М. Силина

Галерея Ленбаххаус Мюнхен

Официальный сайт музея: lenbachhaus.de

Адрес музея: Luisenstraβe 33, Мюнхен.

Проезд: На метро: U2/U8 — остановка «Königsplatz», U1/U7 — остановка «Stiglmaier», на трамвае: № 27 — остановка «Karolinenplace», на автобусе: № 100 — остановка «Königsplatz».

Телефон: +49 (0) 89 233 320 00.

Часы работы: Вторник — воскресенье: 10:00–20:00 (с 1 октября до 18:00).

По понедельникам и на Рождество музей закрыт.

Цена билета: Полный — 10 €, льготный (для студентов, пенсионеров и лиц, имеющих билеты в другие музеи города) — 5 €. В стоимость посещения включен аудиогид на английском или немецком языке.

Информация для посетителей: В музее работают магазин и кафе-ресторан «Ella».

Здание музея

Василий Кандинский; один из самых влиятельных художников XX века, основоположник абстрактного искусства, вспоминал о Мюнхене начала века: «Все рисовали… или писали стихи, или музицировали, или увлекались танцами. Под крышей каждого дома можно было найти, по крайней мере, два ателье; где порой не столько много писали красками, сколько дискутировали, диспутировали, философствовали или изрядно выпивали». Именно эту атмосферу насыщенной творческой жизни блестяще демонстрирует экспозиция городской галереи Ленбаххаус.

В зале музея

Мюнхен может по праву гордиться своими художественными музеями, чего стоит поражающая воображение коллекция Старой пинакотеки. Там выставлены произведения мастеров начиная со Средних веков по XVIII столетие. Изюминкой галереи Ленбаххаус стало яркое, иногда шокирующее, скандальное и все же притягивающее внимание искусство XX века.

Галерея в доме Ленбаха открыла свои двери в 1929. На этой вилле, построенной в стиле флорентийского ренессанса в 1887–1891, жил художник Франц фон Ленбах (1836–1904). В 1924 городские власти купили дом у его вдовы вместе с обширной коллекцией работ, принадлежащей семье.

Направление экспозиционной деятельности музея определили сразу: это история мюнхенского искусства, картины старых и современных художников города. Вторая мировая война и массивная бомбардировка Мюнхена чуть было не положили конец этим планам: здание очень сильно пострадало в 1944–1945. Но уже к 1947 начались восстановительные работы. В это же время, несмотря на финансовые трудности, коллекцию расширили, включив произведения современных мастеров.

Переломным моментом в истории музея, когда он стал не просто городской галереей, а местом паломничества любителей искусства со всего мира, стал 1957.

Габриель Мюнтер 19 февраля в честь своего 80-летия подарила ему впечатляющую коллекцию произведений экспрессионистской группы «Синий всадник». В это объединение входили также Василий Кандинский, Франц Марк, Август Маке, Алексей Явленский, Марианна Веревкина, Пауль Клее, Арнольд Шёнберг и другие. В одночасье музей обрел статус мирового.

К счастью, на этом щедрые дары не кончились. Промышленник и меценат Бернхард Кёллер в 1965 передал галерее свою коллекцию творений Франца Марка и Августа Маке. В 1971 последовало поступление архива художника Альфреда Кубина.

С 1970-х музей, имея беспрецедентное собрание картин классиков XX столетия, продолжает приобретать работы современных художников. Специалисты не прогадали с выбором: под крышей галереи — произведения звезд искусства второй половины XX века, среди которых Йозеф Бойс и Дан Флавин.

В 2003 начали реконструкцию и расширение музея, новый корпус проектировало бюро всемирно известного архитектора Нормана Фостера. Обновленная экспозиция открылась в мае 2013.

Интерьер музея

Коллекция галереи Ленбаххаус хронологически отражает несколько важных этапов развития мюнхенского искусства. Основную часть музейной экспозиции составляют произведения художников XVIII–XIX столетий: полотна Вильгельма фон Кобелля, Карла Ротмана, Карла Шпицвега, Франца фон Штука, Фридриха Августа фон Каульбаха, Вильгельма Лайбла и Ганса Тома.

Особый интерес представляют работы Ловиса Коринта, Макса Слефогта и Фрица фон Уде, участников Мюнхенского Сецессиона, основанного в 1892.

Принесшее международный авторитет и славу музею собрание картин группы «Синий всадник» — самое крупное и значимое в мире. В экспозиции представлены как ранние, написанные до объединения в 1911, так и классические полотна мюнхенских экспрессионистов. В центре внимания историков искусства и любителей — творчество Василия Кандинского. Коллекция позволяет проследить эволюцию его мастерства и понять пути и причины возникновения в начале XX века самого феномена абстрактного искусства.

Для многих почитателей изящных искусств неожиданным и интригующим открытием станут такие направления современной живописи, как магический реализм и сюрреализм (деятельность Эдгара Энде), а также синтез этих направлений, представленный художниками «Новой вещественности». В галерее экспонируются работы Кристиана Шада, Рудольфа Шлихтера, Макса Радлера и Александра Канольдта.

Музей продолжает активно расширять свои коллекции, помимо крупного раздела, посвященного творчеству одного из самых знаменитых художников второй половины XX века Йозефа Бойса, открыта экспозиция произведений искусства, созданных после 1945, которая постоянно пополняется.

Неудивительно, что городская галерея Ленбаххаус привлекала более 400 000 посетителей в год еще до обновления экспозиции.

В зале музея

Мюнхенские живописцы

Ловис Коринт. Актриса Кентре Бре. 1899

Ловис Коринт (1858–1925) Невинность 1890. Холст, масло. 66,5x54,5

Наряду с Максом Либерманом и Максом Слефогтом Ловис Коринт считается одним из самых значительных представителей импрессионизма в Германии. Он учился в Мюнхене, с этим городом связаны важнейшие этапы становления его мастерства. В середине 1880-х художник побывал в Антверпене и Париже, но большое влияние на него оказали не голландцы и не французские импрессионисты, а реалист Жюль Бастьен-Лепаж и немецкий живописец Вильгельм Лейбль. Позже в Берлине Коринт познакомился с символистом Максом Клингером. Религиозные сюжеты, исполненные в реалистическом стиле, — ключевая тема мастера в ранний период творчества.

Эта картина — одновременно портрет и аллегория. Юная героиня является олицетворением невинности. Выражение лица и простая ткань, которой она прикрывается, говорят о том, что изображена девушка из бедной семьи. Коринт напоминает зрителю христианскую истину, что отнюдь не богатые «войдут в Царствие небесное».

Ловис Коринт (1858–1925) Братья ложи 1898–1899. Холст, масло. 11 3x162,5

Данное произведение Ловиса Коринта относится к периоду профессионального признания мастера. В 1892 он вступил в Мюнхенский Сецессион, в котором среди прочих состояли такие известные живописцы, как Макс Либерман, Отто Экман, Ханс Тома, Вильгельм Тюбнер, Франц фон Штук и Фриц фон Уде. Но к 1893 Коринт создал другое объединение вместе с самыми влиятельными представителями модерна: Максом Слефогтом, Германом Обристом и Петером Беренсом. С этого времени в его творчестве все чаще возникают грозно звучащие темы страданий, имеющие сильный религиозный акцент.

С 1896 мастер стал одним из основателей масонской ложи, которая существует до сих пор. Перед зрителем — групповой портрет 12 братьев ложи. По стилю картина наследует традиции голландского группового портрета XVII столетия, когда гильдии и профессиональные объединения начали заказывать художникам представительные полотна с собственными изображениями. На данном холсте — члены тайного союза, поэтому в их лицах читается чувство собственного достоинства. Использована авторская манера репрезентации: живописец сочетает реализм с элементами экспрессионизма — нового течения, которое получило развитие в Мюнхене в начале XX века. Коринт стремится запечатлеть характерное в каждом облике, при этом единая стилистика изображения делает разных людей с разными судьбами и взглядами настоящими братьями, они — одно целое. Все герои представлены во фраках, без отличительных масонских знаков. Очень эффектно выглядит человек, сидящий в центре, скорее всего, из числа главных в ложе. Он напоминает слепого провидца, мудреца. Основное во внешности героя — не сила взгляда, направленного на зрителя, а мощь внутреннего прозрения.

Ловис Коринт (1858–1925) В саду Макса Хальбе 1899. Холст, масло. 75x100

Писатель Макс Хальбе — яркий представитель мюнхенской художественной сцены конца XIX — начала XX века, один из участников экспериментального театра «Фольксбюне». В саду летнего дома Хальбе регулярно собирались его друзья. Макс был близок с целым рядом знаменитых художников города. Так, его портрет создал Альберт Висгербер (1909), а Ловис Коринт написал несколько полотен, изображающих Хальбе и его жену Луизу.

Данная картина выполнена с натуры в августе 1899. Мастер вспоминал, что одним утром он нарисовал эту сценку за несколько часов. Для творчества живописца характерны сочные цвета, их мощный контраст, колорит насыщенностью напоминает полотна Огюста Ренуара. Французский художник приходит на ум и при взгляде на композицию. Кажется, что это — групповой портрет, однако на самом деле — почти жанровая сценка. Макс Хальбе смотрит, как супруга предлагает Карлу Рёсслеру, писателю и актеру, одетому в традиционный баварский костюм, персик. Друг семьи Берта Хек держит в руках чашку. Перспективные искажения выдают искания автора, направленные на передачу реальности. Он, как и мастера модерна, желает показать одновременно естественность изображения (игра света и тени) и его «сделанность». Коринт не стремится завуалировать симметрию композиции в расстановке двух героев на переднем плане. Позы персонажей несколько скованны. Картина — не просто копия окружающего мира, а застывшее впечатление творца.

Ловис Коринт (1858–1925) Портрет пианиста Конрада Анзорге 1903. Холст, масло. 141x125

Перед зрителем — изображение знаменитого немецкого пианиста Конрада Анзорге кисти Ловиса Коринта. Художник любил создавать портреты, строя композицию на жанровой основе. Так, здесь герой представлен в свободной позе, он запечатлен будто в нечаянно пойманный момент. Анзорге прогуливался с живописцем по парку и буквально на минуту присел отдохнуть. Мастер предельно реалистично нарисовал музыканта: уставший вид и расслабленные движения, набрякшие веки, выступивший на лице пот. Нужно сказать, что с начала XX века художники все чаще использовали эстетику фотографии в своих композициях. Парадные статичные портреты предыдущих столетий постепенно сменились вот такими словно случайными живописными «кадрами».

Макс Слефогт (1868–1932) Даная 1895. Холст, масло. 92,5x81,5

Художник Макс Слефогт стал одним из первых живописцев в Германии, кто практиковал работу на пленэре. Он прославился как пейзажист. Слефогт учился в Мюнхенской академии художеств, а с 1889 — в частной академии в Париже. После путешествия по Италии он вернулся в Мюнхен. Мастер восхищался творчеством Вильгельма Лейбля и Арнольда Бёклина. Его интересовали исторические и мифологические темы.

Здесь известный миф о Данае показан в необычной манере. Стилистически это реалистическая живопись очень строгой цветовой гаммы. Перед зрителем не прекрасная сказочная обольстительница, а простая женщина. Деньги собирает ее служанка — типичная крестьянка XIX века. Композиция строится на противопоставлении светлого в трактовке Данаи и темного в изображении старой женщины. В главной героине нет ни капли традиционного для этого сюжета эротизма, эффектно прописаны черные глубокие впадины глаз и щек служанки. В целом получилась полная неизъяснимого драматизма и загадочности сцена в скромном интерьере, энергетикой напоминающая полотна символиста Франца фон Штука.

Рихард Римершмид (1868–1957) Призраки облаков 1897. Картон, восковые краски. 45x77

Мюнхенец Рихард Римершмид прославился как архитектор и один из крупных представителей югендстиля. Данное направление модерна расцвело в этом немецком городе на рубеже XIX–XX веков. Творцы провозгласили принцип «синтеза искусств»: архитекторы, скульпторы и художники пробовали себя в смежных областях: архитекторы рисовали, скульпторы строили, а живописцы создавали предметы быта и ювелирные изделия. История отечественного искусства знает аналогичный опыт: в мастерских в Абрамцеве работали М. Врубель, В. Васнецов, В. Поленов, Н. Рерих, А. Бенуа и А. Головин.

В этой картине Римершмид трактует сюжет в традиционном символистском ключе. В голубых и золотых тонах он изобразил призраков облаков. Автор оживляет самые обыденные природные явления, призывает зрителя под другим углом взглянуть на окружающий мир, вносит элемент мистики. Мюнхенский представитель модерна разрабатывает идею «чистого искусства»: художник — гений в мире фантазии, он видит то, что недоступно обыденному сознанию. В этом, безусловно, — дальнейшая эволюция романтической концепции искусства начала XIX столетия.

Альфред Кубин (1877–1959) Сумасшествие 1899. Бумага, тушь, перо. 18,5x18,7

Австрийский живописец, график и книжный иллюстратор Альфред Кубин создал собственный авторский стиль, который сформировался в традиции визионерских картин маслом испанца Франсиско де Гойи, бельгийца Джеймса Энсора, норвежца Эдварда Мунка, немца Макса Клингера и француза Одилона Редона. Позже, в 1911, Кубин вошел в группу «Синий всадник», коллекцией работ которой гордится музей.

Это произведение дает представление о творчестве художника рубежа XIX–XX веков. В мрачной, даже жутковатой картине тушью можно почувствовать экспрессию и накал страсти. Потеря разума, метания, галлюцинации, чувства, не имеющие выхода, — вот что желал показать мастер. Естественно, он не ставил целью исполнить портрет больного или дать какую-либо характеристику его недуга. Творец стремился отразить другую сторону внешне упорядоченной жизни — кошмары, которые невозможно рационально объяснить, страдания. Интенсивность чувств, выражаемых художниками, превышала фигуративные возможности традиционной европейской живописи.

Франц фон Штук (1863–1928) Саломея 1906. Холст, масло. 115,5x62,5

Образ роковой красавицы Саломеи привлекал внимание художников со времен Ренессанса. Боттичелли, Дюрер, Рембрандт, Караваджо — это лишь небольшой перечень творцов, которые по-разному интерпретировали образ коварной библейской героини. Мюнхенский живописец Франц фон Штук не единожды обращался к теме порочных соблазнительниц. В богатой раме, созданной по эскизу самого мастера, перед зрителем предстает в экстатическом танце полуобнаженная красавица. Она упивается своим триумфом. Чуть поодаль от нее, справа, видна хищно улыбающаяся служанка, которая держит на блюде голову Иоанна Крестителя. Интересно, что в создании подобной накаленной атмосферы убийства и эротики художнику помогала фотография. Он сделал целую серию снимков танцовщицы, чтобы найти наиболее подходящие позу и ракурс. Колористическая гамма строится на чувственной теплоте в трактовке фигуры Саломеи и мерцающей черноте фона. Лучи вокруг головы пророка указывают на мистический, ирреальный, символистский характер сцены.

Лео Путц (1869–1940) Поздняя осень 1908. Холст, масло. 75x80

Деятельность Лео Путца пришлась на рубеж XIX–XX веков. Немецкий живописец работал в разных стилях, таких как импрессионизм, югендстиль, ранний экспрессионизм. Его творческий путь во многом типичен для мастеров того времени: сначала окончил Академию художеств (в Мюнхене), потом поехал совершенствовать навыки в Париж.

Путц предпочитал рисовать пейзажи и женскую натуру. В этой работе он экспериментировал с живописными эффектами, синтезировал декоративные плоскостные линии югендстиля с импрессионистской свободой цветовых пятен.

Очертания размыты, изображение кажется витражом, который заливает дождь. Зеленые оттенки пейзажа достаточно темные, на некоторых деревьях листва даже бурая. Контрастом основной гамме служат тона белого: садовая мебель, одежда, скатерть, посуда. Общая поэтика образа — уснувшая под теплым осенним солнцем женщина — относится к распространенным в эту эпоху темам счастливого (сказочного) сна и затерянного рая в виде усадебного сада. Типична для модерна и хрупкая женственность героини. По замыслу художника, это не портрет конкретной личности, а обобщенный образ прекрасной незнакомки. Деревья и трава написаны широкими мазками, с минимальным количеством деталей, обобщенно, но реалистично. Столик и сидящая за ним — более абстрактными, отвлеченными мазками, напоминающими опадающие листья дерева. Автор добивается эффекта абсолютной слитности природы и человека. Он создал картину-мираж: пышный сад, поздняя осень и сонное томление.

Эрма Босси (1882 или 1885–1952) Цирк 1909. Бумага, масло. 64x79

К 1908 в Мюнхене сложилась интернациональная компания прогрессивно настроенных живописцев, которые вместе участвовали в выставках и регулярно собирались для обсуждения творческих вопросов. В салон русских художников, живших в Мюнхене с 1896, Алексея Явленского и Марианны Веревкиной приходили Василий Кандинский, Габриэль Мюнтер, Альфред Кубин, Эрма Босси и другие. В январе 1909 все они основали «Новый Мюнхенский художественный союз». Мастера регулярно экспонировались в городских галереях, много и плодотворно работали.

В 1930-е, когда к власти пришел Гитлер, творчество Босси было предано забвению из-за несоответствия национал-социалистической культурной идеологии. Сейчас специалистам известно не более двадцати произведений этой талантливой художницы. О ней самой также мало сведений, точно не определены даже даты жизни Эрмы, родившейся в Хорватии, которая в то время относилась к Австрии.

В данной картине Босси разрабатывает очень популярную для рубежа веков тему цирка: акробатов, клоунов, персонажей итальянской комедии дель арте. В эпоху модерна она была широко распространена из-за любви творцов к мистификациям, карнавалам, театральному искусству. Цирк олицетворял веселье, забвение проблем и прозы жизни, мир фантазии и артистизма. Художница не стремится реалистично представить арену. Ее задача — передать ощущения от пространства под куполом, праздничного настроения, ярких красок. Намеренно детская манера призвана транслировать «наивный» взгляд на цирковое зрелище. Кажется, что это не картина профессионала, а рисунок ребенка, который захвачен волной впечатлений. Притом нужно отметить цельность композиции. Объем создается при помощи цвета: яркий зеленый тон стены рифмуется с костюмом артиста на переднем плане.

Фриц фон Уде (1848–1911) Ангел в полный рост 1910. Холст, масло. 189x95

Немецкий художник Фриц фон Уде, творивший на рубеже XIX–XX веков, знаменит картинами на религиозные сюжеты. Он выработал свою собственную манеру, которая основывалась на синтезе реализма и импрессионизма. От первого живописец взял документальную точность сюжетов, от второго — атмосферность, стремление передать эмоции и впечатления от сцены.

Это полотно характерно для искусства фон Уде. Ангел призван служить олицетворением веры, стойкости, смирения, ведь мастер в основном писал картины жизни бедняков, и все образы связаны с ними. Обращают на себя внимание виртуозная техническая подготовка художника, свежесть его палитры.

Арнольд Шёнберг (1874–1951) Красный взгляд 1910. Картон, масло. 32x25

Австриец Арнольд Шёнберг — один из самых известных композиторов-новаторов XX века. Не все, однако, знают, что он был также художником и поэтом. В 1906–1913 Шёнберг интенсивно занимался живописью, участвовал в целом ряде экспозиций вместе со своим другом и коллегой Василием Кандинским и объединением «Синий всадник».

Данная работа — первая официально выставленная картина композитора. Она исполнена в стиле экспрессионизм, который получил развитие в Германии и Австрии благодаря знаменитым мастерам — Оскару Кокошке и Эгону Шиле. Изображенное существо с красными глазами может рассматриваться как символ человеческих страданий и тревог. Художник пишет его, чтобы выразить свое состояние, индивидуальное видение реальности. Беспощадный по яркости оттенок красного сочетается с нейтральным коричневым. Колорит придает картине атмосферу безысходности. Удел человека, по мысли Шёнберга, — помешательство или невыразительная монотонность будней.

Василий Кандинский

Василий Кандинский. В городе. 1908

Василий Кандинский (1866–1944) Сумерки 1901. Гуашь, мел, металлическое напыление, картон. 15,7x47,7

Василий Кандинский прославился абстрактным искусством, наиболее убедительно обосновал его принципы. Однако путь мастера был сложен. Он творил в разных стилях, являлся автором трактатов («О духовном в искусстве», «Точка и линия на плоскости»), серьезно занимался педагогикой, разрабатывал программы обучения, создавал ювелирные изделия и иллюстрации. Художник писал пейзажи в стиле фовизма, а также картины на сюжеты русского фольклора. Он оставил след в искусстве России и признан одним из самых известных в мире отечественных мастеров. Кандинским гордится Германия — страна, где он провел свои наиболее плодотворные годы. В поздний период, живя в Париже, художник создавал монументальные полотна. Кандинский олицетворяет новое в искусстве современности, однако его творческие корни — в модерне и символизме конца XIX — начала XX века.

Мастер был увлечен разнообразными поэтическими метафорами и философскими аллегориями. Тема всадника, рыцарей, как можно убедиться, глядя на эту раннюю работу, сопровождала его долгие годы. Рыцарство — многозначный и важный образ для европейской культуры: отважные герои немецкого эпоса «Песнь о Нибелунгах», трубадуры и миннезингеры, крестоносцы, богатыри из русских сказок, наконец, святой Георгий в христианстве. Здесь Кандинский экспериментирует с народной традицией, создает картинку для сказки. Сумерки, ночь — излюбленный мотив художников еще со времен романтизма, ведь именно тогда происходит все самое интересное и загадочное. Привлекает внимание ярко-красный плащ героя, он горит словно факел в сгущающейся синеве. Время на картине символично: на небе луна, лес скрылся в темноте, а трава, тем не менее, светло-зеленая. Контуры густо обведены, что лишь подчеркивает фантазийный, выдуманный мир образов.

Василий Кандинский (1866–1944) Готовый к походу рыцарь 1902–1903. Джут, масло, уголь. 108x160

Василий Кандинский начал заниматься живописью лишь в 30 лет. В 1893 он окончил юридический факультет, а к 1895 решился на радикальные перемены. «К тому же времени относятся два события, наложившие печать на всю мою жизнь. Это были: французская импрессионистская выставка в Москве — и особенно "Стог сена" Клода Моне — и постановка Вагнера в Большом театре — "Лоэнгрин". ‹…› И вот сразу увидел я в первый раз картину. Мне казалось, что без каталога не догадаться, что это — стог сена. Эта неясность была мне неприятна: мне казалось, что художник не вправе писать так неясно. ‹…› С удивлением и смущением замечал я, однако, что картина эта волнует и покоряет, неизгладимо врезывается в память и вдруг неожиданно так и встает перед глазами до мельчайших подробностей. Во всем этом я не мог разобраться… Но что мне стало совершенно ясно — это не подозревавшаяся мною прежде, скрытая от меня дотоле, превзошедшая все мои смелые мечты сила палитры». В 1896 Кандинский переехал в Мюнхен — одну из художественных столиц Европы. Там он вошел в круг русских художников, познакомился с А. Явленским, М. Веревкиной, М. Добужинским, И. Билибиным, К. Петровом-Водкиным, посещал частную студию Антона Ашбе, в которой обучались и преподавали мастера модерна и символизма. В 1900 Кандинский поступил в Мюнхенскую академию художеств к Францу фон Штуку.

В этом произведении начинающий творец синтезировал образы средневековых легенд, русских сказок с манерой модерна, создав мир фантазии и недосказанных тайн. Он использовал очень популярный в то время прием незаполненного холста, на котором яркими пятнами намечены отдельные характерные детали. Колорит ограничен: коричневые тона осеннего пейзажа, голубой и розовый цвета одежд, любимые символистами.

Василий Кандинский (1866–1944) Оберпфальц. Пейзаж с желтым полем 1903. Картон, масло. 29,8x44,7

В первые годы нового, XX, столетия Кандинский много путешествовал. Этот пейзаж выполнен летом 1903 в Оберпфальце, в Баварии. Он написан в традициях постимпрессионизма: стремление передать воздушную и световую среду органично объединяется с условными красками и цветовыми контрастами. На автора повлияли такие мастера рубежа веков, как Клод Моне, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, мюнхенские символисты. Его работам не надлежит изображать топографически точный пейзаж, они — в традиции, идущей еще от романтизма XIX столетия, отражение души художника. Идеалу выражения духовных порывов творец оставался верен всю жизнь.

Это произведение напоминает искания Винсента Ван Гога конца XIX века. Кандинский, как и великий постимпрессионист, стремился найти «внутреннюю живописную ноту», растворить свое самоощущение в окружающей природе. Для него музыка и цвет как бы являются синонимами единения мира и художника. Весь свой профессионализм мастер употреблял для придания картинам особой цветовой звучности, а через нее — так называемой визуальной осязаемости впечатлений. Работа интересна атмосферой: каждый увидит в ней совершенно разное настроение. Для одних это пейзаж, полный меланхолии и одиночества, покинутости, для других — упоение сказочным миром вокруг, укромный солнечный уголок.

Пройдет еще немного времени, чуть менее десяти лет, и Кандинский будет популяризировать совершенно противоположные взгляды на миссию художника. Не передача «случайного куска жизни» (как у импрессионистов) и не попытки подражать природе (как у классицистов) адекватно отражают духовные искания и стремления, а неизобразительные, колористические абстракции, которые обладают большим ассоциативным потенциалом.

Василий Кандинский (1866–1944) Кальмюнц. Габриэль Мюнтер за рисованием I. 1903. Холст, картон, масло. 23,7x32,7

Начало XX века знаменовалось для Василия Кандинского интенсивным творческим поиском. Учеба давалась легко: он довольно быстро освоился в разнообразных стилях, начал писать теоретические работы, попробовал себя в преподавании. В 1901 мастер стал одним из основателей группы «Фаланга», члены которой создали также небольшую «Школу живописи и рисунка обнаженной натуры». Ее название объясняется тем, что частные студии в Европе функционировали по единой схеме: студенты платили деньги за возможность рисовать моделей, а преподаватели регулярно оценивали их творения, делали соответствующие замечания. Арендовать мастерскую и нанять модель для живописи на собственные средства было очень дорого. Впрочем, школа уже в 1904 прекратила свое существование.

Много значил для Кандинского в личном плане 1903: он сблизился с немецкой художницей Габриэль Мюнтер, посещавшей его студию с 1902. Вместе они путешествовали по миру: были в Италии, Нидерландах, Северной Африке, России. В 1906–1907 пара жила в Севре, недалеко от Парижа. Многолетний союз с Габриэль был любовным и творческим.

Школа «Фаланга» выезжала летом в городок Кальмюнц на этюды. Стоящая за мольбертом Мюнтер — лишь предлог для художника создать сложное по фактуре и композиционному решению полотно. Осталось много картин небольшого формата этого периода, когда Кандинский пробовал свои возможности, опираясь на постимпрессионизм. Главное в произведении — цвет: белые акценты в изображении зонта и отштукатуренной стены дома, а также синий цвет платья и пейзажа. Мастер пишет пастозно, густо кладет краску на холст. Цвета очень интенсивные, а их сочетания и контраст создают особую, эмоционально и колористически «сгущенную» атмосферу этого, казалось бы, обычного летнего дня на пленэре. У Кандинского есть несколько полотен похожего сюжета, с Кальмюнцем, а также изображающих Габриэль за работой.

Василий Кандинский (1866–1944) Габриэль Мюнтер 1905. Холст, масло. 45,2x45

Данный портрет возлюбленной и коллеги Габриэль Мюнтер написан Василием Кандинским в традициях постимпрессионизма: белые мазки краски соседствуют с синими и зелеными тенями. При этом работа классическая по характеру: художник стремится запечатлеть Габриэль и передать ее внутреннее состояние. Женщина смотрит задумчиво, ее губы сжаты. В полотне проявилось мастерство Кандинского-портретиста: он создал изображение без экспрессивных преувеличений или жанровой трактовки героини. Притом этот, казалось бы, ничего не выражающий облик получился очень живым и трепетным портретом любимой. История отношений пары не имела счастливого конца. Когда они познакомились, Кандинский был женат и связь приходилось скрывать. Двум творческим натурам оказалось трудно договориться о своих планах: Василий стремился к уединенным деревушкам, Мюнтер хотела жить в большом городе. Долгое время она мечтала, что они, наконец, узаконят союз. К 1911 мастер развелся с официальной женой Анной. Вместо желанного брака Габриэль несколько лет тщетно ждала Кандинского, который активно путешествовал и работал по всей Европе, хотя обещал вернуться к ней в Швейцарию. К 1916 он уехал улаживать дела в России и в 1917 женился… но не на ней, а на Нине Андреевской. Мюнтер все это время писала письма, ждала и искала его, но он оставлял ее без ответа. Только в 1921 Кандинский вышел с ней на связь и сообщил о себе. Для художницы это был настоящий удар. Она на долгие годы забросила живопись, пыталась найти себя в чем-то другом. Когда к власти пришли национал-социалисты во главе с Гитлером, беспредметное искусство объявили «дегенеративным», недостойным немецкой культуры. Мюнтер, рискуя жизнью, прятала картины Кандинского у себя в доме, а за несколько лет до смерти передала весь архив и коллекцию галерее Ленбаххаус.

Василий Кандинский (1866–1944) Севр I. 1906. Холст на картоне, масло. 23x32

К 1901–1908 относится ранний период творчества Василия Кандинского. В это время он впитывал многовековую традицию европейской живописи, наверстывал упущенное, лично знакомился со всеми значительными художниками символизма, экспрессионизма, разнообразных направлений модерна и стремился пойти дальше, обосновать новые пути творчества. Так, с самого начала деятельности мастера определяются две магистральные линии: работа в разнообразных «стилях» и жанрах и формирование собственной концепции «духовного в искусстве».

Где бы ни был Василий Кандинский — в Швабии, Подмосковье или Франции, он много рисовал достаточно простых мотивов в стиле постимпрессионизма. Этот вид на город — впечатление от уединенного досуга. Вот что художник писал другу из Севра: «Здесь, правда, хорошо. А кроме того, тихо. И этой тишиной я так увлекаюсь, что ехать в Париж — настоящая мука. ‹…› Кажется мне, что в наступающем новом фазисе живописи (и, быть может, искусства вообще) французам достанется небольшое место. Кроме Gauguin и отчасти М. Denis, думается мне, немногие годны для тех новых задач, которые все яснее, все ярче вырастают перед художниками. Этими задачами занята и моя мысль, но то немногое ясное, что образовалось внутри меня, нашло еще мало выражения в работе. Я спешу работать».

Этот пейзаж исполнен в духе упомянутых Поля Гогена (вернее, фовизма, родоначальником которого он был) и Мориса Дени. Художник пишет «наивно», кажется, что кладет разные краски в порыве минутного увлечения. Эта обманчивая легкость колористического решения выдает техническое и творческое мастерство Кандинского.

Василий Кандинский (1866–1944) Василиса Прекрасная 1907. Картон, темпера. 29,8x49,8

Василий Кандинский был очень обстоятелен во всем. Еще студентом юридического факультета МГУ, летом 1889, он принимал участие в этнографической экспедиции на север страны. «Особенно сильным впечатлением» в автобиографической книге «Ступени» мастер назвал поездку в Вологодскую губернию, оказавшую существенное влияние на его судьбу. Спустя годы живописец вернется к этой теме и блестяще разовьет ее в своем творчестве.

Данная работа, как и предыдущая, создана в древнерусской стилистике. Герои старой сказки идут через ночной осенний лес. Вокруг — звенящая тишина. Впечатление от фантазийности фольклорного мира подчеркивается оригинальной цветовой трактовкой. Изображена ночь с мириадами ярко светящихся звезд, на пути Василисы встречаются черные силуэты елей, густая красная и желтая листва. Картина трактована в декоративно-плоскостном ключе, в русле «Мира искусства» и стиля модерн в целом. Кандинский не просто пробовал себя в разных стилях и манерах, он постоянно соотносил свои живописные искания с теорией. Творец постепенно «овладевал цветом», вырабатывал его концепцию, которая касалась как психологических эффектов, так и более глубоких духовных истин. Он разделял искания русских религиозных философов (Николая Бердяева, Дмитрия Мережковского), жаждавших всеобщего единения, пропагандировавших отказ от индивидуалистического эгоизма и путь духовного спасения через внутреннее слияние с народным «мистическим организмом». В героях ушедшей русской старины Кандинский надеялся отыскать чистоту нравов и искренность веры. Нужно отметить, что он был чрезвычайно религиозным человеком.

Василий Кандинский (1866–1944) Пара на коне 1907. Холст, масло. 55x50,5

Помимо постимпрессионизма Василий Кандинский активно развивал неорусский стиль, который характерен и для отечественной группы «Мир искусства». Стоит вспомнить работы Николая Рериха и Ивана Билибина. Кандинский много рисовал на темы древнерусской истории, фольклора, сказок.

В этой композиции художник варьирует мозаику мазков, цветовых пятен и четко очерченных форм. На картине изображена едущая на лошади пара на фоне древнерусского города. Лица не важны творцу, он пишет обобщенные типы. Особая роль отведена цвету. Произведение построено на сочетании синих тонов и разноцветных точек. Они придают ему таинственную отстраненность, будто события происходят за тончайшей расшитой вуалью. Вот как писал об этом полотне сам мастер: «Я работаю над эскизом для картины с тихой парой на коне и радуюсь. Многие мои мечты скрыты в нем: он напоминает орган; в нем есть музыка. Это наполняет меня смелостью для новых работ».

Василий Кандинский (1866–1944) Железная дорога у Мурнау 1909. Картон, масло, карандаш, мел. 36x49

С 1909 по 1914 Василий Кандинский провел в поисках абстрактного стиля. Темы, которые он развивал в предыдущие годы, органично вошли в абстрактные композиции мастера. Основой был идеал аутентичности, который родился вследствие долгих исканий. Художник считал, что его картины созданы в результате «внутренней необходимости» (термин философа Артура Шопенгауэра, который позже перенял Фридрих Ницше), они не неприхотливая игра случая, а продукт работы души индивида. Данная концепция стала очень распространена среди художников XX века. Фактически она означает, про произведение искусства является плодом внутреннего развития человека, оно естественно рождается из глубин духа. Позже теория естественности рождения произведения в глазах широкой публики часто была дискредитирована предполагаемой произвольностью и общедоступностью.

Так, на примере этой работы можно увидеть постепенный переход Кандинского к идее абстракции. Как и большинство мастеров начала XX столетия, он искал новое с помощью концепции «чистого искусства». Она означала, что у каждого из видов искусств есть свое основное средство, благодаря которому живопись становится живописью, а скульптура скульптурой. Для живописи таковым признаком, делавшим ее самостоятельным и высшим искусством, был цвет. Оставался вопрос: может ли цвет существовать на полотне сам по себе и что он будет значить? Наука того времени давала однозначный ответ: цвет способен вызывать определенные ассоциации на психическом уровне. Одну из глав своего трактата в 1911 мастер открывал цитатой Эжена Делакруа: «Всякому известно, что желтый, оранжевый и красный цвета вызывают и представляют идею радости и изобилия». Задача Кандинского была определена: найти законы этих параллелей, разработать их и возвысить живопись до «чисто художественной композиции».

Василий Кандинский (1866–1944) Гора 1909. Холст, масляная темпера. 109x109

Эта ранняя работа абстрактного периода творчества Василия Кандинского написана в Мурнау. На ее примере можно проанализировать и понять переход от цветовых впечатлений художника к концепции чистого абстрактного искусства, которому не нужны фигуративные образы. Какова, по мнению мастера, была роль зрителя? Что сторонний наблюдатель мог увидеть в этих полотнах и чем они могли бы его заинтересовать? Ответ на вопросы сейчас кажется очень простым и естественным: рассматривающий картины получает ассоциативные впечатления, проникается тем или иным настроением, однако концепция «настроения» в восприятии произведений не была классической, она начала формироваться лишь в эпоху романтизма, в XIX веке. Формирование этой концепции взаимоотношений «автор — картина — зритель» складывалось из многих культурных и естественно-научных открытий, а не являлось естественным процессом.

С 1909 для Кандинского «нет пути назад», работы свидетельствуют о переломе в творческой философии. Фактура утяжеляется, красочные пятна обретают плотность, композиция не строится, а словно развертывается перед зрителем в акте своего рождения. В пейзажах ощущается предельное напряжение цвета. Интересно, что об эволюции стиля мастера историки искусства могут судить с предельной точностью, ведь он со свойственной обстоятельностью записывал под порядковыми номерами все созданные картины. Также о многих сюжетах и образах можно достоверно судить благодаря сохранившимся эскизам, наброскам, черновикам и вариантам, их большая часть написана традиционно, то есть фигуративно, более или менее реалистически.

Василий Кандинский (1866–1944) Пейзаж Мурнау с радугой 1909. Картон, бумага, масло. 32,9x42,8

Зритель, глядя на полотно, должен почувствовать произведение, его настроение и мысли творца. Сейчас эта концепция стала основой художественного воспитания с самого раннего детства. В действительности она является продуктом исторического развития науки и общества XX столетия: идея разделения чувств с автором картины не была классической. Данная концепция в целом может называться психологической интерпретацией искусства. Дело в том, что исследователи со второй половины XIX века вплотную подошли к изучению самого феномена восприятия. Опыты по визуальному поглощению информации и ее переработке должны были не только ответить на разнообразные вопросы физиологии и психологии, но и открыть тайны эстетики: что и почему нравится человеку в искусстве или природе. Выдвигались самые разнообразные мнения, многие из которых живы до сих пор. Например, что человек интуитивно тяготеет к предметам, расчлененным по правилу золотого сечения.

Так, идеи абстрактного искусства питались концепциями двух ученых — психолога Теодора Липпса и искусствоведа Алоиса Ригля. Липпс предложил теорию «вчувствования» как некоего психологического феномена, который позволяет человеку устанавливать эмоциональный контакт с предметами окружающего мира, соотносить вещь со своими ощущениями. Ригль выдвинул идею «художественной воли» эпох. В зависимости от идеала каждой конкретной культуры мастера разрабатывают свои собственные. Названное (вчувствование в произведения искусства и выражение в них духа эпохи) на сегодняшний день — основные концепции понимания искусства вообще. Кандинский в своих работах стремился синтезировать эти мысли: его творения были призваны, по словам самого создателя, выражать дух времени и токи человеческой души в цветовых ассоциациях. Все теоретические поиски мастера связаны именно с обозначенными вопросами.

Василий Кандинский (1866–1944) Грюнгассе в Мурнау 1909. Картон, масло, корпусная краска, акварель(?). 33x44,6

Необходимо кратко осветить не только участие зрителя в восприятии картин современных художников, но и роль самого творца. Василий Кандинский постоянно писал и говорил о том, что целью искусства является выражение внутренней сущности духовного с помощью выявления художественной цельности произведения. Перечисленные концепции формировались в европейской культуре с XIX века. Они не являлись случайными, метафорическими образами, которыми мыслил автор, пытаясь объяснить свое творчество. Идея «духовного» сформировалась среди европейских художников под влиянием романтической традиции XIX века, христианского мистицизма и символизма. Мастера и критики начинают мысленно разделять в произведениях искусства внешнюю, чисто формальную композицию (планы, перспектива) и внутреннюю — смысл высказывания, ассоциации. Одним из родоначальников этого современного взгляда на творчество и стал Василий Кандинский.

К рассматриваемому моменту сформировалось и два представления о статусе любого мастера. Он не просто творец: он обосновывает свои работы, у него есть теория, которая помогает, сопровождает практику. Сам Кандинский, например, был очень образованным, интересовался антропософией, философией, педагогикой. Его произведения (как и символистов) пропитаны знанием истории, мифов, литературных, поэтических и философских образов. Второй тип художника — это вдохновленный гений, который не может рационально объяснить, что именно он создает, но делает это настолько убедительно, что зритель погружается в мир мастера. Кандинский являлся одним из ярких представителей этого типа, так как в своих текстах провозглашал свойственную творцу встроенность в мир: «истинное произведение искусства возникает таинственным, загадочным, мистическим образом "из художника"». Мастер совмещал два этих, казалось бы, противоположных взгляда.

Василий Кандинский (1866–1944) Мурнау с церковью I 1910. Картон, масло, акварель. 64,9x50,2

Данная картина, написанная в Мурнау, демонстрирует рассмотренные ранее концепции современного и в том числе абстрактного искусства. Василий Кандинский изобразил церковь, однако композиционно это — почти абстрактная вещь. Реальные силуэты предметов практически не читаются, если не знать названия произведения. Мастер последовательно уходил от копирования реальности, считал, что не в нем сила художественного высказывания, а, если говорить современным языком, в энергетике полотна. По его мнению, чтобы выразить мысль или чувство, живописец интуитивно или сознательно выбирает определенные цвета. Кандинский разработал двойную систему символики цветов: по аналогии с музыкой (единство световых и звуковых волн) и по эмоциональным ассоциациям (грусть, радость и прочее).

Василий Кандинский (1866–1944) Корова 1910. Холст, масло. 95,5x105

Произведение, по мнению Василия Кандинского, — это работа духа, не могущего застыть на месте. «Дух, ведущий в царство завтрашнего дня, может быть познан только чувством. Путь туда пролагает талант художника. Теория — это светоч, который освещает кристаллизовавшиеся формы вчерашнего и позавчерашнего». Мастер хотел сказать, что произведение искусства живет в настоящем, а дух творца стремится к будущему, то есть само искусство — это живой организм, а интерпретации и прочтения вторичны. Позже, уже ко второй половине XX века, эта идея «живого» в искусстве трансформируется в новые виды художественной деятельности: перформансы, инсталляции, хепенинги — творческие акты, производя которые творцы желали подчеркнуть момент сиюминутности, витальности своего действия. Эти идеи, как и многие концепции искусства XX столетия, развивались еще со времен романтизма. Именно тогда мастера стали ценить фрагменты произведений, подготовительные эскизы, начала формироваться эстетика прелести случайных моментов жизни, неприхотливых бытовых сцен, новых тем в искусстве (импрессионизм).

Данная работа, изображающая абстрактные объемы, лишь отдаленно напоминающие корову, — прекрасный пример развития эстетики романтиков. Интересно, что образ животного возник неслучайно. Для Кандинского именно оно олицетворяло сельскую Баварию. Автор жил в маленьком городке, коровы были частью привычного пейзажа. Несколько слов нужно сказать и о колорите. Желтый, зеленый и синий цвета мастер считал «активными». Он рассматривал цвет как живое существо: «первое движение желтого цвета — устремление к человеку… второе движение — перепрыгивание через границы, рассеивание силы в окружающее, — подобны свойствам каждой физической силы, которая бессознательно для себя бросается на предмет и бесцельно растекается во все стороны». И действительно, дар колориста позволял Кандинскому создавать произведения, которые интригующе воздействуют на подсознание зрителя.

Василий Кандинский (1866–1944) Романтический пейзаж 1911. Холст, масло. 94,3x1 29

Принято считать, что классическое абстрактное искусство началось с неизобразительных акварелей Василия Кандинского 1910. В самый плодотворный и новаторский период своей жизни, с 1909 по 1914, мастер создал около 200 работ. Все они, являясь абстрактным искусством, носят, тем не менее, характер устойчивых иконографических образов. Автор рисовал пейзажи, всадников, горы, дома, людей. Однажды коллекционер живописи творца спросил его, правомерно ли видеть в картинах определенные изобразительные элементы (людей, предметы). Художник ответил: «Большее или меньшее напоминание о реальности появляется у зрителя как повторное звучание, которое вещи вызывают у всех, кто чувствует». Этим свойством — отдаленно напоминать что-то — работы Кандинского привлекают внимание зрителей всего мира. Вот как мастер описывал процесс соприкосновения с картиной: «Скольжение нашего взора по покрытой красками палитре приводит к двум главным результатам: 1) осуществляется чисто физическое воздействие цвета, когда глаз очарован его красотой и другими его свойствами. Зритель испытывает чувство удовлетворения, радости, подобно гастроному с лакомым куском во рту. ‹…› 2) Тогда налицо второй главный результат наблюдения — психическое воздействие цвета. В этом случае обнаруживается психическая сила краски, она вызывает душевную вибрацию. Так первоначальная элементарная физическая сила становится путем, на котором цвет доходит до души». Кандинский как никто другой мог расположить, казалось бы, случайные линии, формы и точки таким образом, что получались полотна, буквально притягивающие взгляд.

Василий Кандинский (1866–1944) Все святые I. 1911. Картон, масло, гуашь. 50x64,8

Василий Кандинский прославился как основоположник абстрактного искусства, которое оперирует неизобразительными знаками, программно отказывается от миметических образов. Бытует мнение, что абстрактное искусство бессюжетно, а значит, бессмысленно, и им может заниматься каждый, оно ошибочно. Художники действительно стремились к бессюжетности и безобразности, но в основе был поиск новых путей саморепрезентации. Стало понятно — образы не выражают всего, что чувствует творец и могут ощущать зрители. По мнению Кандинского, «вопрос формы вторичен, первичен — вопрос содержания искусства», однако, чтобы произведение обрело подлинный духовный смысл, нужно сначала отказаться от миметического правдоподобия, разорвать связь форм и значений и заново вложить содержание в виде цветовых образов.

Представленная работа входит в ряд произведений из Мурнау, созданных на темы русского фольклора, традиций и сказок. Она написана абстрактно, но с сохранением узнаваемых силуэтов, некоторых образов. У этого сюжета в творчестве мастера есть своя история. Еще во время поездок в Москву, в 1904–1906, он вместе с другим ярким художником-новатором Михаилом Ларионовым ходил по рынкам в поисках традиционных русских лубков. Иконопись также была объектом пристального интереса Кандинского. В данной картине отражена легенда об огненном восхождении Ильи-пророка. Композиция отличается от привычной перспективной, тем не менее фигуры и пятна расположены в определенном порядке. Работу характеризуют сложная фактура мазка и плотность краски.

Василий Кандинский (1866–1944) Импрессия III. (Концерт) 1911. Холст, масло. 77,5x100

В 1908–1910, то есть во время проживания в Мурнау, в творчестве Кандинского сформировалась авторская система жанров. «Импрессии» были тесно связаны с непосредственно пережитыми реальными впечатлениями. «Импровизации» — «бессознательно, большей частью внезапно возникшие выражения процессов внутреннего характера». «Композиции» — наиболее сложные вещи. Кандинский говорил: «…Исключительно медленно складывающиеся во мне, они долго и почти педантически изучаются и вырабатываются мною по первым наброскам».

У данной картины особая история возникновения. В начале января 1911 в Мюнхене состоялся концерт Арнольда Шёнберга. Он оказался не рядовым событием, прозвучали Первый и Второй струнные квартеты и три пьесы для фортепиано — произведения, положившие начало атональной музыке. Публика не приняла новаторства. На этом концерте присутствовал и Василий Кандинский, который был глубоко потрясен услышанным. Позже мастер писал Шёнбергу: «В своих произведениях Вы осуществили то, к чему я, хоть и в неопределенной форме, так стремился… Собственная жизнь отдельных голосов в Ваших сочинениях — это именно то, что в живописной форме пытаюсь найти я… "сегодняшний" живописный и музыкальный диссонанс — это не что иное, как консонанс "завтрашнего" дня».

Атональная музыка, родоначальником которой считается Шёнберг, писалась вне устоявшейся логики ладовых и гармонических связей. Фактически, все тона стали равноправными, отрицался консонанс и диссонанс. Родство световых и звуковых волн, их соответствие и синтез давно волновали художников. Цвет, как и звук, имел такую же силу воздействия на зрителя, как и тема. Привлекательность чистых цветовых сочетаний заключалась для мастеров в особом способе воздействия: на психику, на душу, посредством бессловесных образов, то, что нельзя контролировать, то, что может дать неожиданный и сильный эффект. Кандинский был одним из наиболее последовательно изучавших эту тему на практике. Под впечатлением от концерта он написал данное полотно.

Василий Кандинский (1866–1944) Набросок для обложки альманаха «Синий всадник» 1911. Бумага, акварель, белила, тушь. 27,7x21,8

В 1911 Василий Кандинский вместе с немецкими мастерами Францом Марком, Августом Маке, Габриэль Мюнтер, русскими — Алексеем Явленским и Марианной Веревкиной, а также американцем Альбертом Блохом и некоторыми другими основал группу «Синий всадник». Вот что писал творец о ее названии: «Мы оба любим синий цвет, Марк — лошадей, я — рыцарей. Так название и придумалось».

Сегодня абстрактное искусство везде: в монументальных сооружениях, в дизайне интерьера и одежды. Правда, оно чаще служит декоративным целям, что в свое время являлось упреком художникам этого направления. Некоторые коллеги Кандинского, в свою очередь, считали, что такая живопись может рассматриваться только как «техническое упражнение». Но сам мастер верил, его работы — продукт и часть органического духовного мироздания.

Василий Кандинский (1866–1944) Все святые II. 1911. Холст, масло. 86x99

Возвратившись из России в Германию и поселившись в Мурнау, Василий Кандинский заинтересовался и немецкими народными традициями. Так, работа «Все святые II» в своем «основном» варианте написана на стекле. Сохранилось еще несколько вариантов и эскизов из этой серии, выполненных в разных техниках. Композиция создана по принципу коллажа. Художник никогда не придерживался строгих правил и канонов, однако стремился «схватить» дух и образ популярных народных героев. Иногда, как в данной картине, он использовал устоявшиеся иконографические схемы. Узнаются отдельные фигуры, например, Богоматерь с Младенцем в центре холста. Пространство полотна более разряжено, по сравнению с работой «Все святые I», краски ложатся менее фактурно, они более чистые по тону.

Обращает на себя внимание и свободная манера трактовать человеческие фигуры, которая стала органичной частью всех направлений авангардистской живописи: от неопримитива до сюрреализма. Произведение написано по принципу «организованного хаоса», глаз зрителя выхватывает некоторые фрагменты, «цепляется» за узнаваемые фигуры, сложная палитра обогащает впечатления. Каждый цвет, по мнению Кандинского, имел собственную ассоциативную энергетику. Здесь преобладают голубые и красные оттенки с небольшими вкраплениями желтого. Как уже говорилось, абстрактные свойства цвета стали важной темой для раздумий и практики живописца. «Глаз больше и сильнее привлекается светлыми красками, а еще сильнее и больше более светлыми и теплыми тонами: киноварь притягивает и манит нас, как огонь, на который человек всегда готов жадно смотреть. От яркого лимонно-желтого глазу через некоторое время больно, как уху от высокого звука трубы. Глаз становится беспокойным, не выдерживает долго вида этого цвета и ищет углубления и покоя в синем или зеленом. При более высоком развитии это элементарное действие переходит в более глубокое впечатление, сильно действующее на душу».

Василий Кандинский (1866–1944) Женщина в Москве 1912. Холст, масло, белила. 109,5x109,3

Василию Кандинскому всегда было тесно в рамках какого-то одного стиля, он свободно комбинировал манеры в зависимости от живописной задачи. Представленная картина создана в традициях неопримитива. Она является своего рода воспоминанием о Москве. Стилистика похожа на творчество друга и коллеги Кандинского — Михаила Ларионова. Они оба интересовались народным фольклором, использовали в своих работах лубочные образы.

Примитив был созвучен мастерам XX века, можно вспомнить Поля Гогена, Анри Матисса, Пабло Пикассо. Наивный и оттого, как считалось, высокодуховный взгляд на мир привлекал европейских авторов, уставших от регламентирующих законов академической живописи. Кандинский — один из пропагандистов народных и фольклорных мотивов в творчестве. Он писал, обосновывая отказ от реализма и развитие абстрактных и обобщенных форм: «Эти чистые художники так же, как и мы, стремились передавать в своих произведениях только внутренне-существенное, причем сам собою произошел отказ от внешней случайности».

В данной работе Кандинский свободно комбинирует фигуративные и абстрактные элементы. Фигура женщины немастштабна, она больше городских зданий и написана как видение, исполин. Использована гипербола — прием фантастического преувеличения. Ведь, скорее всего, это торговка, городская мещанка. Фантастичность видна во всем: у дамы нет левой руки, но также нет никаких указаний на то, почему она ее лишилась. В конце XIX — первом десятилетии XX века в литературе, поэзии и живописи расцветают городские темы. Художники создают сцены из жизни больших городов, в которых, как правило, звучат нотки смятения, хаоса, подчас пугающей пестроты мегаполиса.

Габриэль Мюнтер и Алексей Явленский

Алексей Явленский. Терновый венец. 1918

Габриэль Мюнтер (1877–1962) Явленский и Веревкина 1908–1909. Картон, масло. 32,7x44,5

В 1909 жизнь Габриэль Мюнтер была чрезвычайно насыщенна. Она вместе с Василием Кандинским жила в Мурнау (наиболее плодотворный период для художников). К ним часто приезжали друзья — Алексей Явленский и Марианна Веревкина. Последние познакомились еще на родине, в России, в 1896 пара перебралась в Мюнхен.

«Это было прекрасное, интересное, радостное время работы и частых бесед об искусстве, — вспоминала много позже Мюнтер. — …Мы все четверо искали, и каждый в отдельности развивался… Бывали дни, когда я делала по пять этюдов». В 1909 группа художников-единомышленников находилась под воздействием постимпрессионизма и настойчивых поисков чего-то нового, свежего, современного. Ее кумирами были Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Анри Матисс.

Данная работа периода становления Мюнтер написана под влиянием Матисса. Любители искусства узнают его манеру обобщенно трактовать плоскостные формы и обогащать их чистыми локальными красками. Произведение очень экспрессивно по колориту, а вся сцена виртуозно и свежо скомпонована. Выразительность строится на округлых линиях: покатая земля рифмуется с яркой полосой прячущегося в тяжелых облаках солнца, шляпа Веревкиной соотносится с горой на горизонте, а украшения на головном уборе — с цветами на приветливой зеленой поляне. Художница предпочитала чистые, сочные цвета, неудивительно, что именно она первой начала рисовать по стеклу, приобщив к этому занятию всех коллег.

Габриэль Мюнтер (1877–1962) Слушатель (портрет Явленского) 1909. Картон, масло. 49,7x66,2

Представленная работа — одна из самых известных и удачных в творчестве Габриэль Мюнтер. Мастеру удалось гармонично синтезировать простоту форм с ясностью колористического решения. Она использовала локальные цвета. Полотно производит впечатление кристально чистой выразительности художественных средств. На темнозеленом, будто небрежно закрашенном фоне, справа, в утрированной манере изображен Алексей Явленский. Мюнтер применяет полюбившиеся еще со времен импрессионизма световые и цветовые оптические искажения. Зеленый цвет, выбранный для фона и бороды героя, призван символизировать домашнюю обстановку уюта: насыщенная чернота ночи трансформируется под воздействием теплых оттенков желтого. В центре композиции — увеличенная в размерах, немасштабная настольная лампа, вокруг нее собираются друзья. Левая часть мастерски уравновешена тарелкой и коробкой пронзительного голубого цвета. Интересно узнать о реальной обстановке, в которой писалась эта работа. Дело в том, что Алексей Явленский слыл порывистым, страстным человеком, весельчаком и балагуром с эпизодическими приступами тяжелейшей меланхолии и упадком веры в себя. Он искренне не любил и не понимал теоретических построений, которыми так увлекался его друг и коллега Василий Кандинский. Мюнтер вспоминала: «Явленский был менее интеллектуальным и интеллигентным, чем Кандинский и Клее, и их теории часто запутывали его. Однажды я нарисовала его портрет, который назвала "Слушатель", где был изображен Явленский, с озадаченным выражением на толстощеком лице, вслушивающийся в новые теории искусства Кандинского».

Габриэль Мюнтер (1877–1962) Портрет Марианны Веревкиной 1909. Картон, масло. 81x55

Представленная работа Габриэль Мюнтер является типичной для указанного периода творчества автора. Портрет написан под сильным влиянием произведений Анри Матисса. Об этом свидетельствуют колорит и художественные приемы в трактовке формы и светотени.

Интересна судьба Марианны Веревкиной, искусство которой только-только начинает привлекать внимание историков и широкой публики. Она была одной из любимых учениц Ильи Репина, однако покинула Россию, поселилась в Германии и перешла на позиции экспрессионизма. Художница писала богатые и сложные по колориту картины, во многих из которых чувствуется влияние символизма и мистики.

Габриэль Мюнтер (1877–1962) Человек за столом (Кандинский) 1911. Картон, масло. 51,6x68,5

Многое уже сказано о судьбе Габриэль Мюнтер и ее отношениях с Василием Кандинским. Историки искусства традиционно причисляют художницу к экспрессионистам. Она была активной участницей мюнхенской творческой жизни, кроме того, сохранила для истории немецкое наследие Кандинского. Мастер считается одним из летописцев жизни «русской колонии» города, куда также входили Алексей Явленский и Марианна Веревкина.

Эта работа исполнена в неопримитивистской манере, в которой отчетливо прослеживаются уроки Анри Матисса. Формы достаточно обобщены и обведены густой черной линией. Силуэт лаконичен, дробление объемов условно, такая манера рисунка отсылает к детскому, наивному взгляду на окружающий мир. Художница выбрала простой сюжет: мужчина сидит за столом, где все приготовлено к чаепитию. Ее задачей не было передать точные портретные черты возлюбленного или воссоздать атмосферу интерьера, скорее, она стремилась запечатлеть своего рода памятный знак: ни с чем в точности не соотносящийся, ничего документально не изображающий, но важный для нее момент времени или период жизни. Композиция написана плоскостно, Мюнтер использует декоративные приемы, ограничивая сцену слева абстрактным черным изогнутым фрагментом. Он придает этой жанровой картине в интерьере особый характер условности, отвлеченности.

В музее хранится еще один, более традиционный, реалистичный, портрет Кандинского, исполненный в технике цветной линогравюры (1906).

Алексей Явленский (1864–1941) Пейзаж Мурнау 1909. Картон, масло. 50,4x54,5

Алексей Явленский, друг и коллега Василия Кандинского, считается представителем экспрессионизма. Его творческий путь начался в петербургской Академии художеств. Автор, как и его будущая многолетняя спутница Марианна Веревкина, был учеником Ильи Репина. В 1896 он переехал в Мюнхен, где поступил в студию Антона Ашбе, там познакомился с Василием Кандинским. В 1911 мастер стал одним из членов группы «Синий всадник». В 1908–1909, то есть в ранний, доэкспрессионистский, период творчества, он находился под сильным влиянием постимпрессионизма. Как и ряд художников того времени, Явленский был под большим впечатлением от смелых плоскостных и нарочито отвлеченных композиций Винсента Ван Гога, Поля Гогена и Анри Матисса. Он часто приезжал в Мурнау к Кандинскому и Габриэль Мюнтер. Они много рисовали на природе самые простые мотивы — поля, горы, леса.

Представленная картина хорошо демонстрирует характерный для этого периода стиль автора. Почти квадратного формата картон заполнен лаконичными, геометризированными фигурами с подведенным черным силуэтами. Мастер создал фантастический мир цветных форм: ярко-бирюзовое небо, чистый тон голубого в изображении горы, красная дорога с оранжевыми и светло-голубыми бликами, густая синяя тень от предметов. В альбоме уже приводились слова Габриэль Мюнтер, которая отзывалась о художнике как о противнике любых теорий и формализации творческого процесса. Однако она же, говоря о людях, которые на нее повлияли, вспоминала о Явленском как о человеке, лучше всех в ее окружении понимавшем теории цвета. Как бы то ни было, этот пейзаж является доказательством активных поисков мастера в области колорита.

Алексей Явленский (1864–1941) Портрет танцора Александра Сахарова 1909. Картон, масло. 69,5x66,5

Когда Борис Терновец, один из известных отечественных художественных критиков первых десятилетий XX века, увидел этот портрет, он показался ему «ядовито-болезненным, испорченным, извращенным, женственным». Работа действительно потрясает необузданной экспрессивностью, будто на зрителя смотрит воплощение порока. Портрет ошеломляет своей двусмысленностью: он очень выразителен, мгновенно запоминается и одновременно сбивает с толку. Загадка кроется в неясной функции картины: если это портрет танцора, то почему он представлен в одной из ролей и к тому же сильно загримирован. Если же художник не ставил задачи запечатлеть индивидуальные черты друга, Александра Сахарова, то не является ли образ аллегорическим? Символизирует ли он типичные для первых десятилетий XX века темы театра, переодевания, мистификации, масок?

Франц Марк

Франц Марк. Пасущиеся лошади I. 1910

Франц Марк (1880–1916) Мальчик с санками в зимнем пейзаже. Около 1902. Холст, масло. 27,5x40,8

Музей располагает обширной коллекцией произведений немецкого живописца Франца Марка. Он — одна из ключевых фигур немецкого экспрессионизма. Мастер родился в Мюнхене в семье профессионального пейзажиста. С 1903 по 1907 он часто бывал в Париже — европейской художественной столице, постоянно посещал музеи, где самостоятельно учился на работах старых мастеров.

Марк вырос в очень набожной, строгой религиозной семье. В юности он горячо интересовался теологией и христианской культурой, до 1898 даже готовился стать священником (как и Винсент Ван Гог, ставший впоследствии его кумиром). Учеба в Мюнхенской академии художеств не предполагала знакомства с новейшими течениями искусства, студенты рисовали в стиле реализма и академического натурализма. Марк черпал вдохновение в стенах Пинакотеки, где экспонировалось блестящее собрание работ немецких романтиков, таких как Каспар Давид Фридрих. Школу импрессионизма он прошел самостоятельно во время пребывания в Париже. Так, молодой художник шел по стопам великих предшественников, рисуя эту картину. Мальчик показан спиной, он удаляется, везя за собой санки. На заднем плане виднеется скромная хижина. Привлекают внимание сдержанная палитра, атмосфера почти звенящей тишины и меланхолии. Художнику удалось создать целостную композицию, поделиться ощущением огромности мира вокруг. Этот мотив он будет развивать и дальше.

Франц Марк (1880–1916) В Индерсдорфе 1904. Холст, масло. 40,1x31,1

Франц Марк трагически погиб в возрасте 36 лет на фронтах Первой мировой войны и не успел сделать всего, что мог и хотел. Он был настолько яркой, целостной и интересной личностью, что многие друзья и коллеги оставили подробные и теплые воспоминания о нем. Василий Кандинский описывал молодого человека так: «Он выглядел как житель гор с его необыкновенным ростом, широкими плечами, худым лицом, черными волосами, с его манерой размашисто шагать. В городе он казался столь массивным, столь несоответствующим. Его лучше было видеть среди гор, лугов и лесов. Там он был "дома"».

Перед зрителем — работа раннего периода, она показывает то, чему учили начинающего живописца в мюнхенской Академии. Этот реалистический урбанистический вид выполнен в скромной гамме светлых оттенков коричневого, голубого, белого и зеленого. Контрастом служат яркие красные пятна сохнущих вещей и их отражения в воде.

Франц Марк (1880–1916) Обнаженная с кошкой 1910, Холст, масло. 88x82

В 1907 в деятельности и жизни Франца Марка произошел перелом. Он поехал в Париж, неудовлетворенный проделанным, и получил новый источник вдохновения — творчество Поля Сезанна, Поля Гогена и Винсента Ван Гога.

Марк считал, что художник близок по духу к христианским мученикам: они обречены видеть мир со всем его несовершенством и служить красоте и истине. Он стремился рисовать простые вещи, обыденные сценки, животных. Целью творца было возвысить своих героев и темы до духовного символа. Эта идея близка и Василию Кандинскому, вот поэтому два ищущих и религиозных мастера подружились. Кандинский вспоминал: «Разговаривали охотно: мы понимали друг друга полностью. В этом незабываемом человеке я нашел тогда очень редкий экземпляр… художника, который мог видеть далеко за границы своего "хутора", который скорее внутренне, чем внешне, восстал против всех связывающих, сдерживающих традиций».

Франц Марк (1880–1916) Косули в снегу II. 1911. Холст, масло. 84,7x84,5

Тема животных получает развитие в творчестве Франца Марка с 1907. Он даже исполнил несколько скульптур, где подробно остановился на анатомических особенностях зверей. В живописных полотнах мастер поднимает вопрос взаимодействия животных с человеком и природой. Для художника они олицетворяли духовные идеалы. Марк разделял мнение многих людей того времени о нравственной и моральной чистоте существ, находящихся в «естественном состоянии», то есть примитивных народов и зверей. Эта романтическая точка зрения была очень популярна в связи с усталостью западноевропейского человека от давления цивилизации, высокоразвитого общества. Через примитив художники стремились очистить свои эмоции и взгляды от культурных стереотипов.

Для Марка такими проводниками в мир природной естественности и нравственности стали животные. Он начал создавать картины, которые причудливо соединяли живописные новшества с целостной и гармоничной атмосферой мира зверей. Так и в представленном полотне обращают на себя внимание фантастические цвет и отсвет снега. Косули написаны лаконично, но реалистично. На фоне художественно переосмысленного снежного покрова эти создания становятся символами уединенной, аскетичной и суровой жизни в лесу. Вот что говорил о картинах Марка его друг и коллега Василий Кандинский: «Он никогда не тонул в деталях, и для него животное всегда представлялось одним из элементов всеобщего, порой даже не самым существенным. Он "конструировал" картину как художник, а не как "рассказчик". И это являлось причиной того, что он никогда не был "анималистом". Он всегда вдохновлялся великим органическим целым, так сказать природой в общем. Тут лежит объяснение оригинальности мира, создаваемого Марком, который другие безуспешно пытались повторить».

Франц Марк (1880–1916) Синий конь I. 1911. Холст, масло. 11 2x84,5

Перед зрителем — произведение сформировавшегося авторского стиля Франца Марка. Сила притягательности картин мастера — в цельности образа животных. Композиция построена очень крепко, пространство буквально иррадиирует (светится) неземной силой. Гордое животное показано вне бытового, земного, обыденного контекста. За конем — сияющие массы то ли земли, то ли облаков. Живописец работает красной, фиолетовой, сиреневой, голубой, синей, желтой и зеленой красками. Цветные объемы не создают контраст, а, словно кристаллы, вырастают друг подле друга. Животное напоминает могучего исполина, оно будто идол, которому поклонялись древние.

Франц Марк (1880–1916) Красный и синий кони 1912. Холст, темпера. 26,3x34,3

Излюбленной темой Франца Марка становились лошади (красные, синие, зеленые, желтые), он изображал их на фоне условных пейзажей. Под воздействием кубизма мастер обострял форму, предельно уплотнял и ритмизировал объемы. Как уже было сказано, художник пытался очистить свое видение от гнета условностей и стремился взглянуть на мир глазами животных: смелых, сильных, цельных существ. Марк, как и его друг Василий Кандинский, разрабатывал собственную символику цвета. Так, синий для него означал мужественность, твердость и духовность. Живописец делился своими мыслями в письмах: «Разве есть для художника что-либо более таинственное, чем отражение природы в глазах зверя? Как видят мир лошадь или орел, косуля или собака? Как бедна и бездушна наша идея помещать животных в ландшафт, который видят наши глаза, вместо того, чтобы проникнуть в их души».

Эта работа показывает постепенную эволюцию в творческой манере автора. Черты животных все больше обобщаются, в них все меньше деталей, природных, плавных черт и выраженных мускул. Склоненные покорно головы призваны отразить духовный аспект бытия этих существ: они страдают, но терпят, не жалуясь. Интересно, что в произведениях Марка почти не были представлены конкуренция, борьба животных, преследование и охота. Звери изображены в условном, идеальном мире. Абстрактный ритм и уход от реалистической трактовки находились под знаком двух крупных творческих течений: кубизма и абстракционизма. Они позволяют художнику добиться большей слитности композиций. Животные и дома в городе словно состоят из одних и тех же элементов, они — единое целое.

Франц Марк (1880–1916) Косуля в лесу II. 1912. Холст, масло. 110x81

Работы Франца Марка 1911–1916 стали классикой искусства XX века. С 1912 колористическая гамма становится ограниченной, мастер отдает предпочтение всего нескольким цветам — красному, синему, желтому и зеленому. Каждый из них, по мнению художника, имел определенный смысл. Синий, как уже было сказано, символизировал мужественность, желтый — женственность и чувствительность, а красный олицетворял тяжесть и земное начало.

Здесь изображен укромный уголок фантастического леса. Свернувшись, у мощных вековых деревьев спит желтая косуля. Пространство приобретает все большую слитность, цельность, сплавленность элементов, мастер добивается потрясающей интенсивности внутренней энергетики.

Франц Марк (1880–1916) Тигр 1912. Холст, масло. 115x101,5

Друзьям Франц Марк писал: «Мои цели не лежат преимущественно в области анималистики… Я пытаюсь усилить свое ощущение органического ритма всех вещей, пытаюсь пантеистически прочувствовать дрожь и течение крови в природе, в деревьях, в животных, в воздухе». Перед зрителем — одна из самых известных работ мастера. Изображение, как было характерно для него, состоит из сложных нагромождений. Тигр и заросли исполнены в манере кубизма, созданы из геометризированных объемов. Марк еще сильнее трансформирует реальный образ, «разлагает» его на элементы. Контур животного обведен зигзагами и ломанными линиями. С точки зрения живописного мастерства работы Марка отвечали идеалам, к которым стремились многие новаторы, в том числе Василий Кандинский. Он добился потрясающей гармонии формы и цвета, принципа «внутренней необходимости», при нем в композиции нет лишних деталей и нарочитых приемов.

Франц Марк (1880–1916) Во время дождя 1912. Холст, масло. 81x105,5

Франц Марк — художник исполинских сил Вселенной. Он верил, что искусство является «мостом, ведущим в мир духов». Воспитанный в строгой религиозной семье, живописец по христианской традиции считал человека глубоко греховным существом, чей удел — молить Бога о прощении. Он говорил так: «Животные мне казались красивее и чище; нечестивый человек не волновал моих чувств».

Возможности кубизма достигают в представленной работе предельного уровня синтеза с фигуративным сюжетом. Мастер добивается слитности пространства в виде своеобразных «напластований» и «срезов» его элементов. Марк воспроизводит стену дождя. Природа предстает в виде единого организма, а условные цвета, полное отсутствие какого-либо намека на воздушную среду делают эту картину живописным символом самоощущения мастера. Колористическая гамма становится еще более выверенной: в основном использованы красный и зеленый, контрастное сочетание которых создает мир, далекий от реальности. В искаженном водяной стеной пространстве при помощи оттенков голубого, желтого, зеленого и оранжевого Марк пишет эту почти жанровую сценку. Можно разглядеть реальную основу произведения: мужчина и женщина идут по парку или лесу со своей собакой. Она обогнала их и обернулась в ожидании. Фантазия автора делает из этой бытовой сцены нереальную картину, где каждый, даже самый маленький элемент вырастает до гигантских масштабов. Он «строит» собственный мир видений, ощущений, воспоминаний и образов, полагаясь на внутреннее чутье художника. Интенсивный колорит, виртуозное мастерство композиционного решения позволяют многим зрителям разделить с Марком его визионерские откровения.

Франц Марк (1880–1916) Обезьянка 1912. Холст, масло. 70,4x100

Палитрой данная работа Франца Марка похожа на рассмотренную ранее. С помощью нескольких цветов мастер добивается интенсивности и выразительности этой сцены в лесу. Посреди пышной зелени, на красно-золотом дереве, сидит маленькая обезьянка. Она затеряна в огромном мире природы, вокруг — гигантские цветы и плоды. Как уже говорилось, художник стремился смотреть на мир глазами животных, разделял идею естественности и нравственности их существования. «Наивный взгляд на мир» детей, животных, неевропейских народов стал важной областью экспериментов и анализа для творцов первого десятилетия XX века. Чем можно объяснить такой настойчивый интерес к наивному искусству? До XX столетия Запад не раз переживал критику и разочарование в рационализме: самый яркий пример — Жан-Жак Руссо и его идеал первобытного человека. Искусство откликнулось японизмами и экзотизмами начала XIX века, а также мощной волной интереса к экзотическим странам: Япония, Китай, Африка. В XX столетии кумирами художников стали Поль Гоген, Пабло Пикассо, Анри Матисс, все они так или иначе органично впитали экзотические и примитивные культуры. Марк провозглашал, что все мистические элементы, рождающиеся в душе, суть древнейшие элементы искусства, именно «"примитивные" закладывали основы долгого развития искусств». Для многих художников абстракционизм, кубизм, современное искусство в целом были связаны с примитивом как общим источников духовности.

Нужно отметить, что незадолго до своей трагической смерти на фронте Первой мировой войны Франц Марк разочаровался в мире животных как носителе духовной чистоты и наивности. Работы последних лет отмечены более темным колоритом и острыми, трагическими композициями.

Франц Марк (1880–1916) Черно-коричневая лошадь и желтый бык 1913. Золотая бумага, акварель. 14x9

Перед зрителем — небольшой рисунок Франца Марка на открытке, предназначавшейся коллеге и другу художника Альфреду Кубину. Акварельными красками мастер изобразил лошадь и быка. С помощью золотой бумаги он сделал аппликации стволов, усложнив фактуру произведения. Животные, как всегда в творчестве автора, показаны мирными, чуть меланхоличными. Их органическая слитность с окружающим миром видна даже в этой, созданной для развлечения работе.

Франц Марк (1880–1916) Голубь 1914, Холст, масло. 109x100

Эта работа Франца Марка написана на пределе фигуративности: острые крылья голубя, его полет слиты с кристаллическими массами пространства. Художник экспериментирует с передачей времени и пространства. Птица изображена дважды: летящей и сидящей на неком уступе. Все остальная композиция — это мощные своеобразные взрывы цвета. В нижней части картины угадываются геометрические силуэты города. Марк совмещает внешний вид голубя (полет) и его самоощущение — толщи воздуха и света вокруг, которые образуют не только реальное пространство, но и пространство для воспоминаний, отдельных фрагментов и образов. Сцена приобретает фантастический характер — сновидения или реальности, недоступной человеку.

Август Маке и Пауль Клее

Август Маке. Турецкое кафе II. 1914

Август Маке (1887–1914) Портрет Бернхарда Кёллера 1910. Холст, масло. 63,5x41

Август Маке считается одним из ведущих представителей немецкого экспрессионизма. Вместе с Василием Кандинским, Францем Марком, Габриэль Мюнтер, Марианной Веревкиной и Алексеем Явленским он был активным участником группы «Синий всадник».

Это портрет написан в стиле постимпрессионизма. Художник мастерски моделирует пространство: голова персонажа производит впечатление визуально объемной, почти скульптурной и одновременно вызывающе плоскостной из-за авторской интерпретации светотени. Он создал портрет своего друга и многолетнего мецената — богатого промышленника Бернхарда Кёллера, консультировал покровителя по поводу вложений в искусство. В коллекции Кёллера осталось множество картин творца и его единомышленников из «Синего всадника». Сейчас это собрание передано галерее Ленбаххаус.

Август Маке (1887–1914) Цветы в саду. Кливия и герань 1911. Холст, масло. 90x71,5

Творчество Августа Маке отмечено разносторонними исканиями, за недолгую жизнь мастер попробовал себя во многих современных стилях. Он, как и его друг и коллега Франц Марк, трагически погиб на фронтах Первой мировой войны. Живописцу было всего 27 лет.

Этот уголок сада нарисован в традиции интереса художников первой половины XX века к почти случайным фрагментам окружающего мира. Автор не стремится реалистически передать природу, ему важна цветовая плотность видимого пространства. Мастер не пишет световоздушную перспективу, предельно обобщает формы, избегает дробности в объемах. Получилось монументальное полотно, в котором садовые цветы подняты до уровня символов.

Август Маке (1887–1914) Наша улица в сером 1911. Холст, масло. 80x57,5

На этом полотне немецкого художника Августа Маке изображен скромный урбанистический пейзаж. Мастер, как и многие живописцы первого десятилетия XX века, создавал совсем простые сюжеты из повседневности, они не требуют глубокомысленного анализа, скорее, направлены на передачу настроения автора. Перед зрителем — вид на улицу из мастерской Маке. Дома, прохожие, лошадь, фонари написаны нарочито примитивно. Художника привлекла пасмурная атмосфера города и световые эффекты, которые связаны с ней. На светящемся сером ярко выделяются оранжевые, красные и желтые блики. С помощью серого, белого и желтого творцу удалось воссоздать холодную и ненастную погоду.

Август Маке (1887–1914) Прогулка на мосту 1913. Картон, масло. 24,7x30,2

Август Маке прошел в своем творчестве через несколько важных периодов. С 1904 он начал экспериментировать с цветом, интересоваться искусством символистов. Позже молодой художник открыл для себя импрессионистов, которые были не очень известны в Германии. В 1907 он попал под влияние Анри Матисса, а с 1909 в его работах видно знакомство с творчеством Поля Сезанна. Все перечисленные мастера являлись яркими экспериментаторами в области цвета и формы.

Важной переменой в исканиях Маке был отмечен 1912. Он познакомился с искусством кубизма и футуризма. Объемы уплотняются, они становятся своего рода структурными единицами пространства. Художник писал: «Человек выражает жизнь в формах, форма выражает внутреннюю жизнь», «через форму можно добраться до общего единства». Геометризированные, визуально осязаемые скульптурные объемы кубизма, искажение пространства в русле новых открытий физики (теории Альберта Энштейна) — все это позволяло мастеру искать новые принципы соотношения цвета и формы.

Городская жизнь: прогулки, бульвары, сады, рестораны — были типичными мотивами в творчестве Маке. Так, и на представленной картине изображена прогулка на мосту. Мастер не рисует лиц, он сводит реальные образы людей к однообразным, геометризированным цветным формам. Художник хочет передать внутренний ритм жизни, отвлеченные объемы и краски, которые можно увидеть любому, если намеренно отказаться от случайных впечатлений.

Август Маке (1887–1914) Магазин шляп 1913. Холст, масло. 54,5x44

Задачей авангардистов (к которым относился и Август Маке) было, как тогда говорили, «делание» реальности. Эта задача могла быть выполнена определенными художественными средствами: структурированием пространства, предельной схематизацией образов, выявлением внутреннего ритма окружающего мира, работой с цветом. Так и на данной картине мастер рисует простую городскую сценку: дама остановилась у витрины со шляпами. Он выявляет закономерности осей пространства, «рифмует» объемы человеческого тела с неодушевленными предметами. Автор конструирует особый, далекий от обыденной реальности мир живописца-философа.

Пауль Клее (1879–1940) Фён в саду Франца Марка 1915. Картон, бумага, акварель, клей. 20x15

Эта небольшая акварельная картина принадлежит кисти одного из самых известных творцов XX века, немецко-швейцарского художника Пауля Клее. Его абстракции — знаковые работы для истории современной европейской живописи. Мастер повлиял на развитие таких направлений, как экспрессионизм, кубизм и сюрреализм. Он являлся не только художником, но и теоретиком и преподавателем искусства.

В 1898 Клее начал учиться в Мюнхене у символиста Франца фон Штука. Рисунок давался ему хорошо, но колорит, чувство цвета были его слабым местом. Живописец направил все силы на устранение недостатков. Прорыв произошел во время путешествия в Тунис в 1914. Данная работа демонстрирует абстракционистское направление в творчестве Клее и его упоение цветом. При очень отдаленном сходстве с реальными контурами сада и дома мастер «организует» видимое пространство в геометрически выверенные зигзагообразные волны цветовых фрагментов.

Пауль клее (1879–1940) Город Р 1919. Картон, акварель. 16,5x22

Творческое наследие Пауля Клее насчитывает около 9000 работ. После путешествия в Тунис в 1914, когда мастеру отрылись тайны цвета, он начинал писать абстракции, основанные на ритмическом структурировании колористических элементов. Разноцветные прямоугольники становятся основным средством работы Клее. Он выстраивает ритмичные, полностью отвлеченные композиции на манер музыкальных произведений. В этом проявляется его близость с Василием Кандинским. Вместе они состояли в группе «Синий всадник», а позже, в 1920-е, преподавали в передовой школе XX века — Баухаусе.

Нужно отметить, что стиль Клее не может быть сведен к магистральным направлениям в художественном процессе того времени. Он создал собственную авторскую систему, которая активно влияла на других. Мастеру хотелось добиться музыкальности и непосредственности своих произведений. Для него творчество — не отображение, а «делание видимого». В этой работе представлен концентрированный образ города. Задача художника — не создать его вид, а выполнить своеобразную карту, записать, как говорили многие авангардисты, «формулу» города. Так он становился не подражателем, а творцом. В условно и предельно геометризированно написанные дома вводятся буквы, знаки препинания, смысловым контрастом звучит фрагмент голубого неба. Это работа не повествование, а коллаж-воспоминание, обрывки ассоциаций и образов, которые будто проплывают перед внутренним взором человека.

Живопись 1920-1930-х годов

Макс Радлер. Большой поезд. 1935

Альфред Кубин (1877–1959) Атака баварцев 1918. Бумага, тушь, акварель. 22,5x22,5

Перед зрителем — работа Альфреда Кубина экспрессионистского периода. Мастеру всегда был свойственен интерес к самым темным, мрачным и драматическим сторонам жизни. Судьба приготовила ему горький урок — в 1914 началась Первая мировая война. Друзья творца, члены группы «Синий всадник» Франц Марк и Август Маке, погибли. Ему самому довелось участвовать в боях, Кубин трижды был ранен. Военные события добавили художнику материала для раздумий, он творчески преобразовал его в живопись и графику. На фронте мастер вел дневники, в них размышлял о потоке ненависти, страха, мужества и упорства, с которыми человек сталкивается на войне. Отвага и ужас, геройство и трусость, сила и слабость — все эти качества соседствуют в одной душе, в каждом человеке, сводя его с ума.

Парадоксальные ощущения лучше всего давались экспрессионистам, искажавшим реальность под воздействием сильнейших эмоциональных состояний. У Кубина получилась почти карикатурная работа, которая в действительности, скорее, показывает абсурд военной реальности. У творца нет намерения высмеять сражающихся, он стремится передать искаженное страхом видение происходящей бойни. Лица солдат и офицеров нарисованы, как маски монстров, которые вселяют одновременно ужас и брезгливость. Лист выполнен в серозеленом колорите — гамме военной формы. Лишь красные пятна шейных платков служат акцентами в однотипной массе.

После демобилизации из армии, в 1915, Кубин погрузился в философские работы таких ученых, как Эммануил Кант и Фридрих Ницше. Он пытался переосмыслить происходящую несправедливость и ужасы войны. В 1916 наступил переломный момент в жизни мастера, он открыл для себя буддизм. Целью творческих и личных поисков становятся достижение гармонии, попытки примирить раздирающие человека противоречия.

Вилли Гейгер (1878–1971) Портрет композитора Ганца Пфицнера 1923. Холст, масло. 65,5x51,5

Немецкий живописец Вилли Гейгер занимался в Мюнхенской академии художеств у Франца фон Штука, после учебы был премирован поездкой по центрам мировой художественной культуры, побывал в Испании, Италии и Северной Африке. Он много копировал полотна великих испанских мастеров, таких как Гойя, Веласкес и Эль Греко, под их влиянием посвятил себя портретной живописи.

Эта картина наследует колорит и пропорции произведений Эль Греко. При документальном сходстве Гейгер гипертрофированно трактует пространство и руки композитора. Эта часть тела традиционно символизировала спиритуальность героя. Автор хочет подчеркнуть высокую миссию Пфицнера, его увлеченность работой, горение духа.

Рудольф Шлихтер (1890–1955) Портрет Бертольда Брехта 1926. Холст, масло. 75,5x46

Рудольф Шлихтер — важнейший представитель немецкого художественного направления 1920-х «Новая вещественность». Мастер работал на стыке реализма, постимпрессионизма, экспрессионизма и сюрреализма. Правильнее было бы перевести название течения как «Новая объективность»: творцы на грани экспрессионизма и сюрреализма рисовали людей и сцены. Интенсивность красок, чрезвычайная плотность живописного слоя и натуралистичность линий придавали полотнам ощущение фантасмагоричной, жутковатой реальности и осязаемости. Художники противопоставляли себя традиции, идущей от импрессионизма и символизма, когда предметы словно растворяются в образной или цветовой атмосфере.

Эдгар Энде (1901–1965) Возбужденные 1929. Холст, масло. 100x135

Эдгар Энде — один из важнейших представителей сюрреализма в Германии. Он оказал значительное влияние на своего сына, писателя Михаэля Энде, самым известным русскому читателю произведением которого является «Бесконечная история». Художник создал за свою жизнь около 1200 работ. Большая их часть погибла в 1944–1945 во время бомбежки Мюнхена. Творчество Энде отмечено визионерскими и фантасмагорическими темами. Он никогда не стремился подражать определенному стилю, манеру ему диктовали видения и фантазии. Мастер зарисовывал многочисленные образы, которые приходили в голову. Постепенно рождались полноценные картины. Многие идеи автор использовал лишь годы спустя.

Все его полотна, в том числе данное, передают в разнообразных сценах и декорациях символические состояния человека, особенно такие, которые невозможно воплотить аллегорией или описать словами. Так, на этой картине представлена в классической скульптурной позе Венеры молодая обнаженная девушка. Она, как следует из названия, стала объектом вожделения массы мужчин. Они находятся в своеобразном загоне, напоминающем балюстраду в парке. Мастер использует классический образ купающейся женщины, на веревке между столбов висит полотенце. Мужчины — зрители этого омовения. Правда, вместо воды в тазу — младенец, служанка поддерживает его. Возможно, это — рождение, возможно, какие-либо аллюзии на ветхозаветные сюжеты. Фантастические и парадоксальные образы Энде шокировали и удивляли публику.

Макс Радлер (1904–1971) Радиослушатель 1930. Холст, масло. 63x49

Немецкий живописец Макс Радлер по первому образованию был художником-декоратором. В 1923 он поселился в Мюнхене и учился в школе у одного из знаменитых представителей «Новой вещественности» Георга Шримпфа. Радлер воспринял стиль наставника. В 1930 он присоединился к авангардистской и провокационной группе молодых художников-экспрессионистов из Берлина.

Представленная работа показывает одно из характерных направлений «Новой вещественности» — мастера предпочитали творить на темы современной техники. Смысл картины — в идолоподобном образе радиослушателя, он — символ наступившей технократической цивилизации.

Александр Канольдт (1881–1939) Кройцйох 1931. Холст, масло. 61,5x75,8

Александр Канольдт — немецкий художник, представитель «Новой вещественности» и магического реализма. В этих направлениях каждый предмет или фигура становились символом реальности, являлись олицетворением действительности. Натуралистично или даже гиперреалистично написанные вещи парадоксальным образом превращались в знаки потусторонней реальности.

Здесь мастер изобразил одну из гор Баварии. Этот небольшой панорамный фрагмент гряды словно застыл в некоем невидимом зрителю пространстве. Безмолвные вершины впечатляют монументальностью.

Канольдт входил в круг художников «Синего всадника». В 1913 он вместе с такими мастерами, как Алексей Явленский, Пауль Клее и Владимир Бехтеев, основал Новый мюнхенский Сецессион. После участия в Первой мировой войне живописец сблизился с Георгом Шримпфом, представителем «Новой вещественности». В 1932 Канольдт вступил в национал-социалистическую партию Германии, его пригласили преподавать в Прусской академии искусств. Творец изменил свой стиль в угоду новым вкусам — писал романтические полотна. Несмотря на сотрудничество с гитлеровской властью, его полотна в Германии были объявлены относящимися к дегенеративному искусству, в 1937 сняты с экспозиций и конфискованы. Спустя многие десятилетия наследие этого, безусловно, талантливого, но неоднозначного мастера вновь привлекло внимание специалистов и любителей искусства.

Франц фон Ленбах. Араб-бедуин. 1876. Фрагмент

Следующий том

Крупнейшее художественное собрание Швеции — Национальный музей в Стокгольме — хранит около 16 000 картин и скульптурных произведений, 30 000 предметов декоративно-прикладного искусства. Наиболее широко музей знакомит с творчеством шведских мастеров, однако в его экспозиции представлены также полотна выдающихся европейских живописцев — Рубенса, Тьеполо, Эль Греко, Гойи, Пуссена, Буше, Шардена, Рейнольдса, Сезанна, Писсарро, Мане, Ренуара и многих других художников.

Content

М. Силина
Галерея Ленбаххаус Мюнхен

Мюнхенские живописцы

Василий Кандинский

Габриэль Мюнтер и Алексей Явленский

Франц Марк

Август Маке и Пауль Клее

Живопись 1920-1930-х годов