлось частью погребения. Такие скульптуры стали появляться на территории Греции в VII–VI веках до н. э., их изготовление было значительным шагом вперед на пути к реалистичности изображения человека. Первоначально на греческих ваятелей повлияли египетские мастера: это выражалось в общей статичности, фронтальности и застылости позы куросов. Типично греческая черта, которая потом стала классической и оказалась перенята всем европейским искусством, — анатомическая точность в изображении обнаженного тела, она сочеталась с визуальной гармоничностью пропорций. Образ у скульпторов получался очень «человечным» — это коренное свойство античного искусства.

Этрусская статуэтка 460–450 до н. э. Бронза. Высота — 40,6

Эта фигурка считается одной из самых ценных среди объектов статуарного искусства этрусской бронзы в американских музейных коллекциях. Фактура накидки и обнаженного тела, черты лица и тончайшая детализация изображения, гармоничные пропорции, тщательное и виртуозное исполнение в названном материале — все свидетельствует о ее высочайшем художественном качестве. По версиям историков, статуя представляет либо этрусского бога войны Мариса, либо греческого Геракла или же какого-то высокопоставленного смертного. Этруски соседствовали с греками, они жили на побережье Средней Италии (Апеннинский полуостров). Так, более развитая культура влияла на них в области письменности и искусства. Этруски, в свою очередь, оспаривали господство греков на море.

Лев. Около 325 до н. э. Мрамор. 11 3x204,5

Эта статуя весом более 1300 килограммов была создана в Афинах в классический период развития древнегреческого искусства, в IV веке до н. э. Она сделана из пентелийского мрамора. Данный вид камня — один из излюбленных материалов строительства и ваяния в главном городе Аттики. Сразу после добычи он бел и зернист, но постепенно под воздействием солнца желтеет и приобретает благородный золотистый оттенок. Когда скульптуру обнаружили, она состояла из 48 разных по величине фрагментов. Ученые провели большую работу по ее реконструкции. Недостающие части были отлиты в гипсе.

Статуя льва имела определенную символическую функцию. По верованиям древних, это животное должно было защищать кладбище, у входа которого его установили. Характерна поза: зверь готов к нападению, мускулы напряжены, пасть застыла в рыке, виден оскал. Судя по отдельным частям тела, ваятель никогда не видел настоящего льва. Возможно, он бегло ознакомился с каким-либо обобщенным рисунком, представляющим его, а потом в процессе работы «реконструировал» изображение по памяти. Так, неизвестный древнегреческий мастер дополнил фигуру этого хищника чертами других зверей: бедро коровы, позвоночник козла, ребра лошади. Глаза очень похожи на человеческие, а поза больше свойственна собакам, форма ноздрей позаимствована у них же. Скорее всего, для выполнения данного заказа автор наблюдал и зарисовывал движения и наружность наиболее доступных для него домашних животных. Но особенный образ зверя ничуть не умаляет выразительность статуи. Производят впечатление сильные передние лапы, их четко прорезанные мускулы и сухожилия. Скульптор добился главного для фигуры охранника умерших афинских граждан: лев выглядит свирепым и мощным.

Римский патриций. Около 120. Мрамор. 43, 2x60x27,3

Римские скульптурные портреты считаются одной из ярчайших и недосягаемых вершин европейского искусства. В первые века нашей эры мастера создали целую галерею изображений своих соотечественников. Главная особенность этих бюстов — гармоничный баланс между острой натуралистичностью и ощущением благородства, уверенности в себе, которое исходит от них. Так в классическом древнеримском искусстве соединяются документальность облика с его идеализацией.

Портрет неизвестного патриция реалистичен: уголки рта опущены, кожа дряблая. Некоторые специалисты даже предполагают, что запечатлен человек, перенесший сердечный приступ. Однако, как считали древние мастера, гражданин любой внешности, прославившийся работой на благо империи, заслуживает увековечения в мраморе.

Погребальный портрет неизвестной женщины. Около 120–130. 63,5x43,2x24,1

Стрижка и сегодня многое может сказать о человеке, носящем ее: строгий офисный стиль, коса до пояса, африканские дреды, цветные ирокезы. Так было и в древние времена. Прическа изображенной дамы ярко свидетельствует о ее высоком положении в обществе. Для создания подобной требовалось несколько слуг. Волосы героини убраны в парадном стиле. О том, что перед зрителем посмертный портрет, свидетельствует небольшой завиток листьев аканта. Считалось, что человек снова переродится, как акант по весне. По традициям погребения такой бюст устанавливался непосредственно на могилу. Подобные мемориальные статуи служат очень важным источником информации о повседневных и культурных традициях древности.

Кастор или Поллукс. Середина II века. Пентелийский мрамор. Высота — 76,2

Предположительно, перед зрителем изображение одного из двух легендарных мифологических героев Древнего Рима: Кастора или его брата Поллукса. Прославившиеся силой, отвагой и приключениями близнецы входят в число самых популярных персонажей европейской живописи и скульптуры. Они рождены от разных отцов: Кастор — сын человека, Поллукс — бога Юпитера. Из любви к брату Поллукс поделился своим бессмертием.

Данная статуя — прекрасная древнеримская копия из пентелийского мрамора. Она — вариация на тему изваяния, которое в V веке до н. э. украшало вход на афинский Акрополь. Бросается в глаза подчеркнуто героическая внешность юноши: развитая мускулатура, идеализированное лицо, спокойная и в то же время собранная поза.

Портрет римского юноши. Середина II века. Мрамор. 168, 3x43,2x35,6

Древние римляне считали, что усопший человек становится бессмертен, как божество. Именно этими воззрениями объясняется частое устанавливание на могилы статуй умерших в идеализированном виде. Например, данный неизвестный юноша своей позой похож на распространенный тип изображения бога Аполлона. Стоит обратить внимание на характерную черту древнеримского искусства: лицо подростка сделано реалистично, а идеальное, недетское тело словно приставлено к нему. Этот метод запечатления государей и полководцев заимствуют столетия спустя европейские скульпторы классицизма по всему миру. Можно назвать, например, знаменитый памятник А. В. Суворову, созданный М. И. Козловским (1801, Санкт-Петербург).

Искусство Азии

Стоящий Будда. 668–935

Сцена из жизни Будды. Конец II — начало III века. Филит. 57, 2x91,4

Перед зрителем — образец буддийского искусства Гандхары (исторической области на северо-западе Индостана, которая к описываемому моменту была под властью Греко-Бактрийского царства). Сформировавшаяся тогда культура представляет собой уникальный синтез древнеиндийского, буддийского и античного искусства.

Стилистически фигуры выполнены по всем правилам буддизма, однако позы приобрели большую устойчивость и меньшую чувственность. Будда невольно напоминает римского военачальника или императора с античных рельефов. Композиция также заимствована, на этом фрагменте Учитель — в центре, вокруг — группы почитателей. Ранее искусству региона были свойственны незавершенность повествования, ритмичность, стремящаяся к бесконечному штампу, в этот период индийская пластичность встретилась с римской деловитостью и воплотилась в иконографию изображения Будды. Она оказалась разработана именно в Гандхаре. Учителя представляли с миндалевидным овалом лица, в скромном монашеском облачении. Этим он отличался от бодхисатв, богато одетых. Несомненно, классическая античная скульптура, гармоничность ее пропорций и направленность на чувства зрителя, оказала влияние на человечески теплый образ Будды. В нем божественное величие сочеталось с духовной красотой. Примечательно, что в гандхарских произведениях наряду с традиционными образами буддизма встречаются античные купидоны, легендарные герои Древней Греции и Рима, а фигурки Будды занимают место на капителях колонн.

Лев Конец. VII-начало VIII века. Мрамор, краска. 29,9x20,3x24,8

Представленное изваяние относится к одному из самых ярких этапов развития искусства Китая. В период империи Тан (618–907) оно пережило расцвет и плодотворно обогащалось соседними культурами: в стране работали арабы, персы, японцы, буддизм сосуществовал с конфуцианством и даосизмом.

Скульптура того времени — важнейшая часть буддийской храмовой архитектуры. Пластика достигла выразительности, энергичности выявления отдельных элементов (анатомии). Декоративность (стоит обратить внимание на трактовку гривы) сочеталась с потрясающей точностью и документальностью позы. Лев в буддизме традиционно символизировал защитника, а также аллегорически представлял самого Будду. Такие изваяния ставили у входа в священные места. Раскрытая в рыке пасть должна была отпугивать злых духов.

Йогиня. Конец IX-начало X века. Камень. Высота — 133,4

В конце IX века на территории Тамила (юг Индии) самым сильным стало государство Чола, в регионе начался мощный расцвет искусств. Возведение храмовой архитектуры достигло небывалых размахов, дороговизны затрат и пышности отделки. Ритуалы также сделались почти фантастическими в своих роскошествах: на скульптуры во время жертвоприношений выливались целые ведра молока и апельсинового сока, о них разбивали сотни кокосовых орехов. Сами изваяния становятся очень чувственными: круглящиеся линии груди, бедер и живота, эротичные позы. В этом проявляется основное отношение индусов к сущности божеств: идея созидания, выраженная через сексуальные практики. Данная скульптура представляет женщину-йога, йогиню. Пышность ее форм отличается от сегодняшнего образа йогов — высохших от постоянной аскезы старцев.

Караиккал Аммаяр. XI век. Бронза. 49,9x22,5x14

Эта бронзовая статуэтка необычна своими островыразительными формами и сюжетом. Она отличается непревзойденными по тонкости чеканки деталями. Изображена реально существовавшая в середине VI века одна из трех женщин-наянмаров (так называли шиваитских святых и поэтов) Караиккал Аммаяр. Известно о 63 наянмарах, они жили в Тамиле в период с V по X столетие.

Караиккал — чрезвычайно популярный образ в тамильской литературе и искусстве. Здесь ее изображение далеко от привычной пышнотелой чувственности индуистских танцовщиц. Женщина была красавицей, после того, как ее муж узнал, что она наделена магическими способностями, он отказался от нее. Тогда несчастная стала умолять Шиву, своего покровителя, отдать ее тело демонам, ведь ей, покинутой, уже не нужна красота. Караиккал вела аскетичный уединенный образ жизни, посвятив себя написанию гимнов в честь бога.

Гуань Юй 907-1234. Дерево, краска. 241,3x165,1

Эта статуя отличается богатством отделки, усложненной фактурностью и полихромией (она раскрашена в несколько цветов). В рассматриваемый период буддизм утрачивал свои позиции при императорском дворе и скульптура, которая по традиции поддерживалась государством, постепенно уходила от духовных характеристик персонажей, эволюционируя к более утонченным, даже рафинированным образам. На примере данного изваяния видно, как неизвестный мастер увлеченно покрыл тончайшей, изощренной резьбой одежду героя. Гуань Юй, военачальник царства Шу (221–263), — один из главных героев популярного приключенческого романа «Троецарствие».

Богиня облаков и воды. Около 825-1310. Песчаник. 60,3x26

В древнеиндийской мифологии почитались богини облаков и воды, их называли «апсара». По своим функциям они близки древнегреческим нимфам. Эти существа — популярные героини рельефов на стенах храмов. К описываемому времени они стали изображаться как прекрасные молодые девушки — танцовщицы и куртизанки. Апсары, как правило, богато одеты и представлены в чувственных позах.

У ног полуобнаженной девушки — обезьянка, она стягивает с ее бедер легкое покрывало. На этом примере хорошо видны основные черты индийской пластики: пропорции приземисты, отдельные части тела несоразмерно велики. Все сделано, чтобы подчеркнуть чувственность героини, ее тесную связь с окружающим миром. Изысканная и скрупулезная резьба орнаментов и деталей туалета сочетается с лаконичной трактовкой лица. Древним мастерам был важен не портрет, а узнаваемость типа.

Мухаммад Сиях Калам(?) (1469–1525) Птицы и хищники в цветах. Конец XV века. Бумага, чернила. 16,5x24,7

Данный рисунок сделан в Тебризе, откуда ведет свое начало одна из самых интересных и известных художественных школ мусульманского Востока (сейчас — крупный город Ирана на границе с Азербайджаном). Тогда, в конце XV века, он был центром искусства миниатюры, а значит, и графической культуры. Пришедшие к власти тимуриды принесли с собой традиции китайской живописи, которые обогатились исламскими принципами искусства.

Этот лист дает представление о синтетическом характере исламо-китайской графики. Способ расположения животных очень свободен, тонкие контуры и штриховка говорят о китайской составляющей. Также обращает на себя внимание характерная для этой азиатской культуры трактовка сухих сучковатых стволов деревьев и изящных завитков облаков. Заполненность страницы и панорамная точка зрения, в свою очередь, — исламский компонент. Стремление к сплошной орнаментальности и интерес к изображению беззаботного досуга сочетаются со сценами погони и охоты. Художник словно доносит до зрителя, что за каждой игрой может скрываться конкуренция, в мире царят борьба и соперничество, а также вечное противостояние сильных и слабых, мужчин и женщин. Работа предположительно приписывается одному из известных мастеров того времени — Мухаммаду Сиях Каламу, из-за схожести манеры компоновать сюжеты и графического стиля. Однако многие историки искусства оспаривают реальность этого автора и считают, что произведения, подписанные названным именем, принадлежат целой группе творцов.

Чжоу Чен (1455 — после 1536) Свиток. Без даты. Шелковая бумага, акварель, чернила. 28,3x135,9

Китайская живопись — уникальный пример жизнестойкости традиций. Сложившись к Средневековью, она сохранила специфику до наших дней. Стиль художников страны узнается моментально. Поэтическое упоение красотой окружающего мира, тишина и умиротворенность, разлитые в пейзаже, необычная перспектива изображения — все эти признаки составляют гордость национальных мастеров во все века. Живопись формировалась на основе искусства каллиграфии. Красота почерка, гибкость линии и деликатность пятен туши стали незыблемыми.

В Европе множество разных концепций в определенные времена составляли ценность и цель живописи: идея Бога, аллегории, мифы, символы порядка, реализм и документальность повествования, а также выразительность совершенно разных чувств. В Китае красота во всех смыслах: красота мира и мельчайшего штриха — неизменная основа искусства. Важную роль играла и концепция «инь — ян»: единство противоположностей как залог гармонии Вселенной. Инь — пассивное, слабое, темное, мягкое, женское начало и ян — активное, светлое, сильное мужское.

Свои композиции мастера традиционно выполняли на свитках. Слева — участок с преобладанием темного: густой зелени деревьев, мрачных скал, приземистых домиков. Каждый предмет по отдельности — уже маленькое произведение искусства. Справа открывается панорамный вид на покрытую дымкой долину, раскинувшуюся внизу. С легкостью можно представить одинокого человека, который выходит из дома и в задумчивости любуется ею. Тишина и простор оглушают зрителя. Притом в картине нет ничего застывшего, все будто обладает внутренней динамикой. Это еще одна отличительная черта китайской философии живописи: художники стремились выразить постоянную изменчивость природы.

Махасиддх. Конец XVI-начало XVII века. Серебро, бирюза. 19,4x12,7x9,2

Махасиддх — йогин, благодаря психопрактике и особым медитативным состояниям достигший высших сверхспособностей. В каком-то смысле его можно сравнить с православным юродивым. Йогины вели себя вызывающе, на взгляд обывателей: входили в состояние транса во время тантрических танцев, были эмоционально и сексуально раскрепощены, проповедовали и визионерствовали. Символы на короне и блаженная улыбка персонажа означают возвышение над бренностью существования и победу над смертью.

Победа Кришны над Агасурой. Начало XVIII века. Бумага, акварель. 24,7x39,7

Эта оригинальная и яркая работа представляет живопись региона Мевара в Раджастхане. В XVI–XVII веках Индия была объединена под властью мусульманской династии Великих Моголов. При них сложился величественный парадный стиль во всех областях искусства: от монументальных архитектурных ансамблей до придворной миниатюры. Мастерство живописцев сформировалось на основе предшествовавшей иранской классической традиции Тебриза (XVI столетие). Век спустя был создан и собственный стиль, отличающийся яркостью красочной палитры, динамичностью композиций, документальностью в передаче деталей.

Эта акварельная работа впечатляет свежестью красок и оригинальностью образов. Здесь в светло-зеленом цвете с желтоватым оттенком изображено морское чудовище, демон Агасура. Сцена взята из многочисленных описаний приключений Кришны в юношестве. Он вошел в пасть монстра и вырвал ему сердце. Мастер изображает бога дважды — в открытой пасти демона и в правой части листа, стоящим рядом со своим братом Баларамой. По обычаю, Кришну представляли мальчиком или молодым человеком. Кожа бога синего цвета, потому что с санскрита его имя переводится как «Черный или темно-синий». В поэзии традиционным стало сравнение облика Кришны с цветом облаков. Действие происходит в темноте, очень оригинально смотрятся яркие тона на мерцающем звездном фоне.

Шиокавабунрин (1808–1877) Речной пейзаж с светлячками 1874. Бумага, чернила, пигмент, золотая краска. 172,7x377,2

Пейзажи — традиционный жанр живописи в японском искусстве. В нем наиболее полно отразились самые существенные черты национальной философии. Принципы монохромного пейзажа были заимствованы художниками из более древней культуры Китая. В Японии этот жанр приобрел собственные черты. Большое значение наряду с графической составляющей (работа штрихами, силуэтом) имеет моделировка листа с помощью широких мазков туши. Она создает вибрирующий фон, на котором чернилами выводятся предметы. Живопись творцов отражает трепетное изумление красотой природы, гармонией мироздания.

Шиокава Бунрин был учеником знаменитого Окомото Тойохико, самого значительного мастера школы Шийон в Киото. Художник работал по заказу аристократических семей города. На его принципы большое влияние оказала западноевропейская живопись. Представленная работа впечатляет реалистичностью. Пространство дышит сгущенным, сумеречным воздухом. В дымке тускло светятся светлячки. Несмотря на утопающие в тумане предметы, художник четко выстраивает композицию в глубину. Этот эффект достигнут лишь распределением более и менее светлых полос туши. Мастер не раз рисовал такие пейзажи со светлячками. Горизонтальное панно на эту же тему хранится в Британском музее в Лондоне (1875). Сдержанный стиль письма, почти меланхолическая атмосфера большей части работ Бунрина отвечали вкусам киотской знати.

Искусство Африки

Женская маска. Начало XX века

Голова Обы. XVI век. Латунь. Высота — 23,2

Внимание к скульптуре Африки возникло в Европе в конце XIX века. Тогда мастера Парижа, Рима, Берлина, Лондона, Москвы и Петербурга искали новые импульсы к творчеству, стремились познать таинственные культуры других цивилизаций. В начале XX столетия первооткрывателями африканской деревянной пластики стали французские авангардисты, а также наши отечественные художники. Начался настоящий бум интереса к Черному континенту. От творцов, которые часто не имели денег даже на собственное пропитание, не говоря уж о возможности отправиться в Африку, внимание к этому искусству перешло к коллекционерам. Музеи стали посылать своих сотрудников в порой опасные путешествия на названный континент. Сейчас такие, как представленная, скульптуры стоят тысячи и миллионы долларов. Тогда их покупали почти даром. Необходимо помнить, что еще в первой половине XX века настоящим искусством мыслился лишь относительно небольшой период в истории европейской цивилизации: античность, возрождение и классицизм. Все остальное — произведения Средневековья, барокко, доисторических культур и наследие восточных стран — считалось, скорее, забавной экзотикой. Интерес к неевропейским цивилизациям художников, а также ценителей прекрасного изменил это отношение. Лучшее тому подтверждение — экспозиция канзасского музея, которая в целом отличается очень высоким качеством и прекрасным вкусом коллекционеров.

Данный превосходный образец латунной скульптуры XVI столетия изображает одного из королей Бенина. Это царство на территории современной Нигерии было одним из центров ваяния. Интересно взглянуть на необычную форму головы персонажа. Линии черепа очень мягкие, мастерство отливки совершенно, такой технике позавидовал бы любой европейский ваятель. Детали облика короля выполнены с большой тщательностью, ведь они являлись символами и одновременно оберегами правителя. Скульптурная голова традиционно устанавливалась на алтарь, у которого поминали предков племени.

Панель из дворцового интерьера с изображением военачальника, солдат и слуг. XVII век. 37,5x39,4

Африканская пластика отличается потрясающим воображение разнообразием и сложностью исполнения. Мастера использовали разные сорта дерева, терракоту, камни различных пород, достигли совершенства в бронзовом литье, применяли многочисленные аппликативные техники и окраску.

Царство Бенин славится виртуозностью бронзового литья. Расцвет пришелся на XVI–XVIII века: к этому периоду относятся многочисленные рельефы для украшения дворцовых стен, алтари с символами плодородия, статуи правителей, военачальников, сановников и священных животных, ритуальные сосуды, колокола.

На данной панели изображена сцена придворного ритуала. Она предназначалась для оформления интерьеров дворца. В центре стоит военачальник с характерными атрибутами — мечом и копьем. Интересно, что эти предметы представлены реалистично, оружие действительно имело такую необычную форму и декор. Однако оно не было боевым, а служило лишь символом войны, храбрости, нападения. Вождь совершает молитву за укрепление мистических, сверхъестественных сил короля, которыми тот, как верили его подданные, обладает. Фон украшают речные цветы, олицетворявшие бога воды, плодородия и здоровья. Наряду с документальным изображением одежды, орудий, мелких деталей, трактовка облика людей чрезвычайно фантазийна. Очень эффектно смотрятся гипертрофированные губы и носы, пластичность и сложность силуэта сочетаются с лаконичной проработкой глаз и условными пропорциями тела. Такое творческое, сложное и оригинальное видение человека долгое время заставляло исследователей искать следы влияния какой-то более развитой цивилизации, выдвигались даже теории, что в этих местах находилась легендарная Атлантида. Историки никак не могли поверить, что африканские народы, оставшиеся на уровне первобытно-общинного строя, создали такие шедевры скульптурного искусства.

Королевский трон. Около 1860. Дерево, серебро. 37,9x59,7x33,7

Перед зрителем — церемониальный трон народности ашанти. Она была частью этнической группы акан, живущей в центральных районах Ганы. Такой трон — важный символ национальной идентификации, он даже изображен на флаге ашанти. В начале XVIII века племена объединились для войны против соседей и боролись за контроль над торговыми путями. По типу общественной структуры это была конфедерация. Во главе стоял правитель, а управляли верховный вождь и его соправительница, «королева-мать».

Богато оформленный и искусно вырезанный трон для церемонии коронации являлся частью наиболее важного для конфедерации, где часто происходила смена вождей, ритуала. Затейливая символика отражает идею непобедимости правителя. Деревянная основа украшена серебряными листами с разнообразной и многозначной гравировкой. Общий силуэт очень эффектен, трон состоит из нескольких лаконичных элементов.

Этот артефакт относится к самому яркому, напряженному и, в конце концов, трагическому периоду истории ашанти. К XIX веку конфедерация превратилась в мощную державу. Начался расцвет искусств и ремесел. Страна контролировала торговые пути. Но вскоре европейские колонизаторы начали борьбу за сферы влияния. Весь век ашанти воевали с англичанами. Первое время они побеждали (в 1806, 1811, 1815, 1826 и 1863). Однако британцам удалось проникнуть в столицу, полностью разграбить и уничтожить ее. С тех пор культура, а вслед за ней и искусство народа пришли в упадок.

Ритуальный головной убор. XIX век. Дерево, латунь, железо. 53x67,9. Вес — 4,8 кг

Эта скульптура, потрясающая своими фантазийными, необычными формами, — плод культуры и оригинальное изобретение африканского народа бага, который живет на побережье Гвинеи. Ее голова похожа на антропоморфное создание. Ее гипертрофированные очертания очень выразительны. К длинной шее присоединен барабанообразный сосуд с крупными прорезями. Портретные характеристики существа неуловимо напоминают человека (эффектные, крупные глаза и нос), а общий силуэт — птицу с длинным хвостом или клювом. Птицы, по африканским поверьям, являлись посланниками богов и духов. Фигурка призвана символизировать самого главного духа, которому поклонялись бага, — сверхъестественное существо, создавшее мир и покровительствующее земледелию. Стоит только представить, как тяжело было жрецу, который надевал этот убор весом почти 5 килограммов во время ритуалов.

Другие ритуальные скульптуры народа также достаточно тяжелые, и многие сделаны аналогично. На постамент или подставку устанавливается изображение птицеподобного существа. Сакральная пластика бага, пожалуй, самая оригинальная и необычная не только в африканской скульптуре, разнообразие которой способно удивить даже самого искушенного зрителя, но и в мировой истории ваяния.

Бисерный фигуративный трон. XIX век. Дерево, бисер, морские раковины, древесное волокно. 180,3x67,3x66

Данный уникальный экспонат создан одной из народностей Камеруна. Он дает возможность увидеть, как исконно африканские приемы искусства синтезируются с новыми материалами, которые привезли на континент европейцы-колонизаторы. Этот традиционный парадный трон обшит цветным бисером. Стеклянные бусинки были привезены из Европы, сложно вообразить себе, как они впечатлили своими художественными качествами не знавших стекла африканцев. Спинкой трона служит изображение духа вождя, который «попирает» грозного, ощетинившегося леопарда. Образ олицетворяет бесстрашие и легитимность его нахождения у власти. Стоит обратить внимание на мистическую символику повторения: дух и одновременно предок правителя сидит на леопарде, реальный вождь, усаживаясь на трон, делает то же самое.

Фигура, олицетворяющая материнство и плодородие. XIX век. Дерево, пигмент. 47, 6x7,6

Данная скульптура — произведение одного из народов Конго. В культуре лулуа считалось, что состояние кожи прямо свидетельствует о физических и моральных качествах человека. Поэтому даже в тело деревянной статуи, олицетворяющей материнство и плодородие, ритуально втирали пальмовое масло и порошок из коры деревьев. Фигура, ее силуэт и пропорции отражают идеал красоты названного народа. Статуя объясняет привлекательность африканской скульптуры для европейцев XX века. Мастера интуитивно сочетали абстрактные элементы (конусы) и натурализм важных для символического значения изваяния деталей (живот, крупные соски). Виртуозность обработки дерева дополнялась непередаваемой фантазийностью трактовки фигуры человека.

Сакральная фигура. XIX век. Дерево, медный сплав, железо. 63,2x40,6x7,6

Многообразие форм, которые создавали африканские скульпторы, не поддается учету. У каждой народности, в каждом поселении встречаются самые необычные артефакты. В них абстрактные геометризированные мотивы естественным образом сплавляются с узнаваемыми деталями и острыми характеристиками этнического типа. Можно с уверенностью сказать, что народы континента вопреки всем теориям о параллелизме социального развития и искусства в обществе создали собственный стиль в искусстве, не достигнув при этом экономической независимости.

В данной работе народа кота нет ничего схематичного или примитивного. Это очень оригинальная двусторонняя скульптура, очарование которой основано на лаконизме силуэтов и сопоставлении цветов. Произведение, как было принято в регионе, посвящено культу предков, таким оригинальным образом (голова человеческая, тело — абстрактное) мастера изображали некогда жившего — ныне духа и защитника племени.

Ритуальная маска. XX век. Дерево. 34,6x29,2x17,8

На северо-западе Камеруна проживает народность ком. Ей, как и большинству населения Африки, было свойственно поклоняться духам и силам природы, верить в общего предка, защитника племени. Позже миссионерская деятельность колонизаторов принесла на континент христианство.

Все произведения африканцев посвящены исконным верованиям. Песни, пляски, рассказы о прошлом, костюмированные представления являлись частью религиозной практики. Эта маска — украшение головы — неотъемлемый элемент подобного празднества. На ней изображено существо — полуобезьяна-получеловек, олицетворяющее клан правителей народности. На голове у него — три хамелеона, которые символизируют мистические сверхспособности правителя. Художественный язык пластики, вдохновленный верой, строится, как обычно для африканского искусства, на синтезе реалистических деталей в изображении человека и животного и концептуальной композиции, основанной на выразительности простых геометрических форм.

Европейское искусство

Лукас Кранах Старший. Три грации. 1535

Петрус Кристус (около 1410–1475/1476) Богоматерь с Младенцем в домашнем интерьере. Около 1460–1467. Дерево, масло. 69,5x51

Данная работа является одним из самых важных и ценных экспонатов коллекции канзасского музея. Она прекрасно демонстрирует лучшие черты искусства Северного Ренессанса: математически рассчитанную перспективу, внимание к каждой, казалось бы, второстепенной, бытовой детали. Так, религиозная по сюжету картина (традиционный образ Богоматери с Младенцем) превращается в почти жанровую сцену. Перед зрителем — наполненный особой молитвенной тишиной и покоем уютный дом. Свет из окна, в котором виден реальный пейзаж города Брюгге, мягко обволакивает пространство интерьера. Искусство Северной Европы воспевало поэзию домашнего мира, который становится целой Вселенной. Петрус Кристус был одним из учеников великого Яна ван Эйка, фламандского живописца первой половины XV века.

Альбрехт Дюрер (1471–1528) Немезида (Фортуна) 1501–1502. Гравюра. 33x22,7

В этой гравюре великий немецкий художник Северного Ренессанса Альбрехт Дюрер соединил в образе крылатой женщины сразу двух богинь — Немезиду, древнегреческую богиню возмездия, и Фортуну, древнеримскую покровительницу удачи и побед. Он мастерски задает загадку своим зрителям, остроумно совмещает во многом противоположные смыслы: ведь удача часто означает возможность избежать возмездия. Нужно обратить внимание и на сферу под ногами обнаженной аллегории. Женщина твердо и упрямо шествует вперед, в то же время балансируя на шаре, олицетворяющем случайность, прихотливость везения. Тщательно проработанный топографический пейзаж и уверенное, точное изображение человеческого тела демонстрируют дар Дюрера-рисовальщика. Он считается одним из самых талантливых и влиятельных художников Германии за все ее существование.

Бартоломео Пассаротти (1529–1592) Рисунок статуи Микеланджело «Аврора». Около 1550. Бумага, карандаш, коричневые чернила. 44,1x29,2

На этом листе Бартоломео Пассаротти выполнил рисунок статуи «Аврора» Микеланджело. Скульптура украшает одно из самых знаменитых творений мастера — надгробие Лоренцо Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Самостоятельная работа по копированию шедевров — и сегодня важнейшая часть обучения художников. Пассаротти был представителем болонского маньеризма. Данное направление вопреки своему названию, которое сейчас звучит как «манерность», включает произведения мистического содержания. Краски на картинах маньеристов словно плавятся от духовного жара, фигуры вытянуты, лица болезненны, они символизируют триумф души над бренным телом. Микеланджело состоял в числе кумиров маньеристов из-за особого «титанического» характера его персонажей.

Иоахим Эйтевал (1566–1638) Мученичество святого Себастьяна 1600. Холст, масло. 169,2x125,1

Иоахим Эйтевал, известный нидерландский творец первой половины XVII века, использовал сложные, даже неожиданные ракурсы персонажей. Данная работа также относится к стилю маньеризм. В ней самое главное — сочетание виртуозной техники с религиозным сюжетом, который словно «оправдывает» доведенную до щегольства техничность исполнения. Страстный порыв духа святого Себастьяна конгениален стремлению мастера, вложившего все свое умение в живописное произведение. Святой был римским легионером, он пострадал за веру во время гонений на христиан.

Считается, что эта картина была заказана не для церкви, а для полиции, которая существовала в то время в стране.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Иоанн Креститель в пустыне 1604–1605. Холст, масло. 172,7x132

Полотно Микеланджело Караваджо — гордость коллекции канзасского музея, так как в Америке есть всего несколько подлинников великого мастера. Этого итальянского художника XVII века не зря называют реформатором в искусстве, он положил начало новому направлению живописной культуры. Отныне в картинах ценились скульптурная осязаемость плоти, сложные, анатомически верно написанные ракурсы, мощные светотеневые переходы, которые играли символическую и даже повествовательную роль в композиции. Техника резких контрастов называется «кьяроскуро», она захватила воображение творцов того времени. С тех пор появилось громадное количество картин «под Караваджо», специалисты называют последователей мастера «караваджистами». Не поддается подсчету число подделок, которые мошенники из разных стран пытаются продать под видом его оригинальных работ.

Никола Пуссен (1594–1665) Триумф Вакха 1635–1636. Холст, масло. 128,3x151,1

Музей владеет первоклассной коллекцией живописи, данная картина — доказательство этому.

Никола Пуссен — родоначальник классицизма в искусстве, пережившего расцвет в XVII–XIX веках по всей Европе. У мастеров было несколько основных ориентиров: во-первых, идеализированные образы античности, которые европейцы знали, в основном, по римским копиям с греческих мраморных статуй. Художники XVII–XIX столетий наделяли современников прекрасными телами атлетов, а также благородными чертами лица, а наготу прикрывали изящными древнеримскими тогами. Во-вторых, за образец брались искусство и культура итальянского Ренессанса с его культом «универсального человека» (всесторонность знаний и умений), идеалом гармонического устройства общества и стиля жизни. Живописцы изображали на своих полотнах героев, которым сами хотели подражать, стремились устроить жизнь так, чтобы она была наполнена профессиональной деятельностью, интеллектуальным трудом и одновременно рафинированным досугом. Картины получались под стать: строгая, математически рассчитанная перспектива вмещала монументальные сцены с многообразием движений, поз, ситуаций и лиц.

В этом полотне все именно так: Вакх, бог вина, ведет за собой триумфальную процессию воинов, возвращающихся из победоносного похода в Индию. Композиция строится фризом, горизонтальной лентой, чтобы дать зрителю возможность подробно рассмотреть трепетную поверхность кожи персонажей, оценить их красоту, юность и стройность, а также богатства, которые вывезены из сказочной далекой страны. Обилие золота придает произведению атмосферу таинственности и уникальности. Драгоценный металл словно пропитывает воздух. Такой шедевр придавал интерьеру помпезность. А владельцу, знаменитому кардиналу Ришелье, созерцание полотна должно было принести удовольствие от вида триумфа, где люди подобны богам.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Молодой человек в черном берете 1666. Холст, масло. 81,6x64,5

Галерею шедевров канзасского музея продолжает портрет кисти Рембрандта. Этот нидерландец — один из величайших художников в европейской истории искусств. Основные принципы его работы: живая фактура красок, искусно рассеянный свет, психологическая характеристика моделей. Портреты живописца одновременно реалистичны и обладают особым благородством и монументальностью образов, их заказывали ему знатные люди со всего мира.

Неизвестный молодой человек одет неброско, все внимание творца сосредоточено на его открытом лице. Юноша смотрит на зрителя и в то же время как будто немного в сторону. Картина написана смелыми, широкими мазками, другой стороной кисти мастер выделил пряди волос юноши для создания более богатой фактуры.

Неизвестный мастер, ранее приписывалось Якобу Ауэру Падение ангелов. Начало XVIII века. Слоновая кость. 27,3x15,2

Перед зрителем — ни с чем не сравнимый предмет жанра кабинетной скульптуры. Шедевр резьбы по слоновой кости изображает монументальную сцену падения ангелов. Фактически, это точная иллюстрация из Откровения Иоанна Богослова: «И услышал я громкий голос, говорящий на небе: ныне настало спасение и сила и царство Бога нашего и власть Христа Его, потому что низвержен клеветник братий наших, клеветавший на них пред Богом нашим день и ночь». Сложность композиции, виртуозность выделки, а также сам сюжет ярко характеризуют религиозное и светское искусство маньеризма и рококо. Техническое совершенство данной небольшой вещицы потрясает воображение, требуется много времени, чтобы рассмотреть все фигурки ангелов и демонов.

Франсуа Буше (1703–1770) Пейзаж с водяной мельницей 1740. Холст, масло. 130,3x163,2

Эта прекрасная монументальная картина принадлежит кисти Франсуа Буше. Он — ярчайший представитель искусства рококо. Так называли стиль второй половины XVIII века, зародившийся во Франции. Первоначально данное направление, получившее название от орнамента «рокайль», было свойственно дизайну декоративно-прикладных предметов, мебели, интерьеров. Его смысл заключается в усиленной орнаментальности, что явилось продолжением и своего рода реакцией на барокко, предшествовавшее рококо. Легкость, жизнерадостность и куртуазность стали востребованы и в живописи.

Полотно Буше написано по мотивам произведения другого французского классика, мастера пейзажа, который работал на век раньше, — Клода Лоррена. Это пасторальная картина: художник изображает мирную сельскую жизнь и труд крестьян. Он помещает персонажей в пышную, щедрую зелень Франции. Лучи солнца озаряют уголок теплым светом, кажется, что представлен затерянный рай. Об уединенности свидетельствуют и живописные руины ротонды. Образованный зритель того времени (а такие холсты могли себе позволить только высшие слои общества) сразу узнал бы в этой колоннаде античный храм Сивиллы в Тиволи. Названное здание очень любил изображать на своих полотнах и Лоррен. На первый взгляд кажется, что это простой, хотя и виртуозно написанный пейзаж, что у него нет темы. Однако отсылки к другому художнику, введение дополнительных символов, вкупе с мастерски созданной колористической гаммой, делают его сложным по содержанию.

Жан Этьен Лиотар (1702–1789) Европейская женщина и ее служанка. Около 1750. Холст, масло. 72,4x57,2

В наследии швейцарского художника Жана Этьена Лиотара — множество работ, созданных в путешествиях. Четыре года он провел в Османской империи, в Константинополе, активно интересовался особенностями традиций и повседневного уклада турецких подданных, зарисовывал национальные костюмы, утварь, жанровые и бытовые сценки. Его произведения пользовались популярностью из-за ярких красок, мастерского рисунка, простых и доходчивых композиций, приятных образов.

На этом холсте изображена европейская женщина, живущая в Турции, сцена происходит в бане. Служанка несет принадлежности для мытья. В руке у дамы — очень длинная курительная трубка. Кончики пальцев главной героини окрашены хной, так женщины украшали себя, оттеняя нежную белизну кожи рук. На ногах персонажей — традиционные платформы, которые носили, чтобы не промокнуть, стоя на мокром полу бани.

Томас Питтс (активен в 1744–1793) Эпернь 1761. Серебро. 61x101,6

Эпернь — многоярусная ваза, которую традиционно устанавливали на середину стола в аристократических домах. Обычно это был центральный сосуд, к нему прикреплялись несколько дополнительных чаш и блюд для фруктов и сладостей. Данный экспонат — один из самых сложных и виртуозных по исполнению столовых приборов указанного вида. Он сделан из серебра Томасом Питтсом. Мастер специализировался на столовых приборах нового вида: усложненные конструкции были придуманы для облегчения обеденных ритуалов. Гости сами могли брать понравившиеся им блюда, а не ждать слуг, которые вереницей подносили яства. Эта эпернь дает возможность познакомиться с особенностями стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. Привлекает внимание изысканность деталей: сложные профили ножек, узоры из экзотических цветов. Верхняя часть прибора напоминает пагоду. Такой, казалось бы, неожиданный образ появился в оформлении эперни неслучайно. Именно в XIX веке европейцы открыли для себя таинственное искусство Востока. Гостиные знати наводнили японские и китайские мотивы декора. Так произошел синтез двух культур: сложные изящные линии и завитки рококо объединили в себе наследие барокко и дальневосточных орнаментов.

Адам Вайсвайлер и мастерская (1744–1820), Пьер Гутьер (активен в 1744–1820) Комод. Около 1780. Эбеновое (черное) дерево, красное дерево, японский лак, французский смоляной лак, медный сплав, ртутное золочение, мрамор. 98,1x149,5x61

Одно перечисление материалов, которые были затрачены на исполнение этого комода, говорит о высочайшем качестве и ранге экспоната. Он был создан знаменитыми мебельщиками второй половины XVIII века из мастерской Адама Вайсвайлера. Интересно, что в 2011 подобный комод этого же изготовителя продали за 7 миллионов долларов, он стал самым дорогим предметом мебели за всю историю европейского искусства.

Вайсвайлер по праву считается одним из самых выдающихся краснодеревщиков эпохи Людовика XVI. Он делал мебель для королевских особ, например, для Марии-Антуанетты создал несколько вещей в интерьеры ее замка Сен-Клод. Вайсвайлер любил изящную по силуэтам и членениям мебель, отдавая предпочтение синтезу богатства отделки, рафинированности и экзотичной эклектике. Он сотрудничал с лучшими мастерами Европы: с севрской мануфактурой, со знаменитым Томасом Чиппендейлом, именем которого назван целый стиль в декоративно-прикладном искусстве.

Над этим комодом Вайсвайлер работал с величайшим бронзовиком эпохи, талантливым скульптором и рисовальщиком Пьером Гутьером. Его руке принадлежат изящные вырезанные рельефы по сюжетам японской живописи. Здесь неоклассическая строгость предмета соединилась с лирикой экзотических восточных мотивов. Края комода фланкируют позолоченные фигурки кариатид — еще один классический мотив, на этот раз античного искусства. Богатство и роскошь экспоната усиливаются световыми эффектами, которые дает французский смоляной лак с вкраплениями частиц минералов и металлов.

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746–1828) «Сон разума рождает чудовищ». Лист N 43 из серии «Капричос» 1799. Офорт. 18, 9x14,9

Этот офорт — одна из самых знаменитых работ испанского художника-новатора Франсиско Гойи. Живописец и график, он известен как чрезвычайно страстный и искренний романтик своего времени. Перемена в настроении его произведений, прежде сочных по цветам и оптимистичных по атмосфере, произошла с началом революции во Франции 1790-х. В творчестве мастера появляются пессимизм, нотки острой критики, трагические мотивы отчаяния и смерти. Этот лист — N 43 из 80 графических листов его популярной серии «Капричос» («Причуды»). Ночные хищники — жуткие летучие мыши и совы — нарисованы в острой, нервной, энергичной манере. Композиция отражает тревожное состояние, которое, по мнению Гойи, охватило современников.

Джованни Доменико Тьеполо (1727–1804) Обложка серии рисунков о Пульчинелле 1800. Бумага, коричневые чернила, уголь. 50,8x66

Итальянский художник и график Джованни Доменико Тьеполо в начале карьеры работал в тени знаменитого отца, представителя рококо венецианской школы Джованни Батисты Тьеполо. Однако уже в возрасте 20 лет он заявил о себе как о самостоятельном мастере. Джованни Доменико выработал собственный свободный, чуть нервный стиль графики. В его наследии наиболее новаторскими и интересным стали разнообразные жанровые сюжеты.

Серия рисунков из жизни героев итальянской комедии дель арте, созданная на рубеже XVIII–XIX веков, — одна из лучших работ творца. Комедия дель арте — это площадной театр, который действовал с XVI по конец XVIII столетия. Существовала устойчивая система персонажей, характерных героев, а действия и приключения в каждом представлении по-разному интерпретировались артистами. Они импровизировали, свободно комбинируя ситуации и сценки.

Пульчинелла (Полишинель — во французском варианте) наряду с Арлекином стал одним из самых популярных героев этого народного театра. Он был остряком, любителем шуток и любовных приключений. Широко известно и выражение «секрет Полишинеля», которое означает мнимую тайну, «секрет — на весь свет». В русской традиции персонаж более всего похож на Петрушку.

Данная работа Тьеполо открывает цикл из ста рисунков о жизни и смерти Пульчинеллы. Персонаж с горбом, крючковатым носом и характерной шляпой подходит к постаменту памятника с надписью: «Развлечение для детей». В руке он держит куклу. Именно это действующее лицо пользовалось широкой популярностью у юных зрителей. Нервная манера рисунка, мощный пьедестал и одинокая фигура героя вносят в работу особое настроение. Развлечения, театральная игра, шутки на сцене, ежедневный смех являются для Пульчинеллы тяжелым трудом, который увековечит его. Вещи и одежда бродячих артистов, изображенные у постамента слева, придают сцене монументальный аллегорический характер.

Уильям Тернер (1775–1851) Рыбный рынок на берегу в Гастингсе 1810. Холст, масло. 90,8x120,7

Ряд шедевров музея продолжает работа великого живописца-экспериментатора Уильяма Тернера. Он является самым известным и, пожалуй, скандальным английским художником XIX столетия. Мастер рисовал пейзажи, причем предпочитал морские виды, часто писал дождливую погоду, порывистый ветер и ненастье.

Это раннее произведение автора, но в нем прекрасно видны основные качества Тернера-живописца. Композиция делится на три части: слева — корабль, справа — берег с трудящимися на нем людьми, верхнюю половину холста занимает небо. В рисунке облаков, уходящих за горизонт, — основа очарования таланта мастера. Кажется, что он рисует играючи, не задумываясь работает кистью. Моментально создается живое ощущение огромности мира вокруг. Смелость мазков закономерно вдохновляла первых французских импрессионистов. Неудивительно, что Тернер считается одним из предшественников этого направления. Однако, наряду с новаторскими поисками выразительности, англичанин учился у старых мастеров. Он мог видеть большое разнообразие картин художников XVII века в частных коллекциях аристократов. Влияние искусства Голландии видно по сцене на берегу справа: фигуры людей типизированы и написаны в единой сдержанной цветовой гамме.

Рафаэль Пил (1774–1825) Венера, выходящая из моря. Тромплей. Около 1822. Холст, масло. 74x61,3

Это полотно на мифологический сюжет сделано по принципу тромплея. Так называли картины-обманки, в которых живописцы создавали иллюзию реальности предметов. Белое покрывало, изображенное на холсте, словно настоящее. Таким причудливым способом американец Рафаэль Пил, работавший в первой половине XIX века, стремился осмыслить тему мастерства художника, которая была поднята еще в античное время. По легенде, один творец (Зевкис) сумел нарисовать гроздь винограда так, что птицы, приняв ее за настоящую, сели, чтобы склевать ягоды. Другой же (Парразий) столь искусно изобразил изорванную в лохмотья штору, якобы прикрывающую картину, что обманул самого Зевкиса. Здесь романтик обыгрывает и ханжество современников, которые хотят прикрыть трепетное нагое тело человека покровом напускной морали (белый цвет традиционно означал невинность). Рафаэль — один из 16 детей в семье живописца, где все мальчики были названы в честь великих художников.

Джон Констебль (1776–1837) Лощина в Хелмигхемском парке 1830. Холст, масло. 113,4x130,8

Эта приятная и на первый взгляд неприхотливая работа принадлежит руке Джона Констебля. Он — один из самых знаменитых живописцев романтизма в Англии. Произведение, как и следовало ожидать от романтика, является выражением настроения мастера, а не только «снимком» определенного места, которое было ему дорого. Художник всю жизнь рисовал пейзажи Англии, особенно родные места в окрестностях графства Саффолк. Изображенную лощину он очень любил. Впервые Констебль посетил ее в 1800, после чего писал другу: «Я здесь в одиночестве среди дубов и глуши Хелмигхемского парка… здесь изобилие всяких прекрасных деревьев». Позже в этом месте он оказался в 1814 и в тот год исполнил картину, являющуюся почти копией этой. Сейчас она тоже хранится в США, в Филадельфийском музее искусства.

Представленная работа была создана много лет спустя. В галерее Тейт в Великобритании, на родине мастера, выставлен рисунок, повторяющий данный вид. Художнику ценны воспоминания о времяпрепровождении в этой небольшой лощине. Он пишет мирную деревенскую атмосферу: пасущиеся коровы, вековые деревья, небольшая речушка. Фактура холста отличается густотой мазков, полотно очень сложное и богатое по насыщенности цветов: использованы красно-коричневый, разные тона зеленого — от темного до оливкового. Каждый его сантиметр с особой тщательностью проработан Констеблем. Картина демонстрирует живописные ценности искусства пейзажа: поверхность настолько насыщена цветовыми точками и мазками, что приобретает дополнительную глубину.

Эжен Делакруа (1798–1863) Христос в Галилейском море. Около 1841. Холст, масло. 45,7x54,6

Настоящий парад шедевров продолжается этим полотном знаменитого французского мастера романтического направления Эжена Делакруа. Здесь также очевидны живописные качества: зритель не просто смотрит на холст, «прочитывает» сюжет, оценивает композицию. Текстура краски и цветные мазки будто притягивают его, они воспринимаются как что-то объемное, их хочется ощутить в руках. Особая осязаемость слоя, фигурок героев, всей композиции и особенно морской волны говорят со зрителем на языке чувств. В этом — дар Делакруа. Христианские мотивы привлекали мастера из-за накала страстей, монументального пафоса, трагедии истории. Данное произведение — всего лишь эскиз для картины, над которой работал художник. Очевидно, что, когда будущие французские импрессионисты видели его подлинники, у них подспудно начинало просыпаться новое ощущение цвета и света, будто кисть способна строить, лепить пространство.

Харизматичный французский поэт Шарль Бодлер написал серию статей о мастере после его смерти. Он сообщал о методе работы, в котором соединилось чувство и холодный расчет совершенной техники: «Делакруа был страстно влюблен в страсть и с холодной решимостью искал средства для выражения страсти наиболее зримым образом». По свидетельству Бодлера, художник постоянно находился в поиске: пробовал новые составы красок, много читал и размышлял над самыми разнообразными философскими проблемами бытия, учился у природы, неустанно работал. Ему не хватало дня, чтобы закончить все то, что наметил. Живописец оставил после себя богатейшую коллекцию картин.

Жан-Валентин Морель (1794–1860) Сахарница с крышкой. Около 1842–1848. Серебро, позолота. 25,4x13,7

Первая половина XIX века — период расцвета школы французских ювелиров. Их произведения были востребованы императорским двором и знатнейшими людьми Европы. Потомственный мастер Жан-Валентин Морель работал для короля Луи-Филиппа (1830–1848), позже отправился в Англию, где получил должность ювелира королевы Виктории. Его клиентами стало и семейство Ротшильдов, славившееся богатством и политическим влиянием.

Этот предмет, настоящий шедевр, — часть чайного и кофейного сервиза. Он сделан из серебряных форм, напоминающих морские раковины, и позолоченных серебряных листьев и цветов. Трудно поверить, что такое совершенство под силу человеку. Стилистика работы объединяет эстетику итальянского и немецкого ренессансного искусства: обтекаемые формы оправ, в которые вставлены раковины, массивная ножка, нарядные флоральные украшения, расположенные симметрично по сторонам. Когда спустя двадцать лет после создания, в 1862, сервиз экспонировался на Международной выставке в Лондоне, он получил приз за «новаторство».

Севрская фарфоровая мануфактура Жюль-Пьер Мишель Дьетерль (1811-1889), эскиз, Пьер Дор (активен в XIX веке), декоратор, Леопольд Бюрт (1823–1860), декоратор,

Антуан-Леон Брюнель-Рок (1822–1833), декоратор Кубок на ножке (Кубок Риволи) 1863–1870. Твердый фарфор, эмаль, позолота, медный сплав, ртутное золочение. Высота — 37,9

Изделия Севрской мануфактуры составляют национальное достояние Франции. Производство было переведено в замок Севр недалеко от Парижа из Венсенна в 1756. До начала XIX века здесь изготовляли предметы из мягкого фарфора, легкоплавкого материала, который позволял мастерам добиться особой сочности и нежности декора. В 1772 стали выпускать вещи из твердого фарфора. К этому ряду принадлежит и представленный экспонат.

Создание этого величественного кубка заняло несколько лет, над ним трудилась целая группа мастеров-декораторов. Он — один из пары монументальных чаш, заказанных в 1863 императором Наполеоном III. Из-за сложности производства и большого объема декоративных работ властитель получил его лишь в 1870.

Кубок исполнен в стиле неоклассицизма в сдержанной гамме изумрудно-зеленого, сиреневого и золотого. В произведении ясно выделены две части: ножка и сама чаша. Ножка имеет конструктивный, геометрический узор и декор в виде изящных гирлянд. Четкие линии и аналогии с колонной призваны усилить впечатление устойчивости. На тело сосуда нанесены четыре пасторальные сцены по мотивам античной литературы. Мастера представили популярную любовную историю пастуха Дафниса и пастушки Хлои. Изображения сделаны на белом фоне красно-коричневой эмалью, что придает всей сцене отстраненный, чуть холодноватый, но при этом монументальный характер.

Северин Розен (около 1815–1872) Двухъярусный натюрморт с фруктами на фоне заката. Около 1867. Холст, масло. 92,1x127,6

Северин Розен, один из самых успешных художников натюрморта в американском искусстве второй половины XIX века, происходил из Германии. На родине он занимался фарфором. Это оказало влияние на его манеру, в которой чувствуются особая осязаемость и скульптурная тяжесть изображенных предметов. В 1848 мастер эмигрировал в США, где стал успешным живописцем. Розен вел достаточно простую жизнь в окружении немецких переселенцев, часто расплачивался своими картинами за жилье и еду. Его работы пользовались популярностью среди городских обывателей. Их приобретали для домашних интерьеров, магазинов, гостиниц и ресторанов. Американцы на два столетия позже, чем европейцы, оценили и полюбили такой жанр, как пейзаж. Уже в XVII веке голландцы выработали и закрепили его основные мотивы: сочное изображение плодов, пышной зелени, экзотических фруктов и диковинных морских существ, а также дорогой столовой утвари. Эти предметы выражали одновременно острое чувство красоты сотворенного Богом мира и бренность плоти. Представленный натюрморт символизирует именно эти идеи. В нем также есть черты искусства романтизма первой половины XIX столетия. Оно, как и голландский натюрморт, выражало философские идеи через символику живой природы. Здесь два элемента говорят о романтизме: пейзаж слева и драматические небеса сверху. На видимое изобилие надвигается буря, непогода, вся атмосфера пропитана грозной красотой и тревогой.

Клод Моне (1840–1926) Бульвар Капуцинок 1873–1874. Холст, масло. 80,3x60,3

Мастера, место и стиль данной картины можно смело назвать легендарными. Клод Моне — лидер французского импрессионизма. Художники этого самого популярного в мире направления живописи провозгласили задачу «правдиво» передавать видение окружающего мира. Вместо четкости лиц и повествовательных сюжетов они стали фиксировать мимолетные моменты жизни: движение, случайные позы и повороты, игру цвета в световом потоке воздуха.

Перед зрителем — одна из самых известных картин основателя импрессионизма. Бульвару, который в отечественной традиции по ошибке называют бульваром Капуцинов, посвящены несколько полотен знаменитых художников. Так, в Москве в ГМИИ им. А. С. Пушкина выставлена еще одна похожая работа Моне (1873), а в Третьяковской галерее — полотно Константина Коровина на ту же тему (1911). Здесь главное очарование заключается в сизой дымке и размытых контурах прохожих.

Эдгар Дега (1834–1917) После купания. Сидящая женщина вытирает себя. Около 1885. Бумага, пастель, итальянский карандаш. 34x24,8

Эта пастель была приобретена непосредственно у самого художника основателем канзасского музея Уильямом Рокхиллом Нельсоном в 1896. Она — из целого ряда произведений, изображающих обнаженных после купания. Дега, прославившийся холстами на тему балета и танцовщиц, стремился на бумаге «схватить» очарование мимолетных движений. Французский художник говорил об этом рисунке, что его целью стало запечатление интимного момента одиночества и ухода за собой, минут, когда человек полностью погружен в себя. Мастер хотел, чтобы его модели вели себя как можно более естественно, не позировали, а жили. В этом листе свою роль играет и гармония цветового сочетания. Дега почти делит его по диагонали пополам, работая красным и черным.

Поль Гоген (1848–1903) Фаатурума (Меланхоличная) 1891. Холст, масло. 94x68,3

Авторская манера великого французского постимпрессиониста Поля Гогена, безусловно, узнается сразу. Притягательность его живописи заключается в монументальной целостности образов: люди на полотнах словно великаны, они типичны в своей грандиозности. Вторым ключом к успеху служит оригинальная цветовая гамма, мастер свободно комбинирует контрастные сочетания. Светотеневые эффекты он усиливает добавлением по-импрессионистски проанализированных цветов. Например, здесь вводит синие блики на красное платье. Сознание человека обычно не фиксирует синие тона при взгляде на солнечные отблески, однако в спектре они присутствуют. Использование данного цвета, таким образом, дает оригинальный эффект, но при этом выглядит естественно. Экзотический образ таитянской женщины соединяется с аллегорией меланхолии, которой был подвержен сам Гоген.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Оливковый сад 1889. Холст, масло. 73x92

Перед зрителем — одна из поздних картин великого художника постимпрессиониста Винсента Ван Гога. Она написана в характерной для последнего периода творчества экспрессивной и страстной манере. Полотно очень богато по фактуре: сильные удары кистью, пластика мазков — все указывает на техническую точность работы мастера, его предельную сосредоточенность, виртуозность. В мае 1889 после череды сильнейших приступов он отправился на лечение в клинику Сен-Реми. Ван Гог тяжело переживал свое состояние и новый статус психически больного человека. Брату Тео, защитнику и другу, он писал о похороненных мечтах стать значительным художником, но утешался тем, что теперь может быть далек от богемной и во многом праздной суеты парижской жизни. Директор лечебницы разрешил живописцу работать и даже выделил помещение под мастерскую.

Он исполнял небольшие картины «для развлечения» и целыми партиями посылал их брату. За год жизни в Сен-Реми мастер создал около 750 произведений. В основном на них был изображен вид из окна на сад. О потребности Ван Гога впитывать цветовые впечатления природы и передавать их в своих полотнах свидетельствует следующая страстная просьба к Тео: «Сейчас такое время года, когда много цветов… местный колорит особенно богат, поэтому… будет очень кстати, если ты пришлешь мне лишних метров пять холста». И он рисовал: кипарисы, плющ, пшеничное поле, оливковые рощи, плакучие ивы.

В оливах живописца привлекала густая фиолетовая тень, которую они давали земле от жаркого прованского солнца. Монотонные мазки создают декоративный ритм, напоминая годовые кольца древесины. Картина становится символом жажды жизни, тихим изумлением художника перед красотой и богатством окружающего мира.

Эгон Шиле (1890–1918) Стоящая женщина в блузе с узором 1912. Бумага, карандаш, гуашь. 46,4x30,5

Эгон Шиле — яркий и скандальный художник, представитель венской школы. Большое влияние на мастера оказал великий Густав Климт. В целом творчество Шиле, представленное данным рисунком, можно отнести к стилю ар-нуво, который в русской истории искусств называют модерном. Четкость и гибкость графической линии, яркие цвета и изысканные орнаменты, откровенная чувственность образов — его характерные черты. В эстетике живописца эффектное сочетание цветов, их контраст имели такое же значение, как и эротичность модели. Здесь, скорее всего, изображена многолетняя натурщица и возлюбленная Шиле — Валери Нойзель. В 191 2 художник был даже арестован за «порнографические» рисунки, сделанные с этой несовершеннолетней девушки. Позже его работы пользовались большим успехом, особенно те, которые выполнены в более экспрессивной, драматической манере, повествующие о тяготах физической и духовной жизни человека. В 1918 Шиле в возрасте 28 лет погиб во время эпидемии испанки, бушевавшей в Европе.

Искусство Южной и Северной Америки

Джон Сингер Сарджент. Портрет миссис Сесил Уэйд. 1886

Сумка для табака из чучела животного. Около 1840· Кожа (черноногий хорек (?)), иглы дикобраза, шерсть, шелковая тесьма, птичьи когти, медные колокольчики и пуговицы, стеклянные шарики, металл, перья. 7x13,3x66,1

Этот необычный артефакт принадлежит культуре американских индейцев, населявших прерии (степи). Их предметы быта очень затейливо декорированы, украшения имели двоякую функцию. Чучело убитого зверя свидетельствовало о хороших охотничьих способностях его владельца, а также служило оберегом от злых духов. Такие сумки из животных были чрезвычайно распространены. Данный экспонат интересен своим возрастом и богатством отделки. Шкурки оформлялись сплетениями из перьев, обшивались бисером, бусами, раскрашивались, а также дополнялись различными аппликациями из лоскутков материи. Все средства украшения подчеркивали основные черты животного, тело будто становилось скульптурой, идолом, которого можно носить с собой. Скорее всего, это черноногий хорек, названный вид водился в американских степях. К голове зверька прикреплены когти орла. Они призваны олицетворять священную для индейцев силу. Такие предметы — доказательства оригинальной культуры аборигенов Америки, с началом колонизаторства европейцев оказавшейся на грани исчезновения. Современные американцы, осознав урон, нанесенный в XIX веке самобытной цивилизации, стремятся сохранить для потомков оставшиеся произведения и свидетельства жизни племен.

Джордж Калеб Бингем (1811–1879) Агитация за кандидата на выборах 1852. Холст, масло. 64,1x77,5

Данная картина представляет сюжет из истории американских штатов. Художник Джордж Калеб Бингем прославился как летописец Миссури. Европейцы захватили эти земли у индейцев в первой половине XIX века, мастер стал свидетелем политики колонизаторства, устройства общественной власти на новом месте. Всю жизнь Бингем страстно интересовался, а главное, занимался политикой наряду со своей профессиональной деятельностью. В 1840-х живописец участвовал в агитационной кампании по выборам президента в составе активистского штаба. Он наблюдал будни политиков изнутри. В его наследии сохранилось много портретов общественных деятелей.

По своим художественным качествам картина достаточно консервативна. Американская живопись в то время была, в сущности, в начале становления, поэтому мастера наследовали манеру и принципы европейских традиций с некоторым опозданием. В работе видно влияние таких стилей, как неоклассицизм и немецкий бидермейер. Ее построение очень четкое: правую сторону занимает уходящий вдаль городской пейзаж, который заканчивается на горизонте горами. Левая сторона — жанровая сценка. Справа сидит агитатор за кандидата. Ему внимают трое горожан. Мужчины добродушно и немного с хитрецой смотрят на молодого активиста. Спокойствие и упорядоченность жизни выражены в треугольной композиции слушателей, которая своим геометризмом вторит общей рассчитанности перспективы. Такие неприметные на первый взгляд детали, как спящая собака у ног обывателей, а также лошадь агитатора, поставленная спиной к ним, могут, по замыслу художника, многое сказать об отношении горожан и политиков друг к другу.

Щит. Около 1850. Сыромятная кожа буйвола. Диаметр — 50,8

Данный экспонат относится к культуре арикара — так назывались индейские племена на территории Северной Дакоты. Декоративный щит являлся оберегом. На натянутой бычьей коже изображен буйвол. Этот рисунок создан во время экстатического транса индейского шамана. Праздники индейцев представляли собой череду сложных ритуалов, которые проводились на протяжении нескольких дней ради общения с богами и духами степи. Люди пели, исполняли танцы, рассказывали легенды, вводили себя в состояние гипноза и визионерствовали (вызывали духов и разговаривали с ними). Интересна композиция произведения: животное нарисовано появляющимся издалека, откуда-то сбоку, бык словно выплывает из подсознания.

Густав Гертер (1830–1898), дизайнер, Эрнст Плассманн (1823–1877), резчик Книжный шкаф 1852–1853. Белый дуб, веймутова сосна, тсуга канадская, липа американская, витраж. 341,6x301,6x76,8

В 1851 произошло событие, которое еще несколько десятилетий имело непосредственное влияние на художественную жизнь по всему миру. Им стала Всемирная выставка в Лондоне. Она привлекла лучшие творческие силы Европы, позволила специалистам и художникам наметить основные проблемы в области дизайна и пути к их решению. Стало очевидно, что качество изделий для быта, их художественную ценность можно повысить. Американские творцы и ремесленники были вдохновлены и уже спустя два года, в 1853, открыли похожую выставку в Нью-Йорке. Этот шкаф в неоготическом стиле явился одной из изюминок экспозиции. Резные арки, ниши, башенки, фигуры вторили великим соборам Средневековья.

Маска племени квакиутл. Около 1870. Ольха, пигмент, человеческие волосы, шкура медведя. 27,9x19,4x14,6

Американские и канадские индейцы проводили разнообразные ритуальные празднества. К каждому такому событию они готовили специальные костюмы и маски для исполнения песен и танцев. В основном изображались духи: племени, природы, тотемных (сакральных) животных. Маски квакиутл — подлинные произведения искусства. Их экспрессия, гипертрофированное выделение основных частей тела (брови, рот), раскраска и аппликации — уникальные свидетельства того, что настоящее творческое чувство и талант могут оцениваться не только мерками европейских академий художеств. Как правило, маски были больше натуральной величины головы, это делало их очень выразительными. Данный экземпляр представляет Дзунукву — дух Дикой женщины лесов. Другие герои индейцев носят не менее прихотливые имена, например Дух, приносящий смущение, Великий охотник — убийца гигантского осьминога.

Головной убор из перьев птиц. Около 1875. Перья орла, ястреба, совы, ворона, сыромятная кожа, кожа горностая, местные сорта кожи, шерстяная, хлопковая нити, стеклянный бисер, шелковая лента, конский волос. Длина — 177,8

Головной убор из перьев, предназначенный для вождя племени, — пожалуй, самый популярный и узнаваемый элемент одежды индейцев. На практике такие уборы могли носить самые смелые, успешные и харизматичные члены племени. Каждый элемент олицетворяет какой-то конкретный факт жизни владельца, характеризует его родословную. Свою символику имеют и все птицы, перья которых использованы в этом ритуальном элементе наряда. Наибольшей чести удостаивался самый уважаемый воин, он имел право носить такой убор во время церемоний и битв.

Уинслоу Хомер (1836–1910) Три мальчика в рыбачьей лодке с корзинами для лобстеров 1875. Бумага, акварель, гуашь, карандаш. 34,4x52,1

Уинслоу Хомер — один из самых авторитетных и интересных американских художников XIX века. Он считается родоначальником национальной школы реалистического направления. Интересно, что мастер намеренно отказался от получения профессионального образования. Наибольшую известность ему принесли морские пейзажи.

Эта работа была написана через два года после путешествия по запечатленным местам — Глочестер, штат Массачусетс. В конце 1860-1970-х художник жил в Нью-Йорке и сотрудничал со многими журналами как график, а также активно продвигал свои пейзажи. Он рисовал виды модных в то время курортов Массачусетса и Нью-Джерси. В 1866 Хомер отправился в Париж, где в течение десяти месяцев интенсивно совершенствовал стиль. Из центра мировой художественной культуры он вернулся с новыми идеалами. Манера стала более плоскостной, а рисунок — быстрым и легким. Представленное произведение прекрасно отражает лучшие качества Хомера-пейзажиста. Композиция построена достаточно просто: по центру холста изображена лодка с тремя мальчиками. Автор запечатлел много подробных деталей поездки за лобстерами: специальные корзины, рыболовные сети. Фигурки ребят, наоборот, изображены очень неконкретно. Они написаны на контрасте с серо-сизой гладью воды и невзрачным небом. Этим приемом мастер словно хочет донести до зрителя прелесть мирного занятия, придать морскому путешествию детей всеобщий, типический характер.

Маска тюленя 1890. Дерево, краска, перья. 38,1x35,6

Перед зрителем — еще одна оригинальная маска, на этот раз эскимосов из племени юпик. Такие маски надевали во время шаманских ритуалов: ряженые пели, танцевали, показывали пантомиму и играли на музыкальных инструментах. Здесь изображен тюлень, его лапы — по бокам. Маска олицетворяет «дух всех тюленей» и одновременно наделена человекоподобной внешностью. Круги, нанизанные на стержень внизу изделия, означают пузырьки воды, появляющиеся при дыхании животного под водой. Тюлени были важны для племен, живших в Арктике, так как являлись источником жира и мяса.

Альберт Блох (1882-196) Зеленое домино 1913. Холст, масло. 130,5x85,1

Американец Альберт Блох — один из ярких представителей художественной группы «Синий всадник». В ней объединились экспрессионисты, жившие в Мюнхене, такие, как Василий Кандинский, Франц Марк, Пауль Клее. Позже Блох вернулся в США и преподавал искусство в Канзасе.

Работа обыгрывает основные темы мюнхенского экспрессионизма: мир ярких локальных цветов, карнавальные фигуры-маски. Благодаря принципам кубизма пространство искажается: оно сжимается и растягивается вопреки законам физики. Все вместе создает сложный комплекс тревоги, розыгрыша, искушения (фигура красного дьявола). Зритель не может понять — это переодетые актеры или «реальные» аллегории греха. Несмотря на кажущуюся красочность и простоту рисунка, художник задает ему загадки, сюжет картины интригует.

Ликия Дейсе (1889–1966) Ожерелье-фетиш. Около 1935. Кораллы, бирюза, агат, хлопчатобумажный шнур, кожа. Диаметр — 40,6

Это ожерелье — настоящий шедевр ювелирного и сакрального искусства индейцев. Ликия Дейсе — один из самых признанных и знаменитых ювелиров народности зуни, которая жила на юго-западе США. Мастер, как и его предки, вручную вырезал сакральные фигурки зверей и птиц. Здесь, по примерным подсчетам, около шестисот фигурок из кораллов, бирюзы и гагата. Данное ожерелье считается самым крупным и трудоемким произведением Дейсе.

Джордж Коупленд Аулт (1891–1948) Январское полнолуние 1941. Холст, масло. 51,4x67

Джордж Коупленд Аулт — американский художник-модернист, который работал в реалистическом стиле. Модернизмом обычно называют период развития искусства, философии, литературы конца XIX — первой половины XX века. В случае Аулта эта характеристика творчества означает, что он стремился выразить свое мироощущение через такие простые образы, как дом, город, человеческое тело. Модернист играет со смыслами, историческими значениями тех или иных тем и стилей. Например, реализм — точное изображение видимой действительности — превращается в свою противоположность, картина почти что сюрреалистична. Помещение выглядит, словно грозное предзнаменование, кажется нереальным в абсолютной четкости. Небо, снег, сарай — все приобретает символическое значение. Самые простые вещи становятся знаками чего-то непознанного. Аулт был очень успешным, однако тяготился своей популярностью. Он страдал неврозами, бежал от общества. В 1937 творец переехал в уединенное место, поселился в скромном домике с женой и почти не имел контактов с окружающим миром. Фотографически точные картины городского пейзажа, отстраненная атмосфера, созданные мастером, являются критикой общественного устройства, суеты современной жизни и амбициозности людей. Важно запомнить, что искусство модернизма должно восприниматься в контексте, который не всегда легко узнать или понять.

Джозеф Хирш (1910–1981) Семья Линча 1946. Холст, масло. 88,9x83,8

Американский живописец Джозеф Хирш начал самостоятельно изучать искусство по коллекции художественного музея в родной Филадельфии. Позже он совершил учебную поездку во Францию. По возвращении в США Хирш, как и многие творцы, столкнулся с безработицей и бедственным экономическим положением. В Америке царила Великая депрессия 1929–1939. Чтобы помочь живописцам, скульпторам, дизайнерам и архитекторам, правительство открыло программу поддержки искусств. Им заказывали оформление общественных зданий, школ, университетов, больниц. По этой программе работали мастера всех направлений, однако наибольшую известность получили творившие в стиле, близком к советскому соцреализму 1930-1950-х. Хирш оказался среди тех, кто создавал произведения на острые социальные темы, критиковал неравенство, безработицу, угнетение неимущих, а также расизм. Хотя рабство отменили еще в 1863, положение афроамериканцев было катастрофическим вплоть до 1960-х.

Так, на полотне изображена женщина с младенцем на руках. Она в отчаянии. Художник откликнулся на события в южных штатах США 1946. Там рабство имело экономические выгоды, поэтому расизм долгое время коренился в сознании людей. Судом Линча называют расправу без суда и следствия, обычно с расовым подтекстом. Скорее всего, мужа этой женщины убила толпа или же она выжила во время беспощадного рейда расистов, оставшись одна без средств к существованию. Интересно, что картина, имея документальное социально острое содержание, создана в традициях модернизма. Глубокий синий цвет фона сливается с цветом платья героини. Ее поза очень экспрессивна и одновременно красива, элегантна. Стена, похожая на абстракционистскую живопись, контрастирует с реалистическими, почти натуралистически прописанными сжатыми руками матери.

Жан-Жозеф Лепот. Часы. 1813

Следующий том

Здание Национального музея Барджелло во Флоренции имеет богатую историю: в разное время в этом месте заседал городской совет, затем размещались тюрьма, казарма и только в XIX веке сюда была перемещена ценнейшая коллекция скульптуры. В настоящее время здесь экспонируются сокровища итальянской скульптуры XIV–XVII веков, среди которых знаменитые работы «Пьяный Вакх», «Брут», «Тондо Питти» Микеланджело, «Давид» и «Святой Георгий» Донателло, «Вакх» Сансовино, «Бюст Козимо I Медичи» Челлини и многие другие шедевры пластики. В музее также представлены бронзовые изделия, медали, оружие, предметы из слоновой кости, ювелирные украшения — всего более 3000 произведений искусства.

Content

М. Силина
Музей искусства Нельсона-Эткинс Канзас

Искусство Египта

Искусство Древней Греции и Древнего Рима

Искусство Азии

Искусство Африки

Европейское искусство

Искусство Южной и Северной Америки