Юлий Штольц

STOLZ о дизайне и пути современного искусства

Введение

Книга, которую вы решили прочитать, является сборником заметок трехлетней работы. Заметки писались, редактировались и миллион раз переписывались. Многим не нравится читать введение, но всё же. Данная книга создана в помощь людям, у которых возникает необъятный интерес. Интерес, связанный с вопросом дизайна и искусства. Как дизайнер или художник становится тем или иным представителем своей профессии? Какой жизненный путь он проходит? Есть ли что-либо общее в пути искусства и дизайна, возможно ли нам его повторить? Если вы дизайнер, художник или иллюстратор, надеюсь вас, как и меня, часто беспокоят эти вопросы. Книга создавалась для чтения в свободное время и для возможности подтянуть основы дизайн знаний в базовых направлениях. Мы – команда людей, которая работала над книгой, не претендуем на уникальность, точность и обширность знаний в этом вопросе. Хотя, я очень сильно старался не допустить хронологических, пунктуационных и теоретических ошибок. И мы всё же люди, и возможно нам свойственно ошибаться, в случае чего извините нас. Если не кривить душой, данный проект затратил много нашего времени, средств и сил. Не скупитесь на лестные отзывы и сарафанное продвижение книги, делитесь ей. Всё это возможно позволит мне и команде улучшить качество и обширность этой книги, и создать другие аналогичные проекты.

Англия

Джонатан Айв · Дизайнер

Промышленный дизайнер, которого не интересует прибыль. Простота устройств, навеянная немецкой школой дизайна и Дитером Рамсом.

Биография

27 февраля 1967 года родился в районе Чингфорд города Лондон, графства Эссекс, где и провёл своё детство. Всю жизнь “сходит с ума” по дизайну немецкого дизайнера Дитера Рамса.

Дитер Рамс – немецкий промышленный дизайнер, ведущий дизайнер фирмы Braun с 1962 по 1995, представитель школы функционализма в промышленном дизайне.

Рядовой пользователь популярной техники от Apple и не подозревает, что столь инновационным дизайном своего Apple Ipod, обязан именно Джонатану Айву. Кто он такой и почему даже Стив Джобс доверился его мнению?

Краткая история до работы в Apple

Уже в процессе учёбы, дизайнер Джонатан Айв разрабатывал и выпускал некоторые личные проекты. К этому можно и стоит отнести “обычные” часы и как бы странно в то время это не звучало, тонкие телефоны (ныне смартфоны).

Он начертил и виртуально создал систему туалетов, которые включали в себя биде, но заказчик чертежи не принял ввиду высокой себестоимости производства данных девайсов.

Путь дизайна Джони Айва

В 1985 году изучал современный дизайн и искусство в Политехническом институте Ньюкасла, ныне Нортумбрийский университет. В 1987 году женился на Хизер Пегг. Сейчас у них двое сыновей-близнецов.

1989 год, Джонатан работает в фирме Tangerine, где создает дизайн расчесок, а также различной сантехники. Попутно работает на Apple и становится совладельцем фирмы Tangerine Design.

Tangerine – агентство по консультированию в вопросах стратегического дизайна, созданием инновационных продуктов, разработка стратегии для брендов.

Джонатан окончательно прощается с компанией сантехники и в 1992 году посвящает себя полноценной работе с Apple. Переезжает в Сан-Франциско, чтобы стать дизайнером в Apple Inc.

Существовал момент, когда дизайнер чуть не ушёл из компании – он считал, что Apple интересует лишь прибыль, а это шло вразрез с его взглядами на жизнь. Спасло ситуацию возвращение Стива Джобса, с целью поднять планку качества.

Возвращение Стива Джобса в компанию Apple состоялось в 1996 году.

Не более 5 лет потребовалось этому человеку, чтобы сделать переворот, в привычном понимании дизайна. Далее в карьере его ждали лишь стремительные подъемы.

В 1997 становится вице-президентом промышленного дизайна Apple Inc., заменив Роберта Бруннера, за рекомендацией последнего.

Роберт Бруннер – американский промышленный дизайнер. Бруннер был директором по промышленному дизайну Apple Computer с 1989 по 1996 год и является основателем и действующим партнером Ammunition Design Group.

Взгляд на дизайн

Джонатан много раз повествовал о том, что на дизайн смотрят слишком изощренно. Он видел в простоте и минимализме главные преимущества – практичность и стиль. Именно он придерживается фразы «меньше – значит больше», когда работает над проектами.

Джонатан Айв – создатель «белово» направления в дизайне. Именно он ввёл в популярность все устройства, цвет которых неизменно оставался белым. Это объясняется и его ранними работами ещё на месте учебы: большинство его моделей всегда были белого цвета.

В 1998 представил оригинальный iMac. Философия этого дизайнера распространялась и на качество продукции. Он не признавал проектирование ради прибыли, отдавая предпочтение работе над дизайном, как нечто большее, чем заработок денег.

В 1999 представил Apple iBook, 22″ Cinema Display, PowerMac G4 Tower и iSub.

Чем Джонатан выделяется среди всех?

Чего можно ожидать от человека, который зарабатывает огромную сумму денег, занимаясь своим любимым делом? Будучи столь известным человеком, главный дизайнер Apple обладает скромностью и скрытностью.

Джонатан умалчивает ответы на вопросы журналистов о личной жизни.

Джонатан – единственный в команде Apple, кого Стив Джобс считал не только незаменимым сотрудником, но и хорошим другом, с которым можно обсудить проблему и найти подходящее решение. Несмотря на мелкие разногласия, их дружба всегда находила силы держаться на высоком уровне.

Jonathan Paul «Jony» Ive продуктовый дизайнер, почти легенда. Я всегда вижу в работах Джонни отголоски Дитера Рамса. В связи с этим сложно отделить его истинную особенность от немецкой школы Рамса. Поэтому отмечу, Джонатан Айв поднял с колен дизайн ребят из Купертино – не более.

Стив Джобс умер в 5 октября 2011 году.

Чтобы окончательно укрепить выдающиеся черты характера этого человека, стоит вспомнить один факт: дизайнер отказывается от любых технических аспектов управления компанией.

Его часто спрашивают о карьерном росте и перспективах на будущее – Джонатан неизменно отвечает, что его не интересует управление компанией или финансовой составляющей.

Айва не заботят деньги. Этот человек – основатель простого дизайна, который перевернул развитие технологий в другую сторону.

Ник Бакс · Дизайнер

Дизайнер из Англии, который создал одну из сильнейших студий в направлении графический дизайн. Его навыки и знания в графическом дизайне потрясающие.

Ник сегодня – автор многочисленных дизайнерских проектов, автор бесчисленного множества работ. В настоящее время, он основал студию Human studio и собрал в большое число многопрофильных дизайнеров, которые работают над самыми разными проектами.

Human studio – креативное агентство с глобальными знаниями в области дизайна, цифровых технологий, компьютерной графики и движущихся изображений с 2007 года.

Human studio, наверно, одна из самых необычных студий графического дизайна, благодаря интересам основателя студии. Nick Bax создал полный цикл работ, для воплощения своей мечты – создание интересного и сложного дизайн пути потребителя.

Биография

Графический дизайнер Ник Бакс родился в 1970 году и рос в крупном Английском городе Хаддерсфилд. Проходил обучение в общеобразовательной школе Мальтби.

Хорошая успеваемость привела парня в Ротеремский колледж искусств и технологий. Там он начал изучать различные виды искусства, постепенно находя в дизайне себя. Обучение проходило с 1986 года и составило два года.

Ротеремский колледж искусств и технологий – колледж дальнейшего образования в Ротереме, Южный Йоркшир, Англия. Он был основан как школа науки и искусства Ротерема в 19 веке.

Далее Ник Бакс учится графическому дизайну в Школе искусств Северного Эссекса. Обучение также составляет два года, после чего Ник начинает искать работу.

В этот период жизни, наиболее сильно на будущего дизайнера влияют истории различных людей, которые связали свою жизнь с графикой. Всё больше тянет Ника создать нечто собственное и уникальное, из-за чего он принимает решение продолжить обучение самостоятельно, путём саморазвития.

The Designers Republic

Сразу после окончания обучения, становится членом команды студии графического дизайна The Designers Republic. В процессе участия активно помогает развить команду и, благодаря его усилиям, студия укрепляется, как одна из самых влиятельных компаний в мире.

The Designers Republic – британская студия графического дизайна, базирующаяся в Шеффилде, Англия, основанная в 1986 году Ианом Андерсоном и Ником Филлипсом.

Студия специализируется на создании музыкальных обложек. В содружестве с коллективом создавал обложки и логотипы многим известным группам.

В 1992 году дизайнер Ник Бакс был принят на работу в Mainartery. За год ему удается создать много проектов. Он делал дизайн для музыкантов, которые подписывали контракты с Sony, EMI.

EMI – британская многоотраслевая компания, известная в первую очередь своей медиагруппой, была одной из крупнейших звукозаписывающих компаний мира. Штаб-квартира размещается в Лондоне.

Самое продолжительное время, дизайнер работает в Республике дизайнеров (1993–2007). Этот период является самым плодовитым, в плане создания проектов. Ник разрабатывает обложки для звукозаписывающих компаний и для известных художников.

И так же успел создать обложку для популярных игр Grand Theft Auto и Wipeout. Ребрендинг телеканала Nickelodeon был доверен именно этому графическому дизайнеру.

Чем дизайнер занят сегодня?

С 2007 года Ник Бакс работает в своей студии, регулярно создавая уникальные дизайнерские решения. Много работ команды, выставляются по всему миру! Заказы делали и такие компании, как MTV и Kilgour. Большой круг исполнителей музыки, также работал со студией Ника.

Охват видов работ ошеломляет! Помимо создания аудиоэффектов, 3D печати в совокупности с анимацией и различных логотипов для исполнителей музыки, команда дизайнеров во главе с Ником успевает выставляться во многих выставках. Работы можно видеть также на известных дизайнерских веб-сайтах, время от времени.

Дизайнер Ник Бакс весьма многопрофильный. Он создал множество проектов, которые лишь косвенно касались дизайна. Однако, помимо этого, его знания в графическом дизайне потрясающие. Он осведомлен о новых новостях в мире графики и всегда тщательно изучает новую информацию.

Дорра Бетти · Иллюстратор

Иллюстратор, уникальный дизайн, руководитель школы. Женщина иллюстратор, которая изменила эпоху и стала одним из лучших дизайнеров своего времени.

Британский дизайнер, работающий в направлении: иллюстрация, дизайн плаката, керамика, дизайн текстиля.

Биография

Родилась в 1891 году в Британском городе Колчестер. Была младшей из 3 сестёр преподобного Томаса Бэтти и Элизабет Кук Хопвуд Бэтти. Отец всю жизнь работал пастором в Конгрегационной Часовне Стоквелла и относил себя к конгрегационализму.

Детство прошло непримечательно, девушка жила в достатке и выросла с достойным воспитанием. Уже в юном возрасте она хотела связать свою профессию с созданием иллюстраций.

Конгрегационализм (Конгрегациональная церковь) (англ. Congregational church; индепенденты, предводитель: Оливер Кромвель) – радикальная ветвь английского кальвинизма, утверждавшая автономию (англ. Independence) каждой поместной общины (конгрегации).

Учеба давалась будущему дизайнеру без труда, и уже в подростковом возрасте её ум занимал всевозможный дизайн. Дора с отличием закончила Шеллсфордскую школу науки и искусства, где была удостоена звания «призовой ученик» за выдающиеся успехи в процессе обучения. Таким образом, перед выпускником открылись возможности взять несколько проектов в работу и применить полученные знания в создании простых логотипов. Отсюда и начался период продолжительной дизайнерской деятельности Доры Маргарет Бэтти.

Творческий период

Сама по себе идея стать дизайнером девушке в 1920 годах была не лучшим решением, в этот временной промежуток к такому выбору относились с недовольством. Именно из-за этого Дора претерпевала давление со стороны публики, однако работать продолжила именно в своём стиле и не изменила курса своих работ.

Женщину в то время не рассматривали как возможного исполнителя сложных проектов, однако заслуга Доры в том, что она заработала положительную репутацию как дизайнер и была автором многих масштабных проектов. Именно так ей удалось развить равноправие женщин и мужчин в дизайне.

Направление работ девушки:

Создание плакатов; Различные иллюстрации; Работа с керамическими изделиями и нанесение на них иллюстраций; Разработка и создание дизайна для текстиля.

По достижению 30 лет девушка начинает выполнять дизайнерские проекты. Следующие 17 лет она посвятила созданию различных дизайнов, число которых в сумме превысило 50. Выполняла она заказы для Underground Group и London Transport. Какое-то время работала книжным иллюстратором.

Из наиболее известных проектов Доры можно выделить:

Разработка дизайна для керамики известного гончарного бренда Poole Pottery; Создание дизайна ткани для бренда Helios; Дизайн для рыбных лавок Mac Fisheries.

Карьера

Начиная с 1932 года, дизайнер Дора Бэтти преподаёт в школе текстиля в центральной школе искусств и ремесел. Передаёт полученные в процессе саморазвития знания и вкладывает в юные умы много нового поколения.

Dora Margaret Batty женщина иллюстратор, которой пришлось менять восприятие чопорных англичан. Отношение к женщинам как к работникам в то время, скорее всего было не очень хорошим. Дора Бэтти заявила о себе – она женщина и она профессиональный иллюстратор. Стоит отметить, что она смогла потягаться с нездоровой конкуренцией мужчин на этом поприще.

В 1950 году, как отличительного человека и уникального дизайнера, её назначают руководителем школы. Само учреждение благодаря некоторым нововведениям, благополучно процветает. 1958 год – последний год преподавания, после чего женщина уходит в отставку. Подкрепляет свой уход тем фактом, что устала от работы преподавателем и начальником.

Женщина пребывала большую часть своей жизни в Лондоне, однако остаток жизни и смерть встречает в Эссексе в 1966 году.

Алан Флетчер · Дизайнер

Преподает в колледже искусств и публикует книги, в которых делится собственной историей графического дизайна и философскими размышлениями о нем.

Британский дизайнер-график Алан Джерард Флетчер (Alan Gerard Fletcher) назван «Дейли телеграф» наиболее уважаемым и одним из самых плодовитых дизайнеров своего поколения, который работал более 50 лет, никогда не останавливаясь. Флетчер обладал индивидуальным стилем, сочетающим элементы поп-культуры Америки и европейский минимализм.

«Дейли телеграф» – ежедневная британская газета, основанная в 1855 году. Одна из наиболее популярных и многотиражных газет в Великобритании наряду с The Times, The Guardian и The Independent. Средний ежедневный тираж составляет более 600 тыс. экземпляров.

Дизайн из Лондона

Алан Флетчер родился 27 сентября 1931 года в британской семье в Найроби, Кения, где его отец работал государственным служащим. Когда мальчику было всего 5 лет, отец неизлечимо заболел и Алана отправили жить к бабушке и дедушке в Лондон. В годы II мировой войны Флетчер учился в Хоршаме, в школе-интернате при больнице Христа.

Там мальчику пришлось носить форму, которую он позже назовет «поддержанным средневековым костюмом». Как и большинство его одноклассников, Флетчера ожидала карьера в банковской сфере, армии или церкви. Разумеется, ни для чего этого будущий дизайнер Алан Флетчер был абсолютно непригоден.

Алан Флетчер – британский графический дизайнер. Основал дизайнерскую компанию Fletcher | Forbes | Gill совместно с Колином Форбсом и Бобом Джиллом в 1962 году по 1965 год.

Путь дизайнера

В 1953 году он поступает в Центральную школу искусств, после окончания которой, ему удалось выиграть обучение в Королевском колледже искусств и даже получить там стипендию. Условием стипендии было посещение занятий в Йельском университете (США). Поэтому Флетчер поступает Йельский университет на факультет архитектуры.

Одним из ранних изданий дизайнера в 1963 году стала книга: «Графический дизайн: визуальное сравнение».

В эти годы будущий графический дизайнер формируется как творческая личность. Тут же происходят и судьбоносные знакомства. В Нью-Йорке он знакомится с педагогом и дизайнером Полом Рэндом и проходит практику у известных графических дизайнеров: Ивана Чермаева, Тома Гейсмара, Роберта Браунджона.

Лос-Анджелес и знакомство с американским дизайном

После окончания Университета Флетчер отправляется путешествовать в Латинскую Америку. Но в надежде заработать немного денег, останавливается в Лос-Анджелесе, где прямо с автобусной остановки звонит уже известному тогда дизайнеру-графику Солу Бассу и устраивается к нему помощником.

В результате этого сотрудничества Алан Флетчер получил возможность познакомиться с известными тогда американскими графическими дизайнерами, набраться у них опыта и новых идей.

Список известных клиентов включал Pirelli, Cunard, Penguin Books и Olivetti. Джилл оставил партнёров в 1965 году и был заменён на Тео Кросби, так что компания стала называться Crosby Fletcher Forbes.

Crosby Fletcher Forbes

Всего через год после возвращения в Англию, Алан Джерард Флетчер вместе со своим другом и бывшим одноклассником Колином Форбсом открывают в Лондоне собственную студию и вскоре, становятся самыми высокооплачиваемыми графическими дизайнерами в городе. Позже к ним присоединяется Тео Кросби, и студия получает название Crosby Fletcher Forbes. После того как в состав студии вошли еще некоторые партнеры, она получает название Pentagram и становится одной из самых знаменитых и авторитетных дизайн-студий.

Значительная часть работ Флетчера до сих пор активно используется. Логотип Reuters, составленный из 84 точек, который Флетчер создал в 1965 г., был изменен только в 1992 г.

В 1991 году после долгих лет плодотворного сотрудничества, Флетчер покидает компанию, продав свою долю в ней, и становится арт-директором издательства Phaidon.

Алан Жерар Флетчер создавал логотипы – направление в дизайне, которое может на долгие года увековечить имя создателя. Возможно, в принципе, заниматься логотипами и твой дизайн вспомнят через 10, 20 или 100 лет. Ведь всего один логотип может создать или уничтожить бизнес.

Также он активно преподает в Королевском колледже искусств и начинает публиковать свои книги, в которых делится собственной историей графического дизайна и философскими размышлениями о нем.

Алан Джерард Флетчер умер от рака 21 сентября 2006 г., у него остались жена и дочь.

За свою творческую жизнь Флетчер создал огромное количество логотипов, некоторые из которых используются до сих пор, например, логотипы для Института директоров и для Музея Виктории и Альберта.

В 2006–2007 гг. в Музее дизайна в Лондоне была организована выставка его работ, а также презентована книга «Picturing and Poeting», опубликованная посмертно. В последующие годы эта выставка в рамках тура побывала и в других галереях и музеях.

Джонатан Оливер · Иллюстратор

Посредством абсолютного минимализма он показывает окружающим ключевой момент интриги, при этом, совершенно не раскрывая сути сюжета.

Биография

Джонатан Оливер «Олли» Мосс (родился 24 января 1987) – английский художник-график, известен за переосмысление постеров к фильмам. Его работы регулярно участвуют в «Empire».

«Кинопремия Империя» – британская кинопремия, присуждаемая английским журналом о кинематографе Empire. Голосование происходит среди читателей.

Он окончил «University of Birmingham» в 2008 году, изучив литературу. Является постоянным гостем на сайтах «IGN UK» и «A Life Well Wasted».

IGN (ранее Imagine Games Network) – новостной и информационный веб-сайт, освещающий тематику компьютерных игр, сериалов и кинофильмов.

Сейчас, в 2018 году, он уже известен всему миру как дизайнер афиш, иллюстратор эпических и вызывающими интерес работ.

Большинство современных художников отзываются о молодом специалисте так: Джонатан Оливер – иллюстратор «от бога». Его талант перекрывает все возможные способности критиков омрачать великолепие созданной работы, одухотворенным красотой мира человеком.

Какими видят работы мастера зрители

Постеры, афиши, плакаты, заставки для игр – все это тематическое поле для именитого дизайнера. В его иллюстрациях много смысла заложено таким образом, чтобы зритель первым делом отметил для себя самую главную мысль проекта, над которым он работал, а затем перешли к осознанию общей сути фильма или игры.

Посредством абсолютного минимализма он показывает окружающим ключевой момент интриги, при этом, совершенно не раскрывая сути сюжета! Уметь «завести» толпу своим рисунком, не каждому дизайнеру это удается.

Джонатан Оливер «Олли» Мосс не относится к массовке, его талант давно выделен обществом, как «особенный» и поэтому работы иллюстратора пользуются спросом.

Кто заказывает работы

Работы Джонатана заказывают разработчики онлайн игр, которые хотят внести интригу в сознание людей своей новой игрой, повысить их интерес к товару, не раскрывая карт.

У Олли заказывали работы «Marvel Entertainment», он создавал плакат для фильма «Тор». Другая заметная работа для игры «Resistance».

Кинорежиссерам интересны работы Олли Мосс, так как он делает выразительные плакаты, афиши к их фильмам. Глядя на его работы, люди с большим интересом начинают обсуждение будущей киноленты. Пока дело доходит до премьеры – билеты уже раскуплены! И все это благодаря интриге от Олли, умеющему заинтересовать зрителя афишей так сильно, что даже если фильм выйдет неудачным, в памяти людей останутся о ленте только положительные эмоции.

Olly Moss создаёт простые плакаты посредством иллюстрации. Обладает своим стилем, который несложно повторить. Хотя стоит отметить, что этого никто не делает. Дизайн афиш и плакатов нишевый, присутствует всего 5–10 очень известных дизайнеров. Остальные занимаются более «перспективными» направлениями.

Когда стал знаменитым

Мировое признание к Оливеру пришло с того момента, как его футболки стали известны не только покупателям из Великобритании, но и из других стран! Продавал он их через свой блог.

В 24 года дизайнер уже стал успешным и знаменитым. Футболки с провокационными надписями разлетались, как «горячие пирожки». На иллюстратора стали обращать внимание большие компании, занимающиеся продвижением массовых товаров. Игры, журналы, фильмы, театральные постановки – все это поле деятельности Джонатана.

В 2010 году юному художнику, один из ведущих в Англии журналов предложил сделать изображения в виде иллюстраций для известных фильмов.

Цель обращения: получить картинку, передающую полностью смысл всей картины, при этом обладающей вирусной рекламой. Человек, глядя на изображение, должен был запомнить и прокручивать в голове идею иллюстратора до тех пор, пока не заполучит всю историю, через приобретение фильма или его просмотра.

Олли справился с поставленной задачей, прибегнув к тематике немецкого минимализма. Скрытый смысл в постерах, надписях, афишах виден не сразу, а только после того, как зритель долго, пристально вглядывается в изображение. Суть нарисованного открывается человеку постепенно, медленно впуская его сознание в глубину сюжета, спрятанного за ведущим изображением.

Его конек – «минималистичные» плакаты, в которых Олли выделяет ключевые детали фильма – будь то пистолет в «Грязном Гарри» или кровавый укус вампира в фильме «Впусти меня».

Помимо этих фильмов, Олли Мосс разработал афиши для кинокартин «Рокки», «Нефть», «Охотник на оленей», «Звездные войны» и «Американский оборотень в Лондоне».

В самом центре всегда изображается ключевой предмет или символ. Фон выделяет «ключ». Далее идет прорисовка мелких деталей, букв, расположенных так, как будто их хотели спрятать. Олли Мосс умеет прятать на виду то, что нужно всем показать. Всё ненавязчивой формы, уводя при этом внимание от подтекста, к ярко выраженной ключевой детали сюжета.

Дэвид Пирсон · Типограф

Графический дизайнер и иллюстратор из Лондона, специализирующийся на книжном дизайне и брендинге.

Дэвид Пирсон – автор многочисленных книжных обложек. Он посвятил свою жизнь разработке красочных иллюстраций. Уже с детства его интерес был сфокусирован именно на книжном дизайне.

Биография

Проходил обучение в Лондоне, в колледже Central Saint Martins. Место обучения представляло собой объединение шести различных колледжей, где можно было изучать огромное количество дисциплин, связанных с дизайном. Именно оттуда иллюстратор почерпнул массу знаний, которые предопределили его направление в дизайне.

Уже на втором курсе обучения, дизайнер Дэвид Пирсон начинает долгий путь к независимости, где основным доходом станет прибыль от иллюстрирования обложек.

После окончания обучения продолжительное время Дэвид становится ведущим дизайнером известных издательств, в их число входит Penguin и White’s Books. Также оформляет издания книг «Джейн Эйр» и «Острова сокровищ».

Penguin Books – британское издательство, которое было основано в 1935 году в Лондоне сэром Алленом Лейном и его братьями Ричардом и Джоном, как линия издателей The Bodley Head.

Фрилансер

Сейчас работает свободным фрилансером. Он считает независимость критерием будущего качества работ и потому живёт, работая исключительно на себя. Активно ведёт учётную запись в твиттере, имеет веб-сайт, оформленный в виде портфолио. В социальных сетях активно общается с публикой, временами даёт комментарии на события, происходящие в мире.

Также Дэвид отмечает, что в будущем году его цель – установить наиболее тесный контакт с дизайнерами шрифтов, чтобы более точно работать со становлением текста.

Типография – почти всегда главный ингредиент и это наряду с ограниченной цветовой палитрой, как правило, дает его работам единообразный вид.

David Pearson типограф, хотя нет. Дизайнер, который в современном мире профессионально занимается разработкой иллюстраций обложек – бриллиант. Составление ряда изображений, которые лягут в основу стиля целого ряда книг. Издание книг – это сложно, и очень выматывает. Такого рода дизайнеры влияют лишь на умную, читающую книги аудиторию.

Направление работ

Сам Дэвид описывает стиль своих проектов, как "возрожденческий". Он отмечает, что часто оглядывается на работы прошлых веков и находит в них вдохновение и желание создать нечто похожее. Работы, созданные молодым дизайнером, корнями упираются в проекты эпохи Возрождения.

Все его работы имеют единообразный вид: если выставить их в ряд, они будут иметь одинаковые моменты в стиле, но не более. Собрание его проектов воедино представляет собой уникальное, многопрофильное портфолио.

Дэвид считает, что книжное оформление – одна из немногих дизайнерских дисциплин, в которых двусмысленность находит место и является положительной стороной. Потому он и выбрал книжный дизайн, вместо различных других проектов.

У дизайнера получается раскрыть главную мысль, посыл книги и поместить её на обложку. При этом читатель не может точно уловить смысл изображения на обложке, и лишь после прочтения, он осознаёт и дополнительно удивляется.

Графический дизайнер и иллюстратор Дэвид Пирсон имеет за плечами большое количество оформленных работ. Он отличается от иных книжных дизайнеров тем, что в своих работах стремится привлечь читателя. И никогда не раскрывает сути сюжета на обложках. Портфолио дизайнера представляет собой немалое количество книжных обложек. Это делает его опытным книжным иллюстратором и даёт возможность в дальнейшем развитии в этой области.

Как говорит сам Дэвид:

Дизайн книжной обложки – одна из немногих дизайнерских дисциплин, где двусмысленность активно поощряется. Где лучше придержать информацию и привлечь читателей к тому, чтобы самостоятельно интерпретировать прочитанное.

Характер Дэвида отличается от среднестатистического. Он стремится придать многим вещам в мире визуальный смысл. С его слов мы узнаём, что временами он полдня разбивает запасные пуговицы, по различным категориям пригодности. Такие моменты он оставляет в своей личной жизни, не стремясь это изменить за ненадобностью.

Фернандо Гутьеррес · Дизайнер

Чистые линии, простота и нет усложнения формы.

Как говорил сам дизайнер: «Страну можно понять по её дизайну».

За свою продолжительную карьеру дизайнером, Фернандо удалось завоевать популярность и создать несколько успешных компаний, а также создать ошеломительную репутацию и удивительно большое портфолио.

Биография

Родился в Лондоне в 1963 году. Родители были Испанцами. Фернандо поступает в Лондонский Колледж печати, где изучает графический дизайн. Во время обучения он получил огромное количество новых знаний и ещё больше углубился в дизайн.

Фернандо Гутьеррес с отличием заканчивает обучение и присоединяется к CDT Design. Работа с дизайнерскими проектами приносит ценные знания и даёт понять дизайнеру, в каком направлении он желает развиваться.

В 1993 году стал соучредителем студии Grafica, работал над различными проектами, включая книгоиздания, информационные кампании и редакционный дизайн.

В определённый момент он решает основать собственную компанию. В соавторстве с Пабло Мартином появляется компания Grafica. Графический дизайн Фернандо Гутьерреса быстро приобретает профессионализм, и работа в компании положительно сказывается на навыках дизайнера.

Работая в испанской газете El País, преподавал искусство режиссуры, ежедневные лекции, нацеленные на молодую аудиторию. Он также работал в качестве консультанта, креативного директора «Museo Nacional del Prado» в Мадриде.

В этот промежуток времени Фернандо Гутьеррес создаёт большое количество проектов, в самых разных категориях.

Pentagram

Имея завидное портфолио к этому моменту, дизайнер Фернандо продолжал работать и был замечен легендарной студией дизайна Pentagram. Так как основателям было уже под 50 лет, они искали новых, молодых авторов для продолжения дела.

Отбор был строг: члены учредительной комиссии индивидуально беседовали с дизайнерами и если хоть один говорил: «Нет», то дизайнер не мог работать в Pentagram. В течение долгих двух лет и многочисленных встреч с основателями этой компании, Фернандо всё-таки получил должность партнёра.

Fernando Quirarte Gutiérrez дизайнер легенда. Журналы, типографика и оформление пространств – всё ему подвластно. Только лишь взгляд на серию работ обложек для Matador – вызывает уважение и трепет.

Сотрудничество с Pentagram было не простым. Учитывая, насколько тогда была популярна эта компания.

Поначалу я и заходить туда побаивался

– отмечает сам Фернандо

Однако, спустя пару лет он освоился и приходил на работу, как в родные стены.

Работа в компании не была конечной целью дизайнера, в 2006 году на свет появляется «Студия Фернандо Гутьерреса». Чувствуя себя самостоятельным, арт-директор Fernando Gutierrez начинает активно участвовать в выставках работ. Его компания специализируется на фирменном стиле, разработке упаковок и прочего. Успешное развитие студии позволило получить желанную независимость, и теперь он преуспевающий автор своих работ.

Сегодня дизайнер продолжает пополнять и без того обширное портфолио. Неоценимый вклад в его жизнь внёс именно графический дизайн.

Взгляд на графический дизайн

Дизайнер склонен считать, что в дизайне всё начинается с печатного слова. Так как он тесно связан с печатным словом в своих работах, Фернандо отмечает, что печать является очень важным шагом в процессе проектирования.

На вопрос «Как бы вы описали свой стиль?» на одном из интервью, дизайнер ответил просто и вдумчиво:

Это не то, что ты говоришь, а то, что ты не говоришь

– Фернандо Гутьеррес

Во всех работах можно заметить явный эмоциональный всплеск. Фернандо не пользуется конкретным шрифтом, он убеждён в необходимости самому оставаться в стороне и потому не любит огласку своей личности.

Colors

В ноябре 2000 года стал креативным директором Colors, международный журнал, сообщество, созданное для Benetton by Oliver Toscani & Tibor Kalman.

Фернандо имеет свой веб-сайт. Там можно посмотреть как портфолио, так и узнать информацию по поводу сотрудничества или заказа проекта. Поддержка контакта в интернете, позволяет активно общаться со своей аудиторией.

Графика всегда была для автора немного большим, чем для всех остальных. Фернандо Гутьеррес склонен считать, что графический дизайн дал ему очень многое. Помимо работы с удивительными и уникальными людьми, ему удалось узнать кто и откуда он.

Это гораздо больше, чем просто работа

– Фернандо Гутьеррес

Джонатан Барнбрук · Дизайнер

Оформлял обложку нового альбома Девида Боуи «Heathen» и создал такой небезызвестный шрифт, как Bastard. Графический и шрифтовой дизайнер.

Плодовитый мастер шрифтов и различного графического дизайна получил популярность, благодаря выполнению заказов для известных людей и компаний.

Биография

Родился Джонатан в английском городе Лутон в 1966 году. Детство прошло в благоприятной атмосфере, и уже в подростковом возрасте парню симпатизировала возможность создавать уникальные изображения в авторском стиле.

Прежде чем начать дизайнерскую карьеру, обучался в двух престижных заведениях: Школа искусств Святого Мартина и Королевский колледж искусств. Учёба шла на лад, будущий дизайнер-график Джонатан Барнбрук получил необходимые навыки и без промедления начал искать работу.

Продолжительное время работает в лондонской студии Why not associates. Плодотворное сотрудничество приносит опыт и новые проекты амбициозному дизайнеру.

Why not associates – британская многопрофильная студия дизайна со всемирной репутацией.

С 1990 года уходит в свободный заработок, иначе называемый фрилансом. Работает и оттачивает навыки в создании шрифтов, логотипов и различных графических проектов.

Для этого занятия в этом же году графический дизайнер Джонатан Барнбрук открывает свою независимую студию под названием «Barnbrook Design».

Для Девида Боуи продолжает создавать обложки под ранее выпущенные альбомы, по просьбе самого певца. Сам дизайнер отмечает, что именно оформление пластинок с музыкальными композициями привлекло его в дизайнерскую сферу.

Направление в дизайне

Конкретно студия Barnbrook Design, сегодня занимается созданием айдентики, оформлением книжных обложек и вебсайтов. Также индивидуально происходит разработка шрифтов. В студии работает не более 4 человек. Малое количество сотрудников позволяет индивидуально подходить к заказчику дизайна, что было прямым решением самого Джонатана.

По его мнению, любая визуальная форма и тем более выраженная в дизайне, способна менять как точку зрения человека, так и неотъемлемо становится необходимым мощным инструментом в руках маркетолога.

Сам по себе Jonathan Barnbrook создал большое количество различных шрифтов. Уникальные и содержащие в себе смысловой слой шрифты дизайнера, получают оригинальные названия. Большое количество шрифтов доступно для использования всем желающим.

Джонатану подвластны многие области дизайна, вплоть до шрифтов, графического дизайна и рекламы. Шрифты Mason, Exocet придуманы именно Барнбруком. Одним из последних, он разработал шрифт Virus. Его работа над дизайном книги Typography (Типографика), принесла ему большую известность и признание.

Джонатан стремится использовать дизайн для совершения социальных перемен. Это подтверждается постоянными откликами на политические события в виде графических проектов, которые затрагивают вопрос и подвергают его критическому рассмотрению со стороны публики.

Jonathan Barnbrook создаёт шрифтовые гарнитуры. Действительно тот, кому стоит подражать. Направление работ разнообразно, хотя строго около шрифтовой тематики. И стоит отметить, у него это выходит великолепно, работы информативны и красочны.

Жизненные ценности

Джонатан не имеет собственного транспорта. Он передвигается пешком или на велосипеде, сознательно не приобретая личный автомобиль. Причиной этого служит понимание того, что использование машины наносит экологический вред окружающей среде.

Вопросы потребительства также волнуют дизайнера: его убеждения противоречат одноразовому использованию пластика и картона. Таким образом, этот парень один из немногих, кому не безразлична окружающая его обстановка, с точки зрения сохранения природы.

Так как дизайнер пользуется определённой популярностью, он часто отвечает на различные вопросы пользователей в твиттере и фейсбуке.

Сейчас, благодаря полученным ранее дипломам и знаниям, Джонатан читает лекции и преподаёт уроки по дизайну в университетских стенах.

Джонатан – незаурядная личность, которая посредством любимого дела пытается донести до общества хорошие мысли. Этот человек предпочитает учтиво выполнять свою работу и принимать ответственность.

Он ставит типографию во главу дизайнерской работы и считает, что хороший дизайнер тот, кто досконально изучил типографику.

После знакомства с портфолио и историей жизни данного персонажа, возникает положительное отношение ко всем его работам и моральным ценностям.

Оформлял выставки в Музее Виктории и Альберта и разрабатывал графический дизайн Сиднейской (2010) и Киевской (2012) биеннале современного искусства. Барнбрук также автор дизайна каталогов Дэмьена Херста и пластинок Дэвида Боуи, за одну из которых был удостоен премии «Грэмми» за лучшую упаковку записи.

Майк Демпси · Дизайнер

Британский практикующий дизайнер. Занимается каллиграфией и типографикой. Работал арт-директором в двух ведущих британских издательствах.

Современные книги о дизайне обязательно расскажут о Майке Демпси, паблиш-дизайнере с мировым именем. Появился дизайнер Майк Демпси в 60-х годах. Все началось с основания агентства Carroll & Dempsey (позже известного, как CDT Design Limited). Опыта Mike Dempsey набрался еще в 60-х, на службе арт-директором в крутейших издательствах Великобритании William Heinemann и William Collins & Sons.

С конца шестидесятых годов он работал в качестве арт-директора, для двух ведущих британских издательств William Heinemann и William Collins & Sons.

Опыт и практика – великое дело

Майк начинал с не столь амбициозных проектов и дошел до масштабных заказов. «Государственные бренды» Королевской почты, Английской национальной оперы, South Bank Centre, Королевского национального театра и the Royal Opera House, ассоциируются в нашем сознании исключительно с Объединенным Королевством. За всем этим стоит простой, креативный графический дизайнер Майк Демпси.

Создавать бренды для такой консервативной страны – дело непростое.

Традиционно, обыватели, даже не задумываясь, безоговорочно верят в визуализацию историй, придуманных маркетологами. Все это сумбурно создает наше впечатление о фирменном стиле государства.

Майк про учебники

Демпси не отрицает необходимости обучения дизайну и упоминает об учебных пособиях для этого. Дизайнер акцентирует внимание на том факте, что хорошая книга по дизайну не должна запутывать и перегружать. Наоборот – все должно быть просто и доступно. В любом случае практика расставляет все на места и дает ученику иногда кардинально отличающийся от теории опыт.

Каллиграфия еще жива

Дело хвалит мастера. Демпси работал над оригинальным стилем титр в картинах Ридли Скотта, для Луи Маль, Денниса Поттера, Дэвида Хейра и Брюса Бересфорда.

Mike Dempsey любит шрифт и его проявление в настроении работы.

Основную 70 %-ю часть дизайн полотна будет занимать шрифт и информация, которую нужно донести. И только после, мы увидим дизайн. Хорошо или плохо, правильно или неправильно, решать только тебе.

Медные трубы для дизайнера – это золотая награда British Design & Art Direction (D&AD), одиннадцатая в общем числе, после 10 серебряных.

Личный креатив не помешает

Дизайнер Майк Демпси неповторим в фирменных стилях, созданных для брендов. Этот человек такой же активный и в жизни: Демпси – отец 6 детей, и два раза женат. У него в доме 5 котов и 2 собаки. Материальное состояние прекрасно иллюстрируют 8 домов и 18 машин.

Послужной список

Художественный руководитель Royal Male, арт-директор в Журнале Королевского общества искусств, председатель D&AD, штатно работающий писатель Design Week, The Times, Grafik, V&A, член Альянс График Интернешнл, преподаватель на факультете королевских проектировщиков промышленности, основатель студии Dempsey.

Терять время короткой человеческой жизни на скучную работу, не стоит. Работать нужно от души, для души и развития. Тогда все будет!

Майкл Вольф (Майкл Вульф) · Дизайнер

В основном давал советы по развитию компаний в целом, его влияние как дизайнера, сильно повлияло на многие современные бренды в мире.

Майкл Вольф – один из величайших представителей британского дизайна. Он стоял у истоков дизайна и является новатором своего дела. Майкл Вольф (Майкл Вульф) изготавливал свои творения так, чтобы они действительно заслужили своё почётное место в сердцах людей, что они и сделали.

Michael Wolff – семья и образование

Семья Майкла Вольфа эмигрировала из России (Санкт-Петербург) в Великобританию (Лондон). Произошло это в то время, когда была революция.

Мать была домохозяйкой, а отец торговцем в Лондоне. Жили они все в Belsize Park в Лондоне (северо-запад Лондона).

В года своего юношества Майкл переехал из Англии во Францию, где пробыл три года. На то время, его поразили величественные и статные архитектурные сооружения, что в свою очередь вдохновило его на то, чтобы он пошёл обучаться в Лондонской школе архитектуры. Спустя какое-то время его отчислили, а после он поступил в Хамерсмиттовскую школу искусств.

В 17 лет он уехал во Францию, где его поразила архитектура религиозных объектов. Он решил под влиянием произведения «Источник», автор работы – Айн Рэнд, поступить the Architectural Association School in London.

Хамерсмиттовская школа искусств (Hammersmith School of Art) в 1975 году объединилась с колледжем «Челси школа искусств» (Chelsea College of Art and Design), а в 80-х годах стала колледжем в Лондонском университете искусств (University of the Arts London).

Он так и не закончил обучение, ему было 22 года. Примерно тогда же Майкл нашёл подработку в одном из выставочных центров. Работа в этой сфере помогла ему ознакомиться лично с оформлением выставки и подобными техническими нюансами.

Благодаря этому, он смог устроиться в департамент одного из ведущих, на тот момент, агентства рекламы в британии «Кроуфорд». В его «карьерной лестнице» своё место также имеет работа в BBC (он там работал на позиции – художник).

Дизайн агентство – Wolff Olins

Создание дизайн-агентства Wolff Olins пришлось на 1964 год. Майкл Вольф вместе со своим другом Уолли Олинсом объединили усилия, для запуска этого проекта. Оно стало мировым лидером в дизайне и оказало большое влияние на формирование современного понимания дизайна. Агентство работало с множеством крупных брэндов.

Впоследствии Майкл заметил, что большая часть работ его агентства, в которых он принимал участие, не были для него очень близки и творчески разделяемые. Исключением он назвал построение бренда красок «Hadfields» в 1967 году, художник Морис Уилсон – Maurice Wilson и дизайнер Кит Купер – Kit Cooper, которые позволили уйти в то время от унылого и крайне популярного подхода швейцарской школы символизма. Это стало началом активного использования различных представителей животного мира в рекламе Wolff Olins.

После, он покинул Wolff Olins и создал новую компанию, которую назвал – Консорциум. Майкл говорил, что, по его мнению, там работают одни их лучших людей. Фирма просуществовала три года, а после была распущена. Часть людей компании перешли в Allied International для работы.

Через короткий промежуток времени он смог возглавить позиции «ведущего креативного директора» (creative supremo) материнской компании Addison. Там он успел поработать над созданием «экологического образа Бритиш Петролиум» и созданием промо запуска первого скоростного поезда (TGV) в Испании, как экологичного транспорта.

Michael Wolff дизайнер, который слишком часто и громко заканчивал трудовые отношения, с тем или иным работодателем. Работы интересны, хотя лишь для беглого ознакомления. А вот сама история работы и смены работодателей, интригует.

Проблемы в дизайне

В 1992 году он сменил Дика Гиатта (Dick Gyatt) на посту «внешнего дизайн-менеджера» (external design manager) в WH Smith (крупнейший поставщик прессы в Англии уже 200 лет). Затем он стал консультантом компании, в качестве неисполнительного директора (non-executive director) в «Interbrand Newell and Sorrell» (INS, ныне «Interbrand»).

На 1996 год он стал успешным и независимым представителем совета директоров «INS». Несмотря на то, что он в основном давал советы по развитию компании в целом, его влияние, как дизайнера, сильно повлияло на некоторые работы компании.

Из-за финансового кризиса в 1998 году компания не включила Майкла в совет директоров, и он попал под сокращение.

Майкл и The Fourth Room

После кризиса, который был в 1998 году, Майкл Вольф, Пирс Шмидт и Венди Гордон воссоздали новую компанию The Fourth Room. Она занималась тем, что консультировала людей, для создания и ведения бренда в долгосрочной перспективе. Через руки работников компании прошли такие организации, как Coca-Cola, Nokia, General Motors, Kraft, Mars, Mishcon de Reya, MFI plc, Orange, RHM, Sainsbury’s, Scottish Power, Quintessentially Ltd и Sun International.

Впоследствии, компания была продана в 2002 году US Interactive.

Но, к сожалению, из-за корпоративного конфликта в 2002 году Майкл Вольф был уволен, а после, «полноценно» ушёл на пенсию. На данный момент занимается лишь такими работами, как личные консультации.

Увольнение – по причине «грубого нарушения политики компании».

Майкл Вольф за свою жизнь внёс огромный вклад в мировой дизайн, за что ему очень благодарна широкая публика.

Алан Китчинг · Типограф

Легендарный типограф из Великобритании, печатает свои шедевры вручную, с помощью старого печатного станка, на старой типографской бумаге.

Король шрифта

Алана Китчинга по праву называют королем шрифта. В то время как мир захватили высокие технологии, в том числе цифровая печать, легендарный типограф из Великобритании печатает свои шедевры вручную, с помощью старого печатного станка, на старой типографской бумаге. Его шрифты, ставшие настоящим трендом, можно увидеть на обложках модных журналов и известных книг, афишах, вывесках и даже почтовых марках.

Британский дизайнер Алан Китчинг стал известным благодаря созданию неповторимых графических композиций, при помощи наборных шрифтов из дерева и металла.

Настоящие ценители и коллекционеры просто устраивают охоту за печатными изданиями мастера, ведь их тираж чаще всего строго ограничен. Знатоки легко узнают работы, которые создал типограф Алан Китчинг – их цветовую насыщенность и изящный шрифт нельзя ни с чем спутать. А тонкая гармония, неразрывность содержания и формы, является своеобразной визитной карточкой типографа.

Биография

Родился Алан Китчинг в городе Дарлингтон, графство Дарем, в 1940 году. Еще в школе будущий дизайнер увлекался графикой и живописью. Его творческая биография начинается в Уотфордском Технологическом колледже, графство Хартфордшир, где с 1962 по 1964 годы он работал техником в отделе печати, а позже, когда новым начальником отдела стал Энтони Фрошог, основал там же экспериментальную полиграфическую мастерскую. Позже Китчингу довелось сотрудничать с Фрошогом в студенческих проектах, в Центральной школе искусств и ремесел.

После преждевременной кончины жены Риты Алан Кичинг переезжает из Ричмонда, где жил с женой и двумя сыновьями, в Лондон. Там он проводит семинары, а также начинает заниматься художественной печатью.

Собственную практику типограф Алан Китчинг начал в 1973 году, с сотрудничества с писателем Колином Форбсом. В те годы он работал в студии Omnific с Дереком Бирдсолом и Мартином Ли, начал там офсетную печать в 1985 году. В своей коллективной работе они достигли известности и успеха.

Поэтому свое решение уйти и начать работать самостоятельно, сам Китчинг признает довольно рискованным и называет его прыжком в темноте, в интервью порталу It’s nice that.

Проводил семинары в 1986 году Omnific Studios, Islington, London. Затем он пошел в мастерскую The Typography Workshop in Clerkenwell (1989).

С 1994 года Китчинг начал сотрудничество с писателем и дизайнером Селией Стотхард (1949–2010), которая позже стала его женой и поддерживала все его творческие начинания.

Типограф

Заставляет поразиться им и восхищаться. С таким рвением заниматься делом, которое скорее всего умрет вместе с ним. Набор шрифтовых гарнитур вручную, использование физических станков для печати – это сложно и уникально.

Сегодня в мастерской дизайнера, в которую они с Селией превратили здание бывшей пивной в Кенсингтоне, можно увидеть выставку его самых известных работ. Тут же регулярно проходят семинары по книгопечатному делу, хранится коллекция раритетного типографского оборудования и коллекция театральных типов древесины Entertaining Types, приобретенная в 1999 году.

Студия

Хотя Алан тут же и живет, это все-таки больше мастерская, чем жилье. Об этом говорит рабочая обстановка: банки с краской, печатные валики, тряпки. Но по словам хозяина, он не собирается возвращаться к жизни с пылесосом и коврами, на это у него просто нет времени и его все устраивает, так как под рукой есть все, что нужно.

По словам Алана Китчинга, быт для него – на втором месте, на первом – всегда работа, которой дизайнер отдает себя полностью, чтобы создавать совершенно новые образы, объединяющие в себе современное искусство и старину.

Алан Китчинг – король шрифта. Его работы украшают известные журнальные и книжные обложки, почтовые марки, театральные плакаты, щиты и вывески. В студии, будто залитой чернилами от пола до потолка, Китчинг вручную печатает свои легендарные буквы на старой типографской бумаге.

Голландия

Маартен Баас · Дизайнер

Маартен Баас один из самых знаменитых голландских дизайнеров. Он создает работы на грани искусства и дизайна. Его движущая сила не коммерческий успех, а реализация собственных задумок.

Начало пути дизайна

Маартен Баас родился 19 февраля 1978 года в Арнсберге, западная Германия. В 1979 году его семья переехала в Нидерланды, где он вырос и начал свой творческий путь. В 1996 году закончил среднюю школу Хендрик Пирсон колледж и поступил в Академию дизайна в Эйндховене.

Четырехлетнюю программу обучения ему пришлось проходить целых шесть лет, поскольку он бросал учебу после первого курса, а позже провалил несколько экзаменов. Он также проучился несколько месяцев в Миланском политехническом университете в 2000 году.

Учась еще на первых курсах Академии, он создает подсвечник Knuckle, который в скором времени забирает в производство компания Pol’s Potten. Его выпускная работа в 2002 году имела ошеломительный успех, и он сразу стал знаменитым. Дипломная работа Бааса состояла из коллекции мебели Smoke (Дым) и оригинальных солнечных часов, отображающих время в теневых текстах.

Коллекция Smoke

Коллекция Smoke представляет собой серию обугленной мебели. Маартен по-разному экспериментировал с мебелью: кидал ее, ломал, обливал водой, сбрасывал с высоты и, однажды, попробовал поджечь.

Результат невероятно поразил его, дерево обугливается совершенно непредвиденным путем, образуя мрачный эффект, что привносит посредственным предметам дух и роскошь старых вещей.

В завершении вся мебель покрывается эпоксидной смолой несколькими слоями. Эта коллекция незамедлительно стала известной.

Меня всегда удивляло, почему мы покупаем вещи и не касаемся их, почему мы хотим, чтобы вещи оставались неизменными, почему мы думаем, что симметрия и гладкость красивы? И я подумал: а что случится, если я попытаюсь изменить облик вещи, например, путем обжига? И обжег. Вещь приобрела иной характер, получила новую эстетику, иной смысл, став более эмоциональной и персональной. В природе ничего не остается прежним – в природе все изменяется. Хаос и беспорядок – то, без чего я не могу работать, хотя эстетические коды настолько предсказуемы, и людям трудно их изменить.

– так объяснил свою идею Баас

Коллекция Smoke была успешно представлена в модных европейских столицах. Сожженную мебель с удовольствием покупают различные музеи и коллекционеры, такие как Лидевий Эделькорт и Филипп Старк, а люстра из этой серии становится частью выставки Brilliant в музее Виктории и Альберта в Лондоне.

Успех этой серии приводит Маартена к сотрудничеству с голландским мебельным брендом Moooi и собственной выставке «Where There’s Smoke» («Нет дыма без…») в Нью-Йорке в галерее Moss, которая включала в себя 25 обожженных предметов.

Дальнейший путь дизайнера

После успеха дипломной работы Маартен основал свою одноименную студию, а позже, в 2005 году в партнерстве с Бас ден Хердером открыл студию Baas & den Herder. Это позволило ему создавать неповторимые предметы в больших объемах для различных заведений, музеев, отелей и галерей по всему миру. Через год, для Миланского мебельного салона Salone del Mobile он произвел коллекцию Clay, ставшую одним из самых ярких проектов выставки. Вся коллекция была создана из металлического каркаса, покрытого полимерной глиной.

Также, одним из наиболее известных его творений является ограниченная коллекция Treasure, созданная из мебельных отходов, которые ему предоставляли различные мебельные фабрики.

Выставки

Необычным была его коллаборация с китайским производителем мебели, которая выросла в коллекцию China.

Апрель 2009 года принес ему титул «Дизайнер года», на выставке дизайна в Майами.

Его персональные выставки проходили в Америке, Европе, Абу-Даби, Израиле, Японии и Китае.

Творения Бааса хранятся в крупнейших музеях V&A, MoMa, Rijksmuseum и Музей декоративного искусства в Париже и в частных собраниях коллекционеров современного искусства и знаменитостей, таких как Бред Питт, Канье Уэст, Ян Шрагер и Адам Линдеманн. Он также с успехом сотрудничает с Louis Vuitton, Swarovski, Dior, Dom Ruinart, Berluti, Hermès.

Дизайнер любит, когда в его мастерской царит творческий беспорядок и хаос, и признается, что для него это самая продуктивная обстановка. Он и по сей день создает свои шедевры, участвует в выставках, проводит лекции и изредка берет стажеров.

На его официальном сайте любой человек может познакомиться с его работами и задать ему свой вопрос. Он также имеет официальные сообщества в соцсетях, где активно публикуются новости о нем и фото его новых работ.

Осенью 2018 года дом, в котором вырос Маартен, временно стал галереей, в рамках местного фестиваля искусств.

Дизайн проект Real Time

Весной 2009 года Маартен создал проект Real Time – ожившие часы, для музея Zuiderzeemuseum в Голландии. Он проецировал видеоролики на циферблат часов, в которых человечки рисуют и стирают стрелки, время от времени отвлекаясь на различные дела.

Еще одной его работой, затрагивающей тему времени, был проект Sweepers clock (Часы дворников). Он изобразил пляж, люди на котором создают стрелки времени из мусора, а затем разбирают их и снова воспроизводят. Своими проектами о времени, Баас хотел показать, что любой человек может распоряжаться своим временем рационально или же потратить его впустую.

Ян ван Тоорн · Дизайнер

Родился в 1932 и известен миру, как изобретательный практик и теоретик профессии. Он не принимает за её основу законы рекламы и рынка.

Его миссия – неформально и остро, с использованием особых приёмов, передать содержание сообщения, сосредоточиться на его смысловой нагрузке, а не на декоративной обработке. Для обозначения своей профессии Ван Тоорн нередко пользуется термином «визуальный журнализм».

Биография

Нидерландский дизайнер-график, проектировщик выставок, теоретик и методолог дизайна, фотограф («визуальный журналист»), педагог, куратор. Является членом «Международного графического альянса» (с 1972 года) и «Американского института графических искусств».

С 1991 по 1998 года занимал пост директора Академии Яна ван Эйка в Маастрихте. В 2011 году Ван Тоорну присвоили звание почётного доктора «Королевского колледжа искусств» в Лондоне. Творчество Яна ван Тоорна экспонировалось на нескольких ретроспективных выставках: в музее «Фодор» в Амстердаме (1972), центре «Де Бейерд» в Бреде (1986–87), Роттердамском Зале искусств (2004), Мэрилендском колледже искусств в Балтиморе (2007), Шеффилдском институте искусства и дизайна (2008).

Вклад в дизайн

Вклад дизайнера в национальную и мировую графическую культуру отмечен двумя Призами «Х. Н. Веркмана» (1965 и 1972), премией «Пита Зварта» (1985) и премией «Athena», учреждённой Род-Айлендской школой дизайна.

Работы Яна ван Тоорна широко представлены в следующих собраниях:

Моравская галерея; Центр Помпиду, Париж; Музей изображения, Бреда; Муниципальный музей, Гаага; Музей современного искусства, Нью-Йорк; Центр изучения политического дизайна, Лос-Анджелес; Музей Ван Аббе, Эйндховен; Музей Стейделик, Амстердам; Библиотека центральной академии изящных искусств, Пекин; VIVID, Роттердам, представлены последние работы Ван Тоорна; Специальная коллекция амстердамского университета (Bijzondere Collecties).

Пит Мондриан · Художник

Нидерландский художник, который одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи.

Биография

Пит Мондриан родился в небольшом голландском городке Амерсфорте. Отец Мондриана, директор местной школы, не мог обеспечить семью, но к таланту сына отнёсся с чуткостью, и в 20 лет Мондриан уехал учиться в Амстердам.

Начинал преподавателем рисования в начальной школе, ранние работы – пейзажи Голландии в духе импрессионизма. Увлёкся теософией Е. П. Блаватской. Глубоко воспринял искания кубизма на выставке кубистов в Амстердаме (1911). В 1912 году переехал в Париж, в знак начала новой жизни изменил фамилию на «Мондриан».

De Stijl

Годы Первой мировой войны провёл на родине, в 1915 году сблизился с художником Тео ван Дусбургом, основал с ним вместе движение «Стиль» (нидерл. «De Stijl») и одноимённый художественный журнал. Журнал стал органом неопластицизма – утопии новой пластической культуры, как предельной сознательности, в скрупулёзной передаче обобщённой красоты и истины самыми аскетическими средствами, основными, первичными красочными тонами, линиями, формами.

Это «не фигуративное» направление Мондриан последовательно развивал во Франции, где прожил с 1919 по 1938 годы, затем в Великобритании, а с 1940 года – в США.

В американский период своего творчества Мондриан попытался приспособить принципы неопластицизма для передачи динамических эффектов («Буги-вуги на Бродвее»).

Память

Мондриан скончался от воспаления лёгких 1 февраля 1944 года и был похоронен на кладбище Cypress Hills в Бруклине, Нью-Йорк.

Оформление нью-йоркской студии Мондриана, в которой он проработал лишь несколько месяцев. Это оформление было тщательно воссоздано его друзьями и последователями на фото– и киноплёнке, стало как бы последней работой мастера, эти «Стенописи» демонстрировались на выставках в Нью-Йорке, Лондоне, Токио, Сан-Пауло, Берлине.

Парижская квартира Мондриана, его трубка и очки запечатлены на минималистских фотографиях Андре Кертеса (1926), ставших эталонными для современного фотоискусства. Мондриан призывал к «денатурализации» искусства, к отказу от естественных форм и переходу к чистой абстракции.

Начиная с 1913 года картины Мондриана развивались в сторону абстрактных матриц, состоящих из чёрных горизонтальных и вертикальных линий. Постепенно расположение линий на холсте упорядочилось до такой степени, что они стали представлять собой правильные решётки с ячейками.

Ячейки закрашивались основными цветами, то есть красным, синим и жёлтым. Таким образом, структуру картины образовывали дихотомии цвет – не-цвет, вертикаль – горизонталь, большая поверхность – малая поверхность, единение которых должно было символизировать равновесие сил в гармонии мироздания.

Несмотря на предельную ограниченность визуальных средств, творчество Мондриана оказало большое влияние на современников и породило новые направления в живописи и графике.

LOLA

В 1930-х годах французский модельер Lola Prusac, работавшая в то время на парижский модный дом Hermès, создала линейку чемоданов и сумок, вдохновлённую поздними работами Мондриана: со вставками из красных, синих и жёлтых квадратов кожи.

В своей коллекции осень/зима 1965–1966 годов французский модельер Ив Сен Лоран представил знаменитые платья «Мондриан» – простые трикотажные платья без воротника и рукавов из трикотажного полотна, которые имели декор в виде крупных цветных клеток – «цитаты» из картин художника-абстракциониста.

Тео ван Дусбург · Художник

Влиятельный голландский художник, сыгравший главную роль в формировании художественной концепции De Stijl. Также занимался архитектурой, дизайном и теорией искусства.

Биография

Кристиан Эмиль Мари Кюппер, принявший псевдоним Тео ван Дусбург, родился в Утрехте, Нидерланды, 30 августа 1883 года. Его отцом был Вильгельм Кюппер, а матерью – Генриетта Екатерина Маргадант. Когда он начинал свою работу как художник, он подписывал свои работы «Теодор Дусбург» в честь своего отчима, который, как он чувствовал, был его истинным отцом в эмоциональном плане. Позже он добавил «Ван» к своему имени.

Сначала он обучался в театре в качестве певца, но вскоре обнаружил свою страсть к живописи. Дусбург зарекомендовал себя как художник с большим мастерством создания фигуративных произведений, в значительной степени под влиянием стиля Винсента Ван Гога. Он смог продать своё искусство, и его первая выставка картин состоялась в 1908 году в Гааге. В начале 1910-х годов он писал стихи и зарекомендовал себя как искусствовед, чем также зарабатывал себе на жизнь.

Винсент Виллем Ван Гог – нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись XX века.

С 1914 по 1916 год ван Дусбург служил в голландской армии, после чего он поселился в Лейдене и начал сотрудничество с архитекторами Дж. Дж. П. Оудом и Яном Уилсом.

В 1913 году, после прочтения теорий русского художника и интеллектуала Василия Кандинского, Дусбург был очарован абстрактным стилем искусства, в котором были чистые прямые линии и простые геометрические фигуры. Эти творения предпочитали яркие основные цвета, в которых преобладают красные, белые, жёлтые и чёрные.

Тем не менее самое большое влияние на Дусбурга оказал другой голландский художник Пит Мондриан, художник, который был на восемь лет старше его.

DE STIJL

Вместе они основали De Stijl – стиль искусства, который иногда называют неопластицизм. Идея неопластицизма заключается в том, что настоящее искусство или высшая форма искусства не должны изображать обычные пейзажи, которые мы видим вокруг нас каждый день.

Скорее, это должно быть выражением высших идеалов и принципов человеческого духа. Искусство должно отражать внутреннюю жизнь человечества, а не «ложную» иллюзорную внешность.

Ван Дусбург отвлёк своё внимание от живописи в 1920-х годах, сосредоточившись вместо этого на продвижении направления De Stijl в Германии и Франции. Там он оказал влияние на студентов в школе дизайна Баухауза и установил связи с абстрактными и конструктивистскими художниками. Его теории De Stijl впоследствии оказали влияние на модернистских архитекторов Ле Корбюзье, Вальтера Гропиуса и Людвига Миса ван дер Роэ.

Ван Дусбург вернулся к живописи в 1924 году, и тогда он решил ввести диагональ в свои композиции, чтобы увеличить их динамический эффект. Новый этап De Stijl был объявлен ван Дусбургом в его манифесте «Элементаризм», опубликованном в 1926 году.

Ссора

Тео ван Дусбург и Пит Мондриан скоро поняли, что у них были разные философии относительно направления линий в искусстве. С одной стороны, Мондриан считал, что прямая линия имеет огромное значение. Дусбург, с другой стороны, вводил диагональные линии в своих работах. Мондриан считал, что это предательство концепции De Stijl. Часто именно этим объясняется, почему они прекратили дружбу и профессиональную связь.

Раскол между Дусбургом и Мондрианом долгое время был предметом споров среди искусствоведов. Некоторые утверждают, что различия по стилю были основной причиной отчуждения двух друзей, но другие говорят, что это было также из-за столкновения личностей. Дусбург был экстравертом, общительным, в то время как Мондриан был замкнутым одиночкой.

После многих лет избегания друг друга они случайно встретились в парижском кафе. Они немедленно отложили в сторону свои разногласия и возобновили дружбу. Однако у каждого был свой взгляд на искусство.

Выставки и журналы

Ландесмейский музей Веймара представил персональную выставку работ ван Дусбурга в 1924 году. В том же году он читал лекции по современной литературе в Праге, Вене и Ганновере, а Баухауз опубликовал свой «Grundbegriffe der neuen gestaltenden Kunst» (Принципы неопластического искусства).

В начале 1920-х годов, находясь в Германии, ван Дусбург проявил интерес к искусству Дада после встречи с художником Куртом Швиттерсом. Используя псевдоним I. K. Бонсет, он выставлялся как Дадаист в Голландии в 1923 году и опубликовал дада-журнал «Мекано».

В течение 1926 года он сотрудничал с Арпом и Софи Тейбер-Арп в оформлении ресторана-кабаре L’Aubette в Страсбурге. Ван Дусбург вернулся в Париж в 1929 году и начал работать над домом в Мёдон-Валь-Флёри с ван Эстереном. Ван Дусбург был движущей силой формирования группы Abstraction-Création в Париже.

Художник умер 7 марта 1931 года в Давосе, Швейцария.

В период с февраля по май 2010 года в лондонской галерее «Тейт» состоялась обширная ретроспектива работ Ван Дусбурга. Это была первая крупная выставка его работ в Великобритании, включающая картины, рисунки и текст. Выставка исследовала его роль как пропагандиста неопластицизма, его личностей дада и влияние Баухауза, его связи с международными конструктивистами, а также его создание группы Art Concrete. Работы Тео ван Дусбурга находятся в лучших художественных музеях мира.

Для защиты своей художественной позиции, не совпадающей с манерой Мондриана, художник излагает свои идеи в изданном им в 1930 году журнале «Арт конкрет», вышедшем всего один раз.

Его работы:

Композиция противовеса VIII» 1924, Чикаго, Институт искусств; «Витраж III» 1917, Гаага, Королевский музей изобразительного искусства; «Комната в доме Барта ван дер Лигта» 1919, Гаага, Королевский музей изобразительных искусств; «Контра-конструкция, дом художника» 1923, Гаага, Королевский музей изобразительных искусств; «Конструкция цвета в четвёртом измерении пространства-времени, 1924.

Казар Домела Ньивенхёйс · Художник

Голландский скульптор, художник, фотограф и печатник, один из ключевых членов движения De Stijl.

Казар Домела был одним из самых инновационных и влиятельных художников, работающих в Европе в середине двадцатого века, а также одним из ключевых членов движения De Stijl.

Биография

Казар Домела родился 15 января 1900 года в Амстердаме. Он был младшим сыном известного голландского социалистического политика Фердинанда Домела Ньивенхёйс.

Фердинанд Домела Ньивенхёйс – видный деятель голландского рабочего движения, один из первых нидерландских социалистов и пропагандистов марксизма. С 1890-х годов – анархист. Депутат голландского парламента.

В раннем возрасте он переехал в Италию, где общался с несколькими художниками-авангардистами. Только после 1919 года, когда умер его харизматичный отец, Домела стал художником. Он сопротивлялся давлению последователей своего отца продолжать свою работу и поселился в колонии художников в Асконе, Швейцария. Там он разработал абстрактно-геометрическую живопись, которая была связана с неопластицизмом De Stijl. Домела всегда утверждал, что он не знал в то время об этом направлении и самостоятельно разработал свой стиль. По его словам, источником вдохновения было восточное мышление.

De Stijl

Три года спустя он показал в Берлине свои первые абстрактные произведения искусства на выставке под названием November Group. Первая собственная выставка Казара Домелы состоялась в 1924 году в Galeria d’Audretsch. В этом же 1924 году в Париже он встречает Тео ван Дусбурга и Пита Мондриана.

Казар Домела присоединяется к De Stijl, в котором он стал самым молодым членом. Однако его художественное развитие пошло не так, как у большинства его коллег. Он всё больше и больше посвящал время разработке рельефов: трёхмерные картины, в которых он приписывал главную роль диагонали. Он начал работать с множеством разных материалов, что позволило ему поиграть с прозрачностью: дерево, латунь, медь, стекло, оргстекло. Казар использовал кривые линии с 1932 года. Типичными для De Stijl являются работы, которые Казар Домела сделал для коммерческих клиентов, таких как AEG, Osram. В 1926 году он выставлялся с авангардистским Société Anonyme в Нью-Йорке.

С 1927 по 1933 годы его многочисленные авангардистские занятия (живопись, фотография, графика) привели его в Париж и Берлин. Казар Домела присоединился к Ring Neue Werbegestalter, основанному Швиттерсом.

Курт Швиттерс (Kurt Schwitters) – немецкий художник и писатель.

Он участвовал в обзорах Cercle et Carré. После своих исследований в области фотографии он организовал в 1931 году для Государственной библиотеки Берлина выставку «Фотомонтаж». Он также экспериментировал с фотомонтажами для использования в мире коммерческой рекламы. Его работа была хорошо принята, и в 1936 году она была включена в выставку кубизма и абстрактного искусства в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Переезд в Париж

В 1933 году, когда нацизм пришёл к власти в Германии, он окончательно обосновался в Париже. В некотором смысле это было освобождение, потому что здесь Домела больше не чувствовал себя связанным с прямыми линиями неопластицизма. Цветочные и органические формы стали доминировать над его рельефами, или предметами-картинками, как он сам их называл. Они напоминают работы Ганса Арпа, с которым Домела издавал авангардный журнал «Пластика» в 1937–1939 годах.

Хотя он открыл шелкографию (студию для печати в 1934 году), рельеф был по-прежнему его любимое средство. В 1936 году он принял участие в выставке кубизма и абстрактного искусства в Museum of Modern Art in New York City.

Шелкография, или Трафаретная печать, – метод воспроизведения как текстов и надписей, так и изображений при помощи трафаретной печатной формы, сквозь которую краска проникает на запечатываемый материал.

Работы Казара (César Domela) не сильно изменились с 1930-х годов. В этом не было необходимости, потому что он всегда умел сочетать гладкие, грубые, блестящие и матовые материалы в виртуозные, идеально законченные композиции. Он собирал кусочки бакелита, акульей кожи, аллигатора, пергамента, китового уса, латуни, чёрного дерева и других, часто называемых «умными» материалов.

С тридцатых годов художник принимал участие в основных международных демонстрациях абстрактного искусства.

Казар Домела не создавал свои рельефы и рисунки совершенно без намерений.

«Более глубокое значение, которое должны передать мои объекты, – это отдых.

Хотелось бы, чтобы они были отражением уверенности и знания, что душа выполняет и отражает этот строгий порядок», – написал он в 1936 году в одной из своих редких статей

Порядок – это ключевое слово в творчестве Домела. Когда он делал свои рельефы, он ничего не оставлял на волю случая. Он определял составы с точностью до миллиметра и обрабатывал материалы с ангельским терпением, пока они не получали желаемую форму и текстуру. В результате какими бы многочисленными не были его рельефы, они всегда контролируются строгим порядком. В этом отношении Домела всегда оставался верным принципам De Stijl.

Домела был ведущим сторонником «геометрической абстракции», и в 1946 году он основал Centre de Recherche в качестве основы для движения и оказал влияние на многих молодых художников, в частности на Жана Дейролла. В 1947 году он провёл важную выставку в выдающейся галерее Дениз Рене и начал завоёвывать международную репутацию.

К 1954 году у него была ретроспектива в Музее современного искусства в Рио-де-Жанейро и выставка в Музее современного искусства в Сан-Паулу. И уже в 1955 году у него была выставка в музее Стеделийк, Амстердам. В 1960 году Муниципальный музей Гааги приобрёл его работы и провёл ретроспективу. С тех пор были проведены многочисленные крупные музейные выставки. В их числе «Домела: 65 лет абстракции» в Музее современного искусства Парижа в 1987 году. Не стоит забывать и выставку в Музее Шпренгеля, Ганновер в 2007 году.

Казар Домела умер в 1992 году.

Visite

В 1947 году режиссёр Ален Рене выпустил фильм о Казаре – «Visite à César Doméla».

После его смерти его большое количество вещей и работы были переданы в нидерландский институт искусств. В 2009 году две его дочери пожертвовали 9 работ своего отца в Страсбургский музей современного искусства и 13 работ для Муниципального музея Гааги.

Вилмос Гузар · Художник

Вилмос Гузар – один из основателей художественного движения De Stijl. Поклонник кубизма и архитектурной простоты.

Вилмос Гузар – известный в XX веке голландский художник и дизайнер венгерского происхождения.

Биография

Он родился в 1884 году в столице Венгрии Будапеште и изначально имел фамилию Герц. Он учился в Будапештской академии декоративных искусств и переехал в Мюнхен, чтобы продолжить своё обучение в 1904 году. В Мюнхене он встретил Анну Эгтер ван Виссекерке. Они переехали в Гаагу, город, который станет центром концепции De Stijl, в 1906 году.

Там он создавал произведения, которые отражали его большое восхищение Винсентом Ван Гогом. В последующие годы он много путешествовал, а в 1908 году решил окончательно остаться жить в Нидерландах и никогда не возвращался на родину. Родители Анны не приняли их союз, что привело его к браку с её лучшей подругой Джинн ван Тейлинген в 1909 году. Впоследствии у них родился ребёнок.

В этот период он в основном рисовал портреты высшего общества города и создавал свои первые витражи и не терял возможности вступить в контакт с авангардистскими художниками Лондона и Парижа. Вилмос экспериментировал со многими различными стилями рисования с 1906 по 1917 годы. Несколько примеров этих стилей – дивизионизм, фовизм, символизм, футуризм, экспрессионизм и синтетизм. Он назвал этот период современным периодом. В 1912 году у него была первая выставка живописи в Нидерландах.

Через три года он начал встречаться с художниками, которые пробудили поворотный момент в его искусстве. Этими художниками были Барт ван дер Лек, Тео ван Дусбург, Ян Вилс и Крис Бикман. В 1917 году было создано первое издание журнала De Stijl, соучредителем которого стал Вилмос Гузар.

Война и дизайнер

До начала Второй мировой войны он работал в промышленном и коммерческом графическом дизайне. Из-за опасности войны в декабре 1939 года он и его жена Джинн переехали в Хирден, небольшую деревню недалеко от Хардервейка, где он, будучи евреем, чувствовал себя спокойнее.

Во время войны он был активным участником сопротивления Мигчельсена. В 1945 году его жена умерла, и уже через месяц он начал отношения со своей домработницей Анке ван дер Стин, на которой женился в 1953 году. Родители его покойной жены были очень богаты, но после её смерти Гузар остался только со своим ателье. Анке, Вилмос и его ребёнок переехали в ателье. Они были очень бедны, и он продавал свои работы, чтобы выжить.

В последние несколько лет своей жизни он вернулся к живописи в стиле De Stijl.

8 сентября 1960 года Вилмос Гузар скончался в Хардервейке.

Журнал De Stijl

Гузар отвечал за дизайн обложки, а многочисленные статьи, опубликованные в журнале, способствовали определению неопластицизма. В этот период он создавал не фигуративные работы и сотрудничал в проектах дизайна интерьера, таких как дом промышленника Брюнзила с Питом Клаархамером в 1918 году и в разработке мебели с Питом Звартом с 1920 по 1921 годы.

Новые строительные материалы, такие как железобетон и сталь, а также принципы сборных конструкций помогли изменить архитектуру в конце девятнадцатого века. Однако дизайн, как правило, отстаёт от технологий. Архитекторы De Stijl также продолжали проектировать традиционным способом. Только позже они начали экспериментировать с новыми материалами, используя новый архитектурный язык форм, о чём свидетельствуют их квадратные геометрические структурные объёмы часто с рендерингом стен и плоских крыш. Пространственно-цветовую композицию Гузара и Ритвельда можно считать одним из самых удачных интерьеров De Stijl.

Радикальный дизайн

Радикальный пример тотального дизайна можно рассматривать как призыв к объединению живописи, мебельного дизайна и архитектуры, а так же как манифест, касающийся тесной связи между цветом и пространством. Развитие промышленного производства краски сделало яркие цвета, используемые художниками, доступными и для архитектурных интерьеров. Художники De Stijl делали цвет «отдельно от структуры», чтобы освободить здание от его обычного замкнутого характера.

Большинство произведений искусства, созданных Гузаром в период, когда он работал в De Stijl, были уничтожены по его просьбе. Те немногие произведения искусства, которые остались нетронутыми, сейчас находятся в крупных музеях по всему миру.

В 1920 году он покинул De Stijl. Достоверно неизвестно причин его ухода, однако есть мнение, что это произошло из-за борьбы с ван Дусбургом за цветовую схему, разработанную Гузаром. После того как Вилмос покинул De Stijl, он получил много коммерческих заказов. Он сделал много работ в разных стилях, в которых иногда можно увидеть небольшие детали, относящиеся к De Stijl. Например, он нарисовал красную линию на одной из обычных картин.

MISS BLANCHE

В середине 1920-х годов Вилмосу было поручено разработать упаковку, логотипы, рекламные объявления, плакаты, наружные рекламные щиты и настенные росписи для сигарет Miss Blanche Virginia. Это была прекрасная возможность проверить концепцию «Искусство и реклама» на практике. Реклама не должна быть хуже живописи, именно для широкой публики должно быть дано самое высокое в искусстве. До ребрендинга на упаковке была изображена красивая наездница, которая сочетала ловкость в конном спорте и курение, которая рассматривалась как один из первых примеров эмансипации женщин.

В концепции Гузара её верховая одежда уступает место более современной одежде, а дым от сигареты заменяет красное свечение на её кончике. Изменить полностью написание логотипа Miss Blanche было невозможно, так как смена товарного знака была чрезвычайно дорогостоящим финансовым фактором, поэтому художник объединил свою стилизованную наездницу со старым логотипом. Тем не менее ему удалось привнести туда элементы De Stijl.

Ван Каспель · Художник

Johann Georg van Caspel – голландский архитектор, живописец, музыкант, литограф и плакатист.

Ван Каспель был одним из первых голландских художников, который работал над дизайном плакатов и рекламной печатной продукции.

Биография

Иоганн Георг ван Каспель (Johann Georg van Caspel) родился 24 марта 1870 года и стал шестым ребёнком в семье. Его отцом был амстердамский производитель сигар Дэвид ван Каспель, а мать звали Каролина Крамер. В 1884 году Ван Каспель получил свои первые уроки рисования в классе рисования с Морисом ван дер Валком. Хотя ему пришлось изучать право у своих родителей, он пошел в Rijksacademie voor Beeldende Kunsten в Амстердаме, когда ему было девятнадцать лет. Здесь Август Аллебе обучил его рисованию, живописи и лепке.

Иоганн был членом Arti et Amicitiae в Амстердаме, а в 1891 году он получил премию Willink Collen Award, которая была учреждена ассоциацией художников как приз для молодых художников. В 1895 году он покинул академию и оказался в студии своего первого учителя, Маурица ван дер Валька. Здесь он сосредоточился на живописи фигур и портретов. Живопись крупных фигур приблизила его к декоративной живописи. Таким образом началась его карьера как художника по интерьеру, дизайнера. Директор Koninklijke Stoomsteendrukkerij Amand, C. J. Шувер, увидел его работы и сразу же был впечатлён. Он предложил Ван Каспелю прийти и поработать в его типографии.

Amand

Его первый плакат для велосипедной фабрики De Hinde сразу же имел успех. Это оказался очень эффективный способ рекламы, и вскоре эта работа стала самым ярким примером голландских плакатов. Ван Каспель приобрёл международную и национальную известность в 1896 году, после того как его работы были отправлены на международную выставку плакатов в Реймсе (Франция).

Год спустя его работы стали ещё более известными после показа на Международной выставке рекламных материалов в Paleis voor Volksvlijt в Амстердаме. С 1897 года Ван Каспель был художественным руководителем полиграфического бизнеса, который с 1894 года был известен как Steendrukkerij Amand.

Он сделал плакаты для различных компаний, таких как Van Houtens Cacao и Chocolate, Ivens 'Photo Materials и Dutch Revue. Кроме того, он также разрабатывал рекламные объявления, рождественские открытки, календари, открытки и обложки каталогов. В 1903 году его работа для полиграфического бизнеса подошла к концу, и он уехал в Ларен.

Жизнь в Ларене

В 1903 году Ван Каспель поселился в Ларене и подал заявку на строительство загородного дома, спроектированного самостоятельно. В конечном итоге это привело к проектированию и строительству тридцати загородных домов и вилл в Бларикуме и Ларене. Его стиль строительства был вдохновлён известным архитектором Карелом де Базелем. Его время в Ларене было не только наполнено дизайном домов, но он также рисовал картины, в основном натюрморты, цветы и портреты. Эти работы часто заказывались, и поэтому мало что можно было увидеть на выставках.

Он ежегодно выставлялся в Хамдорфе в Ларене. И его работы отличались ухоженной техникой и прекрасными цветами.

Ван Каспель был известным и уважаемым дизайнером плакатов. Он был первым художником, который осознал, что плакат – это, прежде всего, способ рекламы. И также должен соответствовать высоким эстетическим требованиям. Ван Каспель был женат на Гертруиде Марии Хенневельд, с которой у него не было детей. С 1923 по 1926 год он оставался в Брюсселе, а 4 июля 1928 года он умер в Ларене.

В 1990 году Амстердамский исторический музей организовал выставку о жизни и творчестве этого художника.

Стиль Ван Каспеля

34 плаката Ван Каспель сделал в период его карьеры в Koninklijke Stoomsteendrukkerij Amand, они сильно различаются по стилю. Есть очень простые плакаты. Были и очень декоративные с большим количеством деталей и украшений. Стиль, который он использовал для этих плакатов, очень разнообразен. Но среди этих плакатов можно выделить пять категорий. А именно, очень простые и трезвые работы (Ivens & Co. Photo Materials). Это постеры с жёсткими линиями, яркими цветами, людьми на переднем плане и большими площадями.

Вторая категория состоит из очень декоративных и подробных постеров (Patee Rijwielen с непроницаемыми Chase Tires). В-третьих – некоторые плакаты явно вдохновлены стилем модерн (Nieuwsblad voor het Noorden). В-четвёртых, есть очень живописные плакаты (W. Hoogstraaten & Co., «Прекрасные овощи», «Домашние овощные супы и соусы»). И, наконец, есть плакаты, в которых текст и изображение образуют очень разнообразное и комбинированное целое (Nederlandse Gasgloeilicht Maatschappij, ранее J. Selten).

Каспель делал иллюстрации для множества книг с картинками. В 1898 году для книги «Спящая красавица», книги Шарля Перо, обложки с элементами стиля модерн.

В 1924 году он иллюстрировал серию сказок из дальних стран. Его стиль был несколько непоследователен и противоречив: типографские плакаты чередовались с натуралистическим представлением образов муз, девственниц и богинь.

Макс Кисман · Дизайнер

Дизайнер Макс Кисман одним из первых начал широко использовать компьютер при создании плакатов, почтовых марок, шрифтов.

Макс Кисман – пионер цифровых технологий в графическом дизайне и типографике.

Биография

Макс Кисман родился в 1953 году в городе Дутинхем, Нидерланды. Его мать была голландка, а отец – индонезиец. С 1972 по 1977 годы он получал образование в области графического дизайна и иллюстрации. Учился в Академии искусства и промышленности (Энсхеде), а также в Академии Геррита Ритвельда (Амстердам). Изучая изобразительное искусство, Кисман шёл по стопам отца-иллюстратора. Хотя рассматривал графический дизайн как фундаментальную форму искусства.

После окончания обучения он начал путь графического дизайнера. Макс работал в различных издательствах, институтах и музеях. 1982 год, Кисман начинает экспериментировать с компьютерной графикой.

В 1983 году он смог позволить себе первый компьютер Sinclair Spectrum 48K. В середине 1980-х годов Макс впервые применил цифровые технологии в дизайне журналов, иллюстрации и типографии. Как пример стоит рассмотреть работы для журналов Vinyl Music и Language Technology, а также плакаты для концертной площадки Paradiso.

Преподаватель

С 1984 года начинается преподавательская деятельность в:

Академии Геррита Ритвельда; Утрехтской школе искусств; Академии Яна ван Эйка.

В 1986 году он стал одним из основателей типографского и художественного журнала TYP/Typografisch Papier.

С 1989 по 1992 годы Кисман работал и жил в Барселоне, где оцифровал многие свои ранние шрифты для FontShop International.

FontShop International – библиотека шрифтов, основанная в Берлине в 1989 году, в которой хранятся оригинальные мировые шрифты.

В 2002 году Макс основал сайт Holland Fonts, где можно найти его работы. Кисман разработал множество шрифтов, таких как Nevermind, Pacific Sans, Mat & Hari, Xbats, Bfrika и многие другие.

В настоящее время Макс Кисман живёт в Милл-Вэлли, штат Калифорния. Он работает для различных клиентов из США и Нидерланд. Ведёт преподавательскую деятельность, направление – графический дизайн, анимация (в Колледже искусств).

Главная цель Макса – упростить идею. Дизайнер описывает свои иллюстрации, дизайн работы как «пиктографические».

«Мне нравится вычитать шум из ненужной информации, чтобы быть максимально простым», – говорит амстердамский дизайнер.

Награды

В 1989 году Макс получил грант от Нидерландского фонда визуальных искусств. В 1993 году дизайнер был награждён премией зрительских симпатий Роттердамского дизайна и фондом Амстердама Ворса де Кунста Х. Н. Веркманприза. И уже в 1995 году он получил награду в номинации «Дизайн» от города Роттердама, а в 1996 году получил престижную премию HM Werkman за графический дизайн. И в 1997 году компания Wired Television наняла Макса в качестве художественного руководителя.

Работа на VPRO

С 1992 по 1997 годы он был главным графическим дизайнером в телекомпании VPRO, занимался интерактивными медиа для цифрового подразделения. Сотрудничал с онлайн-журналом Hot Wired в Сан-Франциско.

Сторонник простых, чётких образов. В результате он использовал ограничения компьютера и расширил их. Вместо Cubicomp он работал на менее продвинутой Amigo Comp. Его трёхмерные компьютерные анимации состояли из имеющихся в компьютере основных форм: куба, шара и конуса.

Также явно заметна любовь Кисмана к шрифту. Он экспериментировал и разработал много новых шрифтов, таких как Fudoni (сочетание Futura и Bodoni). Он почти не использовал официальный логотип VPRO, вместо этого применял свою собственную форму букв VPRO как альтернативные логотипы.

Серия марок «Красный Крест»

Кисман сделал сотни дизайн-работ для «Красного Креста». Вручную рисовал, вырезал, создавал коллажи фотографий – собрав всё в тетрадь, из которой в итоге были выбраны три лучших рисунка. Изображения коллажей удивительны, кажется, возвращают нас к иллюстративному дизайну шестидесятых. Особенно к работам таких голландских дизайнеров, как Дика Эллферса, Жерара Доу.

Кстати, к теме почтовых марок дизайнер возвращается в начале 1990-х годов, но уже на Apple Macintosh. С этим компьютером связано и его пристрастие к компьютерным шрифтам.

Вырезанные элементы были нарисованы в цифровом виде на компьютере, так что он мог свободно экспериментировать. В TYP/Typografisch Papier (Нидерланды, 1987) он написал:

«Относительно простым способом компьютеры используются дизайнерами, где чаще всего дизайнер – технология, которая определяет изображение.

Компьютер помог в дальнейшей разработке уже созданных коллажей и эскизов дизайнов штампов. Благодаря множеству доступных приложений для дизайна и рисования. Например, повторяющийся визуальный элемент, такой как слово «Nederland», может быть скопирован (Ctrl + C). Каждый раз, когда это необходимо, его можно добавить (Ctrl + V)».

Шрифты

Самые известные шрифты Кисмана, созданные в начале компьютерной эры, были опубликованы в знаменитом издании Рика Пойнора: «Typography Now: The New Wave». В издание также входили работы Зузаны Личко, Невила Броуди и других первопроходцев «цифрового дизайна».

Шрифты от Макса Кисмана:

FF Scratch, FF Fudoni, FF Jacque, FF Vortex, Tegentonen, MaxMix One, Traveller, Zwart Vet.

«Шрифтовой дизайн эмоционален. Я заканчиваю творческий процесс разработки шрифта только тогда, когда он помогает передать мысли и чувства, которые я хочу донести до зрителя».

Зачастую Кисман вкладывает смысл и в название шрифта. Так, Bfrika – это микс лозунга «Africa be free».

В названии шрифта Mundenge Rock, созданного для оформления компакт-диска мировой музыки, отчётливо звучит заирский диалект:

Mundenge – это молодёжный танец и ритм тяжёлого рока.

Почти все его шрифты созданы для конкретных графических работ: журнальных разворотов, плакатов, телевизионной анимации, сайтов.

Например, шрифт Chip (1996) разработан для прозрачной телефонной карты компании Royal Dutch Telecommunications. Шрифт Interlace (1997) спроектирован для телевидения, а шрифт Benedot (1998) был впервые использован на развороте журнала Wired.

И наконец, шрифты Pacific Collection (2001) созданы для 30-го Международного фестиваля фильмов в Роттердаме, и шрифт Submarine (2003) используется в системах навигации веб-сайтов.

Бен Бос · Дизайнер

Влиятельный голландский графический дизайнер и ключевой член новаторской фирмы Total Design в течение 28 лет.

Биография

Бен Бос родился в Амстердаме 27 августа 1930 года. В 1953 году он начал работать в компании Ahrend, занимающейся канцелярскими товарами, в качестве копирайтера и ассистента по рекламе. Он заинтересовался графическим дизайном и сначала прошёл годичный вечерний курс в Амстердамской графической школе, а затем пятилетний вечерний курс в IvKNO (Gerrit Rietveld Academy). Он с отличием окончил оба учебных заведения. Помимо работы на полный рабочий день в Ahrend к тому времени в качестве арт-директора, Бос также работал на Вима Кроувела, одного из его преподавателей в IvKNO.

Работа в студии Total Design

В 1963 году он присоединился к вновь созданной дизайн-студии Total Design. До этого момента почти все голландские дизайн-проекты были поручены иностранным компаниям. В Нидерландах не было крупного дизайнерского агентства, и, чтобы заполнить этот пробел, был создан Total Design. Бен начинал как руководитель студии, но вскоре обнаружил, что будет лучше, если он возглавит собственную команду дизайнеров. Бен специализировался на редакторском дизайне и фирменном стиле и постепенно развивал собственную философию дизайна. За 25 лет его команда реализовала около 120 стилей домов.

Total Design был одним из первых представителей голландского дизайна, стиля и движения, который родился в 1960-х годах благодаря графике и экспортировался по всему миру.

Агентство имело огромный успех в 1960-х годах, число сотрудников только росло, и оно смогло сохранить своих постоянных клиентов, таких как Randstad и Амстердамский музей Stedelijk. В 1960-х и 1970-х годах были изготовлены вывески для аэропорта Амстердама, нефтяной компании «PAM» и голландский павильон для Международной выставки в Осаке 1970 года.

Total Design оказывал глубокое влияние на графическую среду Нидерландов на протяжении нескольких десятилетий. В 1990-х годах Total Design превратилась из смешанного агентства в классическое дизайнерское агентство и, наконец, стала организацией, занимающейся разработкой индивидуальности, корпоративного имиджа и управления репутацией, другими словами, гораздо более стратегическим подходом.

В 2000 году Total Design изменила своё название на Total Identity, чтобы подтвердить это новое положение и обеспечить устойчивое будущее. Вклад Total Design в голландский дизайн заключался в аналитическом и функциональном подходе.

Свободный дизайнер

В 1991 году, будучи членом правления Total Design, Бос покинул дизайн-студию, потому что был недоволен политикой.

«Он был удивительным дизайнером, у которого была своя собственная подпись, и он был бесценным для Total Design», – сказал Кроувель.

После короткого периода в качестве директора по дизайну в «2D3D» он продолжил работать в качестве внештатного дизайнера, консультанта и писателя для других компаний. Он поддерживал длительные отношения с клиентами, в том числе со своим старым работодателем Ahrend и агентством по трудоустройству Randstad. Все его работы сосредоточены вокруг одного ключевого слова: простота.

Для него было важно создать что-то совершенно понятное для всех. Логотип Randstad, созданный им в 1966 году, является одним из старейших логотипов, которые до сих пор используются в Нидерландах.

В 1992 году по инициативе Бена Босса был основан Nederlands Archief Grafisch Ontwerpers (архив Голландских графических дизайнеров) (ныне объединённый в Институт Вима Кроувела).

Бос является автором многочисленных статей в национальной дизайн-прессе и нескольких книг по графическому дизайну, его истории, управления дизайном и фирменному стилю.

Преподаватель

В течение долгого времени Бен Бос работал преподавателем в Stichting Reclame Marketing (Фонд рекламы и маркетинга SRM), Leidse Onderwijsinstellingen (Лейденские образовательные учреждения LOI) и Verbond Nederlandse Ondernemingen VNO (Конфедерация промышленности и голландских компаний VNO). Он был одним из основателей дисциплины Design Management в Ichthus Hogeschool Rotterdam, где он также преподавал (1996–2000). Благодаря своему опыту он проводил лекции в Европе, США, Израиле и даже Японии.

В 1973 году он был удостоен награды Франса Дювара от города Амстердам. В 1978 году он был выбран для членства в Международном графическом альянсе (AGI). В 1998 году он был объявлен почётным членом BNO.

Бен Бос публиковал статьи в голландской и международной торговой прессе. В 2000 году появилась его монография «Дизайн всей жизни». В 2002 году он опубликовал «Huisstijl, de kern van de zaak», а в 2011 году – «TD 63–73: Total Design и его новаторская роль в графическом дизайне». Одарённый писатель, Бен обладал энциклопедическим знанием истории графического дизайна и умело использовал его. Он был тем редким человеком, талантливым практикующим и естественным коммуникатором.

Размышляя о роли дизайнера, Бос однажды сказал: «Дизайнер работает с информацией, которую он обычно получает от других, используя форму, цвет, структуру, изображение, букву, время или пространство, и в целом отвечает за реализацию и/или умножение».

Выставка

В 2000 году в городе Бреда была организована выставка «Бен Бос, дизайн всей жизни», целью которой было донести до всех людей как можно больше его работ, а именно сотни логотипов. Он был чрезвычайно страстным и занятым человеком, который жил настоящим моментом. Ни одна секунда, казалось, не прошла даром для него.

Бен Бос скончался 3 января 2017 года в возрасте 86 лет.

Бос является обладателем многочисленных наград, таких как: Brno Biennale (1970 и 1996), Frans Duwaer Award (1970), World Logotype Award (1998), AGI's 'Oscar', Henri Award (2007).

Карел Мартенс · Дизайнер

Сейчас клиентами Мартенса являются крупнейшие издательства, архитектурные компании и многие другие учреждения.

Карел Мартенс – один из самых влиятельных дизайнеров в Нидерландах и во всём мире.

Биография

Карел Мартенс родился в 1939 году в Мук-ан-Мидделар, Нидерланды. В конце 1950-х годов он учился в художественной школе Арнема, где изучал иллюстрацию и другие предметы, слушая лекции художника, потому что в то время не было такого понятия, как дизайнерское образование.

После окончания обучения в 1961 году он стал работать в качестве внештатного графического дизайнера, специализирующегося на типографии. Вместе с тем он всегда делал бесплатные (не по заказу) графические и трёхмерные работы.

Дизайн

С 1975 по 1981 год он сделал множество обложек для SUN Publishers. На этих обложках явно прослеживалось влияние швейцарского стиля с плавными композициями, наложениями, повторениями и абстрактными формами. Именно в этот период Мартенс начал собирать различные куски металла, которые он находил, и начал использовать их в своих работах. Он испытал прозрачные цветовые наложения, которые оказались настоящими цветовыми переживаниями. Все эти эксперименты открыли ему новые возможности, которые оказались очень полезными для использования в других областях его работы. В течение своей карьеры он также работал с трёхмерным пространством в архитектуре, создавая вывески и фасады типографских зданий, например, Veenam Printers Ede.

Он также спроектировал пристройку к зданию филармонии в Харлеме, этот дизайн был основан на музыкальной партитуре Луи Андриссена.

В 1977 году Карел начал преподавать графический дизайн в художественной школе в Арнеме, а в 1994 году ушёл в Академию им. Яна ван Эйка в Маастрихте, где преподавал до 1999 года.

С 1997 года он преподавал на факультете графического дизайна в Школе искусств Йельского университета.

Работа на правительство

С 80-х годов Карел Мартенс начал работать на правительство Нидерландов. Он создал много интересных предметов: монеты, почтовые марки и телефонные карточки. Эта последняя работа дала ему долгожданную возможность работать с числами и цветами. Он сделал семь разных карт, каждая с несколькими числами, наложенными на разные цвета. Между этим проектом и автором существует мост, состоящий из кода, в котором комбинации чисел соответствуют буквам алфавита. Именно через эти произведения чувствуется глубокая чувствительность художественной мысли этого человека.

Он не просто делает то, что его просят – карту для телефонов, – он привносит всю свою мудрость и креативность в этот объект, делая его не только полезным, но и графически хорошо представленным.

Награды

В 1993 году он был удостоен премии имени Н. Н. Веркмана за дизайн архитектурного журнала OASE. В 1996 году он получил премию доктора А. Хейнекена за лучший графический дизайн в Голландии. В рамках этой премии была опубликована монография о его творчестве «Карел Мартенс: Печатная продукция», разработанная в сотрудничестве с Яапом ван Триестом. Его работы были трижды номинированы на Премию дизайна в Роттердаме: в 1995 году за разработку стандартной серии телефонных чип-карт для PTT Telecom, в 1997 году за книгу «Карел Мартенс: Печатная продукция», в 1999 году за проектирование фасада типографии Veenman в Эде. В 1998 году на Лейпцигской книжной ярмарке его книга под названием «Печатная продукция», содержащая потрясающие страницы его цифровых и традиционных печатных работ в области печати, была награждена золотой медалью как книга с лучшим дизайном «во всём мире».

В 2002 году он получил премию Геррита Нордзи за выдающийся вклад в области дизайна шрифтов, типографики и обучения шрифтов. На протяжении многих лет его книги регулярно участвовали в ежегодном конкурсе Best Designed Dutch Books.

Werkplaats Typografie (WT)

В 1998 году Мартенс вместе с Виггером Биермой основал собственную типографию Werkplaats Typografie (WT) для последипломного образования в ArtEZ, Институт искусств, Арнем. Эта школа находится в том же здании, что и радио распределитель в Арнеме. Учителя и ученики работают в студии совместно, чтобы облегчить общение между ними. Это место, где обсуждаются идеи, где кто-то учится у других и где Мартенс также параллельно работал с реальными компаниями. Студентов приглашали помочь в разработке архитектурного журнала OASE. То, что начиналось как студенческий журнал, стало профессиональным международным журналом, где основными темами были критический подход к архитектуре, городскому дизайну и ландшафтной архитектуре.

Успех журнала OASE также обусловлен чрезвычайной чувствительностью Карела Мартенса, что проявляется как в его цветовых сочетаниях, так и в чёткой связи дизайна и архитектуры в его работах. С 2001 года он разделил художественное руководство вместе с Армандом Мевисом и Полом Эллиманом. В 2006 году WT была аккредитована в качестве двухлетней магистерской программы графического дизайна. В 2014 году Карел Мартенс покинул WT.

Мартенс в настоящее время является наставником в магистерской программе факультета контекстного дизайна в Эйндховенской академии дизайна.

Совсем недавно его работы были показаны в музее Ван Аббемузе, Эйндховен и Уилфрид Ленц, Роттердам (2018), в Мюнхене, в Музее подвижной практики, Гент (2017) и в Нью-Йорке (2016). В творчестве Карела Мартенса сочетаются почти математическая точность и выдающееся чувство цвета, перфекционизм и минимализм. Редкая и особенная вещь для живого художника, его работы сегодня признаны эталоном в мире графического дизайна и пластических исследований. Когда он начал учиться, в программе не было курсов по графическому дизайну. Пятьдесят лет спустя это эмблема голландского модернистского дизайна.

Барт ван дер Лек · Художник

В 1934 году Барт ван дер Лек получил в подарок небольшую печь и начал экспериментировать с керамикой.

Барт Ван дер Лек – известный голландский художник и дизайнер. За свою жизнь он создал много талантливых работ, которые ныне хранятся в различных музеях и частных коллекциях.

Биография

Барт Энтони Ван дер Лек родился 26 ноября 1876 года в Утрехте, Нидерланды. В простой рабочей семье, в которой он рос вместе с двумя братьями и сестрой, мало значения придавалось интеллектуальному развитию детей. В возрасте четырнадцати лет он поменял школьную скамью на обучение ремеслу в различных утрехтских мастерских по обработке стекла. В одном из них он встретил в 1893 году архитектора Пита Клаархамера, под опекой которого он начал развиваться. В 1900 году он переехал в Амстердам и поступил в Rijksschool voor Kunstnijverheid.

С 1901 года он также посещал вечерние занятия Rijksacademie van Beeldende Kunsten. Оба курса были успешно завершены в 1904 году, после чего Ван дер Лек сосредоточился на прикладном искусстве, часто сотрудничая с Клаархамером. В 1905 году, например, они представили великолепное литографированное издание «Песнь Соломона». Клаархамер каллиграфировал текст прямо на камне, а Барт разработал иллюстрации.

После учёбы в Амстердаме он вёл кочевой образ жизни. В Энсхеде в 1906 году он встретил свою будущую жену Берту, учительницу из Гланербруга.

Э́нсхеде, ранее – Энсхеде́ – город и община в Нидерландах в провинции Оверэйссел, находится в самой восточной части страны на границе с Германией.

Опыт Ван дер Лека как художника по стеклу, естественно, сыграл важную роль в его проектах. Его время в стеклянных мастерских, которые он описал как «художественное изготовление и мастерская работа», научило его видеть цвет как свет, заставило его осознать определённые и пространственно изолированные формы и развило его понимание сочетания живописи и архитектуры.

Живопись

С 1906 года его стиль живописи претерпел серьёзные перемены. Он попал под влияние амстердамских импрессионистов и нарисовал серию портретов, в том числе некоторых пожилых женщин. Эти работы примечательны своей дотошной реалистичностью и скромной, почти монохромной тональностью цвета.

В 1907 году Ван дер Лек решил отправиться в Париж со своими сокурсниками, такими как Кейс ван Донген и Лодевийк Шелфхаут. Невообразимо плохие социальные условия во французской столице произвели на него наибольшее и неизгладимое впечатление. Этот опыт вызвал тематические изменения в его работе. Вдохновлённый египетским искусством, которое он видел в Париже, Барт Ван дер Лек медленно, но последовательно развивал личный монументальный реализм, в котором индивидуальные характеристики и случайные формальные элементы становились всё более абстрактными.

Хелен Крёллер-Мюллер

В 1913 году Ван дер Лек был представлен коллекционеру произведений искусства Хелене Крёллер-Мюллер и начал важный этап своей карьеры, работая над важными поручениями для неё и её мужа. В 1914 году он присоединился к «Управлению недвижимостью Wm H. Müller & Co». В том же году Хелен Крёллер-Мюллер поручила ему разработать большой витраж для штаб-квартиры компании в Гааге на тему горнодобывающей деятельности компании. Барт отправился на рудники компании в Испании и Алжире и вернулся с более чем сотней рисунков и акварелей.

Они сформировали не только основу для большого окна, но и важный резервуар новых образов, которые он будет регулярно использовать позже. В дополнение к витражу он также разработал плакаты для компании Batavia Line, мозаики для офиса в Лондоне и для фермы в поместье семьи, типографские рисунки для Хелен. В 1916 году Ван дер Лек переехал в Ларен. Там он закончил две самые важные картины за всю свою карьеру: «Буря» и «Работа в доках». Обе картины показывают радикальное упрощение цвета, формы и содержания.

Журнал De Stijl

В Ларене Барт Ван дер Лек познакомился с Питом Мондрианом, который своим строгим упорядочением горизонталей и вертикалей, своей чрезвычайной абстракцией и ритмичной системой линий и плоскостей произвёл на него огромное впечатление.

В 1917 году Барт Ван дер Лек стал соучредителем журнала De Stijl. Он рассматривал одноимённое движение как средство общения с коллегами и писал страстные просьбы о плодотворном союзе архитектуры и живописи. Однако важность, которую он придавал (хотя и абстрактно) изображению реальности, не разделялась другими членами группы, включая Тео ван Дусбурга и Пита Мондриана. Несмотря на их взаимное уважение, Мондриан и Ван дер Лек пришли к окончательному разрыву из-за их разных взглядов.

Эксперименты с керамикой и архитектурой

В двадцатых годах Ван дер Лек создавал в среднем только четыре картины в год, которые в итоге попадали в привилегированный верхний слой населения. Он выставлял относительно мало и лишь изредка предпринимал попытки дать своей работе более широкое распространение, например, печатая дешёвые фотографические литографии недавних картин. Они, однако, также нашли свой путь в основном в устоявшуюся художественную элиту, поскольку широкая публика была далеко не готова к такой авангардной форме визуального искусства.

В конце 1920-х и 1930-х годах Ван дер Лек искал возможности применить свои живописные идеи в архитектуре. Metz & Co в Амстердаме поручил ему разработать обивочные ткани и ковры, которые были запущены в производство в 1929 году.

Универмаг в Амстердаме, Нидерланды, основанный в 1740 году, который был закрыт в 2013 году.

В 1934 году Барт Ван дер Лек получил в подарок небольшую печь и начал экспериментировать с керамикой. Из его тетрадей ясно, что ему потребовалось много времени, чтобы перевести свой чистый стиль живописи с основными цветами на белом поле в эту новую среду, однако к 1936 году он освоил технику остекления. Он изготовил несколько серий плиток с изображением фруктов, птиц и голов животных, две серии тарелок и даже вазы с геометрическими формами.

Барт Ван дер Лек умер за две недели до своего восемьдесят второго дня рождения 13 ноября 1958 года.

После своей обычной утренней прогулки он умер в своей студии, сидя за мольбертом.

Droog Design · Студия

Кароль Байингс и Стефан Шолтен

Scholten & Baijings делают вещи, которые люди хотят и покупают. Они занимают уникальную позицию в голландском дизайне. Их работа минималистичная, но в то же время богата деталями и выразительностью. Всё благодаря кустарной отделке и сбалансированной, но мощной цветовой палитре.

Зарождение студии

Они познакомились в конце 90-х годов, когда Кароль Байингс работала в агентстве, которое попросило Шолтена спроектировать небольшой бар для их офиса. Стефан с детства был окружён дизайнерской классикой. Отец Стефана был управляющим банком, вследствие чего семья каждые два-три года переезжала в другой город, от Амерсфорта до Леувардена. Там его родители иногда расширяли свою дизайнерскую коллекцию. Это дало ему раннее представление об интерьере, форме, цвете и атмосфере. Он также увлекался рисованием в детстве.

Всё изменил день открытых дверей в Академии дизайна в Эйндховене, он сразу влюбился в профессию дизайнера. Шолтен окончил Академию в 1996 году. Это время было расцветом Droog Design. Кароль росла непримечательной, тихой девушкой. В детском саду она очень любила рисовать и раскрашивать. Она рисовала всё: от людей до стульев и столов. У Кароль нет специального образования, она дизайнер-самоучка.

Scholten & Baijings

Партнёры в работе и жизни, они создали дизайнерскую студию Scholten & Baijings в 2000 году. С тех пор их творчество превратилось в естественное разделение труда, Стефан фокусируется на идеологии, а Кароль – на деталях и производстве. Их дом и семья, как известно, образует полигон для тестирования каждого продукта, который они производят.

Scholten & Baijings использует сетки, освещение и графическое разделение областей. Чёткое внимание к мастерству и традициям создаёт хороший баланс между дизайном и функциональностью. Части их работ включены в постоянные коллекции Центрального музея Утрехта, Музея Стеделийка в Амстердаме и Голландского музея текстиля в Тилбурге. Тем временем они создали прочную международную позицию и работают на ведущие бренды из своей прекрасной студии.

Mini

В 2012 году на выставке INTERNI Legacy в Cortile del 700 Миланского университета они представили MINI (BMW Group) в качестве одного из главных героев дизайнерской инсталляции COLOR ONE for MINI.

Стефан и Кароль очищали MINI One, как лук, слой за слоем, анализируя автомобиль как таковой и его отдельные компоненты. Применив свой концептуальный подход, дизайнеры подвергли сомнению практически все аспекты проектирования, извлекая сущность каждого компонента, независимо от того, было ли это выявлено в его основе или во время самого процесса демонтажа. Голландские дизайнеры дополнили раздетые детали цветом и текстурой в характерной моде Scholten & Baijings.

В тесном сотрудничестве с командой дизайнеров MINI это не только привело к очень свободной интерпретации рамы, но и породило так называемые «художественные детали» – компоненты, которые были извлечены целиком из автомобиля.

Всё это дает совершенно новый взгляд на дизайн автомобиля. В своей де конструированной форме сиденья и ремни безопасности напоминают о раллийном наследии бренда и были отделаны специально разработанными тканями. Двери были сняты и выставлены отдельно от автомобиля с трёхмерными золотистыми текстурами или матовой фарфоровой краской, разработанной совместно с MINI Design. Сумки, встроенные в раму, и солнцезащитный козырёк, который служит сцеплением, увеличивают потенциальный спектр эстетической ре интерпретации Scholten & Baijings.

Arita Japan

1616/Arita Japan – один из старейших и самых известных производителей фарфора в Японии. В 2009 году они попросили Кароль, и Стефана создать коллекцию посуды. Получившаяся коллекция Color Porcelain включает тарелки, чашки, миски, сервировочные тарелки и чайный сервиз и была выпущена в трёх сериях – Minimal, Colourful и Extraoral. Названия относятся к количеству цветов, деталей и рисунков, используемых в каждом диапазоне.

Коллекция для Ариты была непростой задачей для Scholten & Baijings, поскольку они привносили свой фирменный красочный стиль в индустрию с исторической опорой на искусственную белизну. Scholten & Baijings убедили Ариту сохранить натуральный фарфоровый цвет, нежный серо-белый оттенок, который послужил основой для добавления специально разработанных глазурей. Коллекция Color Porcelain, вдохновлённая как старым каталогом Ариты, так и новыми сочетаниями традиционных японских цветов из местных исторических произведений. Коллекция отличается ярким диапазоном акварельно-голубой, светло-зелёной, красно-оранжевой и жёлтой охры.

Established & SONS

Ещё один выдающийся проект – шкаф Amsterdam, придуманный по заказу Established & Sons, бренда, который славится умением сочетать новейшие технологии с ремесленными приёмами. Сколоченный из досок, крашенный в нежные цвета шкаф повторял оригинальную голландскую форму XVII века.

На внутренних сторонах дверей – ч/б принты-натюрморты с набором предметов, типичных для полотен старых мастеров. Ножки – шары розового оттенка – сделали стеклодувы. Особый шик этой вещи в том, что реальный объект выглядит как компьютерная модель.

Georg Jensen

Одна из заметных работ дуэта – сервиз Tea with Georg для датской компании Georg Jensen. За основу взята традиционная чайная церемония, принятая в Японии, но добавлены кофейники и кофейные чашки в угоду голландцам, предпочитающим кофе.

Самое поразительное сочетание материалов: чайники, кофейники, сахарницы, устройство для кипячения воды сделаны из нержавейки, а чашки, блюдца – из тонкого фарфора, окрашенного вручную. Есть подозрение, что фарфор появился как носитель специфического цвета, который маркирует фирменный стиль Scholten & Baijings.

Ottoman

Среди последних работ – коллекция Ottoman для итальянской фабрики Moroso: в силуэте предмета ощутим востребованный дух 1950-х, в обивках фирменные цвета плюс «винтажная» мелкая геометрия. Градус модности ребята не теряют.

Ikea

В начале 2018 года они разработали новую серию аксессуаров и покрытий, чтобы дать новую жизнь двум классикам Ikea: двухместному дивану Klippan и креслу Poäng.

Серия была выпущена в ограниченном количестве.

Награды

Scholten & Baijings нашли применение во всех сферах производственного спектра: от товаров для массового рынка до эксклюзивных концепций высокого класса.

Работа студии была отмечена четырьмя наградами Dutch Design Awards и тремя наградами ELLE Decoration International Design.

В 2015 году Phaidon опубликовал первую монографию Reproducing Scholten & Baijings.

Их клиентами являются Институт искусств Чикаго, Музей Виктории и Альберта, Купер Хьюитт Смитсоновский Музей дизайна, Рейксмузеум, Музей Бойманса Ван Бёнингена, Георг Йенсен, Герман Миллер, Maharam, Established & Sons, датский бренд Hay и многие другие.

Польша

Роман Чеслевич · Дизайнер

Являлся одним из главных создателей «польской школы плаката». Был одним из представителей членов Alliance Graphique International (AGI)

Был учеником Львовской школы промышленного дизайна (1943–1946 годы). Также Чеслевич обучался в мастерских Чеслава Жепинского, Збигнева Пронашки, Мечислава Веймана. После того как он окончил обучение в академии, переехал в Варшаву, там стал проектировать плакаты для Центрального фильмофонда, Художественно-графического издательства (WAG), Польской внешнеторговой палаты.

Работал сначала в Варшаве, а затем в Париже.

Журналы и графика

Вместе с варшавским Литературным музеем организовал в Париже выставки «70 рисунков Бруно Шульца» (1975) и «Портреты в произведениях Станислава Игнация Виткевича» (1978). Проектировал плакаты для Художественно-графического издательства (WAG), также для Центрального фильмофонда и Польской внешнеторговой палаты. Увлекался плакатами, газетной и книжной графикой, также типографией, фотомонтажом, фотографией и различной выставочной деятельностью.

Чеслевич разрабатывал дизайн для журнала Ty i Ja (а в 1959–1962 годах являлся его художественным руководителем), в том числе для журнала Polska и каталогов варшавской галереи Galeria Współczesna. Сотрудничал с такими издательствами, как Iskry, PIW, Czytelnik, «Художественно-графическим издательством», а также с многочисленными организациями.

Известные работы

Его карьера – своего рода мост в Европе, разделённой холодной войной. Чеслевич привнёс сюрреалистическую фантазию в визуальную культуру коммунистической Польши, а затем, после переезда в Париж в 1963 году, занял критическую позицию к потребительскому влиянию Запада.

Занимался разработкой дизайна для журнала Ty i Ja, журнала Polska и каталогов варшавской галереи Galeria Współczesna.

Являлся одним из главных создателей «польской школы плаката». Был одним из представителей членов Союза польских художников, Alliance Graphique International (AGI), а также International Center for the Typographic Arts.

Alliance Graphique Internationale – это клуб ведущих мировых художников и дизайнеров. Есть 497 членов из 39 стран. Его члены коллективно отвечают за дизайн идентичности большинства ведущих мировых корпораций.

Любил заниматься оформлением выставок. Оформлял павильон предприятия «Электрим» в Пекине (в 1961 году), в том числе павильон «Це-Те-Бе» на Международной выставке в Познани (в 1963 году). А в 1979 году удалось снять фильм для парижского Institut National Audiovisuel под названием «Изменение климата».

Плакаты и их мотив

Он создавал плакаты и афиши, герои его работ становились различные выдуманные и не очень персонажи. Часто можно увидеть в его работах подтекст антикапиталистического лозунга. В своих плакатах он охотно применял такие детали, которые путём последующих репродукций и трансформаций превращались в чёткий знак, также Чеслевич любил использовать сильно увеличенный растр и эффект зеркального повторения на изображениях.

В работах Романа Чеслевича можно найти всевозможные сочетания разнообразных интеллектуальных и эмоциональных мотивов. Такие сочетания определялись умением автора связывать в одно целое все художественные формы и слова, что позволяло эффективно использовать язык понятных для зрителя образов.

При создании своих произведений Роман Чеслевич пользовался безграничным арсеналом всевозможных художественных средств, а именно от картин старых мастеров до современных фотографий из газет и журналов. Очень часто его произведения с помощью метода ассоциаций напрямую обращаются к нашему подсознательному.

Также отъявленных злодеев по версии капиталистов, Эрнесто Че Гевара или же как антипод Супермена, хотя подтекст таких работ не всегда восторженно воспринимался публикой.

Польская школа плакатов и афишного искусства всегда тонко чувствовала и реагировала на изменения в политике, и Роман не избежал этого пагубного «пропагандируемого» движения, хотя это очень хорошо отразилось на насыщенности и смысловой нагрузкой его образности.

Германия

Дитер Рамс · Дизайнер

Благодаря нововведениям стиль Braun и сама компания в 60-х олицетворяла современность и прогресс. В наше время предметы, над дизайном которых работал Дитер Рамс, удостоены чести.

Дизайн и функциональность показывают качество продукта и его популярность в долгосрочной перспективе, а пока вы это осознаёте, рассмотрим работы немецкого дизайнера.

Дитер Рамс на долгие годы вперёд определил, как будут выглядеть вещи, которыми мы сегодня пользуемся, и создал особую философию дизайна, заложив основные принципы. Дизайн техники Apple, например, основан на этих принципах.

Немецкий дизайнер родился в 1932 году, в 1947-м поступил в Висбаденскую художественную школу, но, проучившись всего год, прервал обучение и 3 года работал в столярной мастерской в Келькхайме. В 51-м вновь вернулся в художественную школу, которую закончил с отличием в 1953 году. Затем 2 года проектировал здания консульств в Западной Германии. Его руководителем в то время был архитектор Отто Апель.

Дитер Рамс и Braun

В компанию Braun Рамс устроился в 1955 году. С этого момента и до 96 года его жизнь и работа связаны с этой фирмой. Позже, уже заслужив определённую известность в области дизайна бытовой техники.

Дитер Рамс привнёс в мир братьев Браун успех, значимость и любовь потребителя. Но почему же большинство отличительных деталей стиля Дитера были утеряны?

Чёткие границы, визуальная идентификация органов управления, светлые естественные тона и благородные материалы были забыты.

Но возникают и качественные продукты даже в таких сложных для дизайна рамках, как: исследования потребительских предпочтений.

Дитер Рамс и Vitsoe

Дитер Рамс помогал своему другу Нильсу Витсо (компания Vitsoe) разрабатывать дизайн мебели. Именно благодаря этому сотрудничеству появились специальные офисные стулья и полки.

Дитер Рамс с 1962 года по 1995 год создал функциональную сетку дизайн координат для Браун. И чётко сформулировал свои принципы.

10 принципов Дитера Рамса

У Дитера Рамса есть и собственный проект Dieter and Ingeborg RamsFoundation, который он основал совместно с женой для продвижения своей философии дизайна. Идея создания проекта появилась у дизайнера ещё в 1980-х. Философия включает следующие принципы правильного дизайна:

1. Инновационность. Дизайн невозможен без современных, инновационных технологий.

2. Функциональность. Вещь должна быть функциональной и удобной в использовании.

3. Эстетичность. Красота важна.

4. Предсказуемость. Дизайн подсказывает потребителю, как использовать предмет.

5. Нейтральность и сдержанность. Дизайн не должен отвлекать от функциональности.

6. Честность. Дизайн не скрывает недостатки продукта.

7. Актуальность, а не мода – мода быстро проходит.

8. Продуманность. Ничего лишнего, и всё нужное есть.

9. Экологичность, предмет должен быть максимально безвреден для окружающей среды.

10. Сконцентрированность на главной функции. При разработке дизайна лучше сосредоточиться на основном, для чего создан продукт, не перегружая предмет дополнительными возможностями.

Дитер Рамс использовал свои принципы при создании сотен вещей – прототипов сегодняшних калькуляторов, электробритв, фенов, часов, колонок и магнитофонов. Благодаря его гению в дизайне бытовых предметов появились: пластиковые детали корпуса, цветовое кодирование различных кнопок (например, красная для записи, зелёная для проигрывания), один выключатель для включения/выключения и регулировки громкости на радиоприёмнике, транзистор (до этого использовались громоздкие лампы), кнопки управления на внешней стороне прибора, модульные системы в технике (отдельно можно купить динамики, магнитофон, стереофоническую установку).

Он также предложил ввести единое цветовое и стилистическое решение для бытовых предметов, чтобы удобнее было сочетать модули.

Награды и признание

Использование которых можно заметить в ряде продуктов, отмеченных наградой от RedDot, а это значит, что функционализм Дитера Рамса продолжает радовать качественными продуктами и сейчас.

Благодаря нововведениям стиль Braun и сама компания в 60-х олицетворяла современность и прогресс. В наше время предметы, над дизайном которых работал Дитер Рамс, удостоены чести выставляться в многочисленных музеях разных стран. Например, в Музее современного искусства на Манхэттене. А разработанные им принципы применяют многие дизайнеры – последователи функциональной школы. В 2010 году Международная школа Дизайна в Кёльне вручила Рамсу премию за заслуги в области промышленного дизайна.

Герберт Байер · Дизайнер

Жизненный путь Герберта Байера тесно связан с направлением Bauhaus. Начиная учеником и принимая активное участие в развитии движения Bauhaus, он спустя несколько лет стал одним из главных представителей этого проекта.

Биография

Герберт Байер родился в 1900 году в Австрии в деревне рядом с Зальцбургом.

Когда Байеру было 19 лет, он начал трудиться у художника Георга Шмидтхаммера. В его мастерской он учился и создавал рекламные плакаты и постеры.

Германия и работа в Bauhaus

В возрасте 20 лет Герберт Байер перебрался в Германию и начал работать в мастерской архитектора из Вены Эммануэля Маргольда. В период работы в его мастерской Байер большую часть времени работал в стиле Artnouveau. Вскоре его стали привлекать работы художников, дизайнеров и архитекторов, творивших в стиле Bauhaus. С 1921 по 1925 годы он учился в школе Bauhaus у Йоганеса Итена, Оскара Шлемера и Василия Кандинского.

В 1925 году Вальтер Гропиус поручил ему встать в Bauhaus руководителем студии типографского дела и рекламы. В конце 1920-х годов Байер решил попробовать себя в качестве дизайнера журналов. Работая в минималистском стиле Bauhaus, Герберт сумел удивительно органично вписаться в мир глянцевых журналов. В 1928 году он ушёл с поста в Bauhaus и в 1928 году стал арт-директором немецкого издания журнала Vogue.

В 1936 году он проектировал брошюру для Deutschland Ausstellung, выставки для туристов в Берлине во время Олимпийских игр 1936 года – брошюра прославляла жизнь в Третьем рейхе и власть Гитлера. Несмотря на это, в 1937 году работы Байера были включены в нацистскую пропагандистскую выставку «Выродившееся Искусство», после чего он уехал из Германии.

В 1938 году Герберт Байер эмигрировал в США, проведя здесь всю оставшуюся жизнь. Он продолжал работать в стиле Bauhaus и впоследствии очень расширил границы своего творчества.

Создание шрифта Universal

Однако одним из самых значительных творений Байера по сей день считается знаменитый шрифт Universal. Этот шрифт – точное воплощение всех идей направления Bauhaus.

Функциональность, простота и никакого излишнего декора.

В шрифте нет прописных букв, это является его главной особенностью. Герберт Байер считал нецелесообразным применять в одном шрифте два алфавита. В основе литер шрифта Universal лежат примитивные геометрические формы, как и в большинстве работ в стиле Bauhaus. Желая максимально упростить шрифт, Байер убрал из него серифы (засечки). Он считал, что отсутствие прописных и строчных букв должно сократить время работы и облегчить её для тех, кто пишет и печатает, так как пропадает необходимость нажимать Shift. Герберт Байер был уверен, что этот шрифт позволит сэкономить на бумаге и тем самым сбавить стоимость коммерческой печати.

Общеизвестно, что все сторонники направления Bauhaus встали на сторону Байера и с 1925 года не использовали в своих работах прописные буквы. Как бы ни было, среди широких масс стиль Universal не нашёл поддержки, а также он не пришёлся по нраву правительству Германии. Причина этому вполне ясна – в немецком языке существительные пишутся с прописных букв, и подорвать многовековые языковые традиции оказалось попросту делом непосильным. Зато в США шрифт Байера встретили с воодушевлением.

Творческое развитие как дизайнера и фотографа

С середины 1920-х годов Герберт Байер одну за другой использует фотографию в качестве элемента оформления полиграфической продукции школы Bauhaus. Большую известность имеет обложка первого издания журнала Bauhaus.

«На обложке я хочу без слов отразить содержание журнала. Базовые пластические и символические элементы, играющие важную роль в системе Bauhaus, соединены с инструментами художника и, собственно, с журнальной тетрадью. Сначала сделан монтаж, т. е. сведение, «ассамбляж» различных элементов, затем это целое снято на пленку», – говорил Герберт Байер.

В 1930-е годы Байер активно развивается в фотоискусстве. Фотография и фотомонтаж стали его главным способом выражения себя в искусстве.

Неутомимый и талантливый, он не делал стандартных и скучных портретов и натюрмортов, работая в сюрреалистическом направлении. Он смело экспериментировал со снимками человеческого тела, монтируя их и предлагая порой публике нечто вроде сюрреалистических натюрмортов.

За всю свою долгую карьеру Герберт Байер провёл не менее 150 персональных выставок, а его искусство являлось объектом многих исследований – творчеству Байера посвящено немалое количество книг и статей. Сегодня работы Байера хранятся более чем в 40 музеях Европы и Америки, а также во многих частных коллекциях.

Американский друг Герберта Байера, Роберт О. Андерсон, основал компанию Atlantic Richfield Company (ARCO), где находилась его личная коллекция произведений искусства. Под критическим взглядом и острым направлением Байера, как консультанта по искусству и дизайну, ARCO стала самой большой корпоративной коллекцией произведений искусства в мире. Герберт руководил строительством ARCO Plaza в Лос-Анджелесе и создал его фирменный стиль. Также по просьбе Андерсона Байер разработал монументальную скульптуру-фонтан Double Ascension для ARCO Plaza.

Байер проектировал Земляные работы Каньона Ручья Завода, экологическую скульптуру, расположенную в Кенте, Вашингтон.

Герберт Байер был избран человеком американской Академии искусств и наук в 1979 году.

Все творения Герберта Байера, вне зависимости от того, к какому направлению в искусстве они относятся, связывает отображение потребностей индустриального века и олицетворение настроения авангарда того периода.

Ян Чихольд · Типограф

Имя Яна Чихольда известно в узком кругу людей, но его работы в буквальном смысле перевернули типографику ХХ столетия.

Биография

2 апреля 1920 года в Лейпциге родился будущий законодатель трендов типографики и дизайна. Отец рисовал вывески, и именно у него Чихольд обучился каллиграфии. Ян отличался от остальных типографов, которые обучались изящным искусствам и архитектуре. После трёх лет обучения в академии родного города уже преподавал каллиграфию в вечерних классах.

Преподаватель

В 1926 году преподавал ту же каллиграфию и стилистику в Мюнхене по приглашению Пауля Реннера. Двух этих мастеров уже тогда прозвали «культурными большевиками», но с приходом к власти нацистов они были арестованы за советские плакаты, найденные у них в квартирах.

Чихольда и его жену спасли билеты в Швейцарию, которые чудом раздобыл для них полицейский. На тот момент все экземпляры книг Чихольда уже были изъяты. Всю оставшуюся жизнь Чихольд провёл в Швейцарии, иногда приезжая в Великобританию.

Книги

За жизнь Чихольд написал более пятидесяти книг про типографию, шрифт, его историю и даже про китайскую графику. В течение творческой деятельности взгляды Чихольда на дизайн книг и связанные с ним темы менялись. Так, например, свою «Новую типографику» он назвал авторитарной и даже фашистской несмотря на то, что сейчас она считается классической и прикладной.

В своих работах Чихольд призывал художников книги к самоустранению, к пониманию своей ответственности и долга перед авторами книг и читателями. По мнению Чихольда, человек, оформляющий дизайн книги, должен гармонично подать все её составляющие.

Шрифт

Также Чихольд работал над созданием шрифтов, которые подходили бы для книг различных жанров и стилей (например, его Сабоном набрали Библию Уэшбернского колледжа). Но это ещё не все его заслуги, он планировал заменить Немецкое правописание на более простое (заменяя «eu» на «oi», «w» на «v», «z» на «ts») и в одной из статей описывал историю знака &.

Первой работой Чихольда стала брошюра «Основы типографики», которая вместе с «Новой типографикой» перевернула понимание способов набора текста. Часто работал в издательстве Penguin Books (1947–1949), в которое его пригласил Руари Маклин.

К сожалению, мало книг было переведено на русский, к ним относят:

«Облик книги: избранные статьи о книжном оформлении»; «Новая типографика: руководство для современного дизайнера»; «Образцы шрифтов».

Признание

Признание пришло к Чихольду ещё при жизни, его наградили золотой медалью Американского института графических искусств, он был возведён в ранг «Почётного королевского дизайнера».

Даже на родине, с которой его прогнали и на которую он так и не вернулся, ему предлагали должность директора Академии графики, но он обошёлся должностью корреспондента Берлинской Академии искусств.

Чихольд шёл наперекор стандартам своего времени, он впервые сформировал принципы типографики, которые были призваны изменить эгоистичные нравы дизайнеров, донести идею того, что книгой они выражают не себя, а подчёркивают саму её суть, делают привлекательной для конечного потребителя.

Учения и принципы, которые Чихольд привнёс в мир дизайна и типографики, помогают их носителям даже сегодня создавать работы неповторимые и совершенные.

Умер в больнице на юге Швейцарии в городе Локарно (1974 год).

Швейцария

Ив Нетцхаммер · Дизайнер

Архитектура в дизайне объектов мира

Ив родился в Шаффхаузен в 1970 году, в Швейцарии. Живёт и работает в Цюрихе. Изучал архитектуру и получил степень Hochschulefür Gestaltungund Kunst Zürich, отдел визуального дизайна. С 1997 года Ив работает с видеоинсталляцией, проекцией слайдов, в том числе рисунков и объектов. В 1999 году работал в журнале Nr. 52 vomTages-Anzeiger. А с 2006 года стал публиковаться в онлайн-блоге журнала Art, Sexand Mathematics.

Приятное с неприятным

Ив Нетцхаммер выражает себя языком новейших технологий. Основные работы Ива включают в себя объекты с объектами, в том числе и видеопроекции, звуковые дорожки. На видео используются сюрреалистические повторяющиеся кадры. Он рисует с помощью программного обеспечения, которое было разработано для архитектуры, не любит пользоваться программной трассировкой.

Сочетает в себе приятное с неприятным. Также в своих работах частенько смешивает философские идеи. Когда Нетцхаммер решил представить себя первый раз в галерее традиционного современного искусства в Цюрихе, со многими случился шок. Ив предоставил несколько очень свежих по восприятию и мастерски сделанных компьютерных анимаций.

Фантазия неудержима

Наружу выходила неудержимая фантазия Ива, в чём-то непрерывно трансформировавшаяся, эротическая и в то же время приличная. Где всё меняется – симпатичные мутанты синтетических расцветок превращаются в оленей-лошадей, промышленно биологические элементы.

В настоящее время Ив состоит в рядах официального швейцарского искусства и пребывает на годичной стипендии в городе Нью-Йорке. Один раз лето Нетцхаммера прошло в трудоёмкой и усердной работе, он работал над мультимедийной инсталляцией, которую назвал «Дитя пилы – доска». Но перед тем, как заняться этим, он решил посетить город Киев, а уже затем, в мае, принял решение поместить свой рассказ о войне, а также об идеологических коллизиях современной Украины в контекст самых типичных визуальных символов столицы. И из-за этого в качестве его площадки для своей работы Нетцхаммер принял решение выбрать муниципальную галерею «Лавра», рядом с которой находились и златоверхие религиозные памятники, в том числе и Днепр, и кручи.

В своём собственном «тотальном произведении искусства» Ив Нетцхаммер решает объединить такие цифровые анимации, главными персонажами которых выступают объёмные и ожившие крестьяне Малевича, к тому же работу со скульптурой и пространством, а также специально написанную музыку Бернда Шурера.

Многочисленное участие в музейных выставках

У Ива много музейных и галерейных выставок, в том числе на AargauerKunsthaus, а также в музее Rietberg. В том числе Ив Нетцхаммер участвовал в выставке под названием «Заметки о начале короткого XX века». В данной выставке были представлены все интерпретации Первой мировой войны с точки зрения современного искусства и художников таких стран, которые были по-разному затронуты войной. Первая мировая война до предела обострила конфликт между реальностью и человеческими представлениями о ней. Те работы, которые были представлены в выставке, показывают своим зрителям то, насколько современное искусство, расположенное между конструированием, самоцитированием, а также созданием образов, находится в той позиции, которая позволяет способствовать расширению и корректированию культурной памяти и даже определению исторической реальности, не затрагивая уже возможности формулирования изменённых образов истории.

История «Заметок о начале короткого XX века» началась в 2014 году, когда выставка была показана в Дрездене и Вене, в год 100-летнего юбилея с начала войны. Это большой и глобальный «путешествующий» проект, который, с одной стороны, является уже готовой и самостоятельной выставкой, а с другой, развивается и трансформируется, каждый раз дополняясь в тех городах, в которых она была представлена, новыми акцентами и художниками.

Также помимо Ива Нетцхаммера участниками выставки были такие люди, как Мартин Крамоста (Швейцария), ETAGE (Стефан Бомбачи и Даниэла Дитманн – Германия), Томас Галлер (Швейцария), Карен Гайер-Гротон (Германия/Швейцария), Группа «Сан Донато» (Олег Блябляс, Алексей Чебыкин, Евгений Уманский – Россия), Джером Лёйба (Швейцария), Алекс Тёпфер (Германия/Швейцария) и многие другие не менее известные личности.

Карл Герстнер · Дизайнер

Развитие типографики

Карл Герстнер от лица первооткрывателя всегда по-другому и по-новому смотрит на журнал или же книгу, и невооружённым глазом заметно, как ему тесно и нелегко даётся оставаться в привычных для нас рамках формата. Герстнер всегда подходит с новым взглядом к простому предмету, как могло показаться нам. Он всегда продумывает формат книги таким образом, что может создаться такое впечатление, что он и вовсе никогда не держал этой книги в своих руках.

Для Карла книга всегда являлась некой скульптурой, в которой хранилась очень ценная информация. Карл Герстнер является одним из ярких представителей швейцарского интернационального стиля, чей интенсивный творческий период оказался довольно недолгим, но тем не менее влияние Герстнера на формирование и развитие типографики на европейском пространстве всё же очень велико.

Начало пути

Пребывая ещё довольно молодым дизайнером, он показал то направление, в котором будет развиваться типографика, отказывался от любых элементов декоративности и уменьшал арсенал дизайнера до самого минимально возможного предела. Именно поэтому работы Карла по прошествии полувека выглядят современно, актуально и, безусловно, являются примерами для подражания.

Будущий специалист типографики родился в 1930 году в Базеле, впоследствии ставшем одной из столиц современного дизайна, обучался в конце 40-х годов в Школе прикладных искусств Базеля под руководством Эмиля Рудера и Армина Хофманна. Обучение у Рудера и Хофманна постепенно перерастает в дружбу между бывшим учеником и его учителями, что неудивительно. Умение рисовать от руки также важно и в современном дизайне.

С начала 1950-х годов работает в рекламном агентстве Макса Шмидта, основным клиентом которого является фармакологический концерн Geigy, который находится в Базеле, чья визуализация на тот момент была настолько прогрессивной и революционной, что даже спустя полвека появляются публикации и организовываются выставки, которые посвящаются графическому дизайну и фирменному стилю, реализованному для уже несуществующего концерна. Первые работы Карла, которые связаны с искусством, датируются 1952 годом, а первые тексты – 1955-м.

Gerstner + Kutter

Знакомство и тесный контакт с Маркусом Куттером, автором, а также копирайтером, работающим для Geigy, после совместной работы в 1958 году над публикациями к 200-летнему юбилею концерна Geigy приводят к созданию рекламного агентства под названием Gerstner + Kutter в Базеле. Для концерна они создали ряд книг об истории организации, в которых Герстнер по-новому подошёл к инфографике, которая растянулась на десятки страниц и по сей день выглядит более чем убедительно. Рациональность, доходчивость и современный подход в проектировке макета книги Geigyheute делают данную публикацию настольным пособием по тому, как можно ясно и доходчиво преподнести информацию.

А в 1962 году к Куттеру и Герстнеру присоединяется Пауль Гредингер, и их совместная организация получает короткое и лаконичное название GGK – по первым буквам имён его учредителей. Герстнер руководил ей с 1959 вплоть до 1971 года.

Рекламное агентство GGK держится стратегического курса на ускорение темпов роста, стало коммерчески успешным, открывает в 1968 году своё представительство в Дюссельдорфе и впоследствии в США, Великобритании, Франции, Австрии и Бразилии. В 1988 году GGK было одним из крупнейших сетевых рекламных агентств, управляемых частными лицами, с двадцатью представительствами в разных странах.

Среди клиентов данного рекламного агентства встречаются такие компании, как IBM, Volkswagen, Shell, Swissair, Langenscheidt и многие другие. Коммерческий успех не всегда способствует творческому росту, так и в случае с GGK можно сказать, что Герстнер становится хорошим руководителем, арт-директором, консультантом и всё меньше сам участвует в процессе создания дизайна.

Визуальный эффект

С самого начала своей успешной карьеры Герстнер увлекается абстрактным искусством, которое было приближено к конструктивизму, а начиная с 1970-х годов он по-другому стал работать с поверхностью, возможно, слишком логично и рационально. Работы Карла чаще всего можно назвать очень плоскими рельефами, в которых накладываются пласты цветных контуров. Визуальный эффект основывается на процессе, в котором нет ни единого секрета: изобретение заключено в алгоритме действия. Эффективность зависит только от точности действий.

А в 1976 году Герстнер сжёг целую серию работ, сделанных несовершенно.

Он писал книги на тему связи нового искусства с типографикой (к примеру, «Designing Programmes»), приготовлением пищи и теорией цвета. Разрабатывал шрифты, составил большую коллекцию работ своих друзей, в которую были включены Даниэла Шперри, Роберта Филлиоу и Дитера Рота. Любил читать лекции и являлся председателем многочисленных комитетов и организаций. Помог прославиться таким художникам, как Ханс Хинтерряйтер, Роберт Штрюбин и Якоб Ведер, замечательным колористам. Он сыграл важную роль в создании Multiples, целью которого было включение искусства в популярную культуру.

Корнел Виндлин · Дизайнер

Влияние или сила шрифта

Корнел Виндлин родился в 1964 году, в настоящее время находится в числе самых влиятельных графических дизайнеров и типографов. После окончания Schulefür Gestaltung в Люцерне Корнел решил переехать в Лондон в 1988 году, чтобы уже там работать для Neville Brody, а затем стал художественным редактором для журнала THE FACE.

LineTo – сеть дизайна

В 1993 году Корнел вернулся в свою родную Швейцарию и там начал свою собственную проектную практику (плакатный дизайн и типографика в плакатах) в Цюрихе. Своими проектными работами Виндлин достаточно быстро смог завоевать признание многих критиков и с тех самых пор был выставлен в различных музеях, а также был опубликован в дизайн-книгах и всех ведущих изданий дизайна.

Он читал лекции о дизайне и типографике в таких странах, как США, Англии, Германии, Австрии, Израиле и Швейцарии. В настоящее время он работает в качестве режиссёра, арт-дизайнера в Цюрихе и Лондоне для ряда клиентов в обеих культурных и коммерческих областях.

Корнел начал профессионально заниматься типографикой и создавать различные шрифты в первую очередь для использования в своих собственных работах, в то время как ещё обучался в художественной школе. Вместе со Стефаном Мюллером Корнел сумел сформировать цифровой шрифт под названием LineTo. А также был создан сайт, посвящённый типографике Lineto.com, который превратился в сеть дизайнеров из Швейцарии, Нью-Йорка, Лондона, Токио, Стокгольма, Вены и Берлина.

Специалист по типографике и плакатный дизайн

Корнел стал создателем корпоративных шрифтов для клиентов, для автомобилей Mitsubishi или Herzefeld Memorial Trust или пользовательских – типографических шрифтов для проектов в Kunsthaus Zurich и Tate музеи, а также различные редакционные проекты.

Ларс Мюллер · Дизайнер

Графический дизайнер. Основатель студии

Ларс Мюллер родился в Осло в 1955 году, проживает в Швейцарии с 1963 года. После того как стал графическим дизайнером в Цюрихе, решил переехать в Амстердам и уже там стал помощником дизайнера Вима Кроуэла (нидерландский графический дизайнер и типограф).

Студия

В дальнейшем Ларс Мюллер стал основателем легендарной студии в Баден/ Швейцария, случилось это знаменательное событие в 1982 году (где занимался темой – дизайн книг). Перед этим он работал в поте лица и собирал деньги на открытие данной студии, теперь всё это стало проще.

Этот год можно взять за самое начало пути Мюллера. Весь путь по созданию идеальной программы для взращивания современного дизайнера.

Книга – инструмент!

В 1983 году Ларс опубликовал свою самую первую книгу, которую он издал лично. В период с 1983 по 2000-е годы Ларс Мюллер придумал около 600 «неймингов», которые используют по сей день по всему миру. Мюллер также сумел побывать в роли педагога. Он преподавал в различных университетах в Швейцарии и Европе. Тем самым он смог воспитать целое поколение современных дизайнеров Европы, которые знают, что же такое дизайн книг от Ларса Мюллера.

В список заведений, в которых он преподаёт, входит Гарвардский университет. А с 2009 года он был приглашённым лектором, «Высшая школа дизайна» – GSD. Мюллер часто выступает на всевозможных академических соревнованиях в качестве жюри. И в настоящее время является одним из членов руководящего совета Design Preis Schweiz. Самое важное событие для дизайнеров Европы – «Швейцарская федеральная награда в области дизайна».

Что достаточно немаловажно, с 2013 по 2015 год Ларсу посчастливилось побывать международным президентом AGI – Alliance Graphique Internationale. Если так можно выразиться, клуб, в который входят от 350 до 450 профессиональных дизайнеров различных сфер и направлений из 40 стран.

Мартин Вудтли · Дизайнер

Футуристические фантазии

Визуальный дух Мартина Вудтли ярко отражает компьютерный дух цифровой эпохи, его работы наполнены футуристическими фантазиями и пафосом урбанизма, ярко отражая техногенный дух цифровой эпохи. В 2000-м он был принят в Международный графический альянс AGI, это самое закрытое и элитарное международное сообщество в области графического дизайна, став самым молодым членом этого элитного суперклуба за всю его историю.

Выпуск альбома компьютерной графики

Мартин Вудтли был рожден в 1971 году в Берне. В 1995 году окончил Школу дизайна, а уже затем в 1998-м году окончил Академию искусства и дизайна в Цюрихе. В 1998–1999 годах стажировался в Нью-Йорке и даже несколько месяцев провёл в студиях Дэвида Карсона и Стефана Загмайстера. Об этом он говорит, что двум дизайнерам удалось сформировать его деловые навыки даже больше, чем его искусство, чему он был очень благодарен.

«Он единственный из тех, кого я знаю, кто способен мыслить прямо за клавиатурой», – писал Стефан Загмайстер.

В 1999 году он стал основателем собственной студии в Цюрихе. С того времени Мартин создаёт дизайн журналов, а также придумывает для них всевозможные иллюстрации.

В 2002 году Вудтли выпустил собственный альбом своей компьютерной графики со скромным названием Woodtli.

Его наградами стали: две Федеральные премии Швейцарии по дизайну (в 1999, 2007 годах), премия на конкурсе «Самая красивая книга Швейцарии» (в 2002 году), Серебряный приз на Международной биеннале плаката в Нингбо (2004 год), Вторая премия на конкурсе дизайна денежных банкнот Швейцарии (2005 год), Первая премия на Международном фестивале плаката в Шомоне (2005 год), Вторая премия на Международной биеннале плаката в Тояме (2006 год), приз жюри на Международной биеннале плаката в Тегеране (2007 год).

Вудтли получил премию Golden Bee Award за свой плакат к фестивалю экспериментального видео Video Ex, обжигающий сетчатку глаза сложнейшими компьютерными эффектами, и был приглашён в жюри следующей биеннале, «Золотой пчелы 8», где стал работать вместе с дизайнерскими мировыми знаменитостями.

Дизайн эмоции и страсть

В 2006 году Мартин состоял в жюри Международной биеннале плаката в Нингбо. Лауреат «Золотой пчелы» – свою награду на седьмой биеннале Вудтли получил за свои привлекающие плакаты, вибрирующие компьютерной фактурой. В отличие от многих он не считает компьютер «всего лишь инструментом». Он органично живёт в современной компьютерной среде.

Работы Вудтли наполнены футуристическими фантазиями и пафосом урбанизма, ярко отражая техногенный дух цифровой эпохи. Мартин Вудтли всегда работает со страстью, соединяя воедино текстуру, цвета, а также экспериментальный шрифт.

Вудтли достаточно уверенно сочетает саму работу в различных программах, в том числе и ручной труд. Создаёт сотни и более эскизов до того, как придёт к конечному варианту постера, который его действительно устроит. Мартин распечатывает все свои варианты, затем вешает в свою студию на стены. Это и является тем самым особенным и ключевым этапом в процессе его работы дизайнером, этот самый процесс он называет единственным вариантом принятия истинного решения.

По его словам:

«Дизайн прежде всего требует эмоций и страсти!».

Мюллер Брокманн · Типограф

Kunstgewerbeschule – в студии графического дизайна

Йозеф Мюллер-Брокманн родился в 1914 году в швейцарском городе Рапперсвиле. В 1930-е Мюллер-Брокманн определился с выбором профессии и был принят учеником в студию графического дизайна в Kunstgewerbeschule, где стал изучать архитектуру, дизайн, а также историю искусства. В 1932 году Мюллер-Брокманн оставил студию и начал посещать курсы в школе искусств Zurich School of Artsand Crafts.

В 1936 году стал основателем в Цюрихе собственной студии графического дизайна, коммерческого искусства и фотографии. А в 1939 году Мюллер-Брокманн решил принять участие в Национальной швейцарской выставке, которая прошла в Цюрихе. Затем, после окончания Второй мировой войны, он продолжил заниматься дизайном – в этот период было создано большое количество сценических декораций для театров в Цюрихе, в том числе серия марионеток для театрального представления.

Watch that Child!

В начале 1950-х годов Мюллер-Брокманн вернулся к графике. В эти годы ему удалось расширить свою студию. Тогда же дизайнер решил создать один из первых прославивших его постеров – Watch that Child! – для швейцарского автомобильного клуба.

С 1951 года он произвёл плакаты концерта для Tonhalle в Цюрихе. Также в 1951 году его плакаты с успехом экспонировались на выставке «Современный швейцарский плакат» в МОМА, нью-йоркском Музее современного искусства. Выполненные более полувека назад, они по сей день не утратили своей привлекательности и эстетической актуальности, став своего рода «чек-пойнтом» модернистского графического дизайна. В 1958 году стал редактором основания Нового Графического дизайна наряду с R. P. Lohse, К. Виварелли и Х. Нойбург. А в 1957 году он согласился и принял предложение Zurich School of Artsand Crafts, в которой когда-то обучался, и начал преподавать там графический дизайн. В 1958 году он вместе со своими коллегами стал основателем журнала New Graphic Design.

Книги

В 1961 году он издал книгу «The Graphic Artist and his Design Problems». На счету Мюллера-Брокманна были ещё две книги: «Geschichte des Plakats» и «Geschichte der visuellen Kommunikation». Он был признан за его простые проекты и его чистое использование книгопечатания, в особенности Akzidenz-Grotesk, формы и цвета, который вселяет много графических дизайнеров в 21-ом веке. В 1961 году была опубликована книга Мюллера-Брокманна «Задачи художника-графика в сфере дизайн-конструирования», которая впервые детально представила модульную систему во всей её красе и многообразии. На примерах из собственной практики Мюллер-Брокманн показал нам все широкие возможности дизайнера при работе с модульными сетками различной сложности.

Идея публикации этой книги возникла у Мюллер-Брокманна в период преподавания в школе искусств и ремёсел Цюриха.

Позже он вспоминал: «Я хотел направить молодых людей в сторону большей точности мышления».

Сфокусированный на основных закономерностях формообразования в дизайне курс Мюллер-Брокманна отчасти напоминал программу Йозефа Альберса в Баухаузе. Также серьёзное влияние на него оказала и пропедевтика Йоханнеса Иттена, главной целью которой было научить студентов сочетать субъективные и объективные качества формы, а также использовать методы анализа и синтеза.

Он занимался преподаванием, экспонировал свои работы, работал консультантом в IBM Europe, а также ему удалось попробовать себя в роли скульптора. Дизайнер удостоился множества престижных наград и даже, что неудивительно, был принят в почётные члены российской академии графического дизайна. В 1962 году Советник и проектировщик для Розенталя-Порзеллэнверка, Selb, Германия, и консультант и проектировщик для Max Weishaupt GmbH, Schwendi, Германия.

Брокманн наследие

В 1971 изданы две книги «Geschichte der visuellen Kommunikation» (История Визуальной связи), «Poster Geschichte» (История Плаката), соавтор «Shizuko Eshikava».

Мюллер-Брокманн скончался в 1996 году у себя на родине, оставив всем огромное наследие работ и публикаций.

Шестидесятилетнюю творческую деятельность Йозефа Мюллер-Брокманна можно представить как грандиозное эпическое полотно, отражающее хронику развития интернационального швейцарского стиля графического дизайна от утверждения концепции «новой типографики» до радикальных постмодернистских экспериментов «новой волны». На протяжении десятилетий Мюллер-Брокманн оставался знаменосцем швейцарской школы графического дизайна, её лучшим теоретиком и практиком.

Николас Трокслер · Дизайнер

Художник-оформитель, организатор фестивалей

Николас Трокслер родился 1 мая в 1947 году в Виллизау. Швейцарский художник-оформитель, организатор джазового фестиваля в Виллизау.

Трокслер обучался в школе дизайна в Люцерне. После работы в качестве арт-директора в Париже (в 1972 году) он основал собственную графическую студию в Виллизау.

С 1966 года принял решение организовывать джаз-концерты в Виллизау, а с 1975 года также ежегодный джазовый фестиваль – «Международный рынок», для которого он регулярно разрабатывал плакаты и обложки альбомов.

Награды

Трокслер получил важные международные награды за дизайн, такие как Toulouse-Lautrec-Medaillein Gold (1987 и 1994 годы), Гран-при и Первые премии в Лахти, Финляндия в 1993 году, на фестивале Chaumontdel’affiche (в 1992 году), в Хельсинки/Финляндия (1995 год), Гонконг (2000 год), Ханчжоу/Китай в 2002 году, Нинбо, Китай (2006 год), Тайвань (2005 год), Колорадо, США (2006 год). В 1982 году Николасу была присвоена премия за вклад в швейцарскую культуру.

Николас Трокслер являлся членом Alliance Graphique Internationale. Его плакаты были представлены на всех крупнейших международных дизайнерских коллекциях, также в музее современного искусства в Нью-Йорке, в музее современного искусства в Тояма, Япония, в музее искусств и ремёсел в Гамбурге, в Германии, в музее плаката в Эссене и в Stedelijk Museum в Амстердаме.

С 1998 по 2013 годы имел опыт преподавателя в Штутгарте в качестве профессора в Коммуникационной Государственной академии дизайна изящных искусств.

Дизайн – это сердце!

В феврале 1998 года Трокслер попал в Москву и дал интервью для журнала «Союз дизайнеров», в котором на вопрос, что для него главное в дизайне, ответил:

«Сердце. Я делаю то, что подсказывает мне мое сердце. Я никогда не беру заказ, если он мне не по сердцу».

Ральф Шрайфогель · Дизайнер

Разработка плакатов

Ральф Шрайфогель родился в Люцерне в 1960 году и проживает в Цюрихе. Он посвятил всю свою карьеру разработке плакатов в течение почти четверти века и имел опыт в преподавании дизайна в Цюрихе в Берлинском университете искусств (Высшая школа искусств).

Ральф Шрайфогель – мировая звезда графического дизайна и типичный представитель швейцарской школы дизайна. Он разрабатывает печатные издания, логотипы и айдентику, но посвящает всего себя прежде всего дизайну плаката и афиши.

Его плакаты демонстрируют то, как он стирает разницу между буквами и изображением: изображение становится надписью, надпись становится изображением. Визуальная среда передаёт содержание, а не визуальную или фактическую информацию, как это принято.

Визуальное исследование пространства

Его плакаты – визуальное исследование пространства и эффекта, которые передают свою филигранную связь через предложение о том, что это новое и необычное. В течение практически более чем 20 лет его работы становились источником оптического удивления: разрушающиеся перспективы, типографское отчуждение, украшение, сложное и перекрывающееся замирание – являются сложным и необыкновенно увлекательным для наблюдателя.

С 1983 года Ральф Шрайфогель создавал различные плакаты и программные журналы для репертуара кинотеатра под названием «Фильмподиум» Цюриха.

Он регулярно работал в Цюрихском музее дизайна, и с 1984 года он был удостоен назначения для создания плакатов от многих других учреждений, включая:

Музей искусств, театр Neumarkt; Международный джазовый фестиваль «Цюрих»; Джазовый фестиваль «Шаффхаузен»; Дни Золотурн; Африканский кинофестиваль Cinemafrica.

Новый дизайн

Его Maverick конструкции сделали его одним из предшественников нового поколения дизайнеров. Также Шрайфогель был удостоен высших наград на многочисленных соревнованиях как у себя дома, так и за рубежом. Его плакаты находятся в коллекциях по всему миру, включая постоянную коллекцию Музея современного искусства в Нью-Йорке.

Он трижды становился заслуженным победителем престижного конкурса Chaumont International Poster Competition – в 1996, 2010 и 2017 годах. Плакаты Шрайфогеля стали частью постоянных экспозиций таких музеев, как MOMA в Нью-Йорке и Stedelijk в Амстердаме.

Награды

К тому же Ральф являлся победителем золотой медали на Варшавской биеннале (1994 год), Московской биеннале, Golden Bee (1994 год), Шомон Плакат фестиваля (1997 год), Ningbo International Poster выставки (2001, 2003 года), Art Directors Club в Нью-Йорке (2003 год), Гонконг Kong International Poster триеннале (2007 год) и Тегерану Poster раз в два года (2007 год).

Ральфу удалось получить Гран-при в 1998 году, Брно Биеннале и пятизвёздочного дизайнеров Award Осака в 2006 году. Также персональные выставки проходили в Варшаве (1996 год), Анкаре (1996 год), Осака (1997 год), Шомон (1998 год), Бёрне (1998 год), Брно (2002 год), Тегеране (2002 год), Париже (2003 год), Цюрихе (2004 год) и Любляне (2009 год). Помимо этого, Ральф Шрайфогель является одним из членов Alliance Graphique Internationale (AGI).

Эмиль Рудер · Типограф

Цюрих, 1914 (Типографика)

Своё начальное, а также среднее образование Эмиль получил в Цюрихе. Рудер пришёл в профессию как всего лишь ученик наборщика, а завершить свой долгий и упорный путь ему удалось на недосягаемых высотах: являлся руководителем отделения художественных ремёсел в Базельской школе ремёсел.

Эмиль Рудер имел явные отличия в области типографики для той самой разработки единого и целостного подхода к созданию и проектированию, а также преподаванию, которые составляли теорию, философию и систематическую практическую методологию.

Он выражает высокие чаяния для графического дизайна, написание этого этапа функции должна была пропагандировать «доброе и красивое в слове и изображении и открыть путь к искусству». С 1929 по 1933 годы окончил своё обучение в качестве наборщика. С 1941 по 1942 годы обучался в школе прикладного искусства в Цюрихе, а с 1942 по 1970 годы преподавал «общую типографию» в Базеле, потом стал директором этого института.

Был основателем Международного центра типографических искусств в Нью-Йорке, также он был одним из представителей Швейцарии в ATypi.

ATypI – ведущая в мире организация, работающая в области шрифтов и типографики. Основанная в 1957 году ATypI обеспечивает обмен информацией между типографическими сообществами по всему миру.

Являлся членом жюри конкурса под названием «Совершенная форма» на Швейцарской промышленной ярмарке в Базеле, Членом Центрального правления Швейцарского Веркбунда, также был членом федеральной комиссии прикладных искусств. Художественный консультант Швейцарского почтового ведомства (отделение знаков почтовой оплаты).

Аналитик-педагог

Рудер являлся одним из тех, кому удалось сформулировать концепцию элементарной докомпьютерной типографики с её ясностью, объективностью и функциональностью. Эти идеи во многом определили всемирный успех бренда Swiss typography.

С начала 60-х и по сей день по учебнику Рудера осваивают азы профессии сотни и сотни будущих дизайнеров-графиков. В том числе Эмиль Рудер был основателем, а также руководителем класса высокой печати и главой Базельского отделения Швейцарского Веркбунда.

Типографика как вид искусства

Написал книгу под названием «Типографика». Автор, который в течение 25 лет преподавал типографику, в своей книге обращается к тем проблемам художественной формы, с которыми типограф сталкивается в собственной работе. Технические процессы освещаются им так, как они участвуют в формообразовании.

Многие композиции, показанные здесь, – произведения автора книги; другие выполнены его студентами как учебные задания.

Рудер рассматривает всю типографику как отдельный и особый вид искусства, направление, которое показывает то, как визуально воспринимать пластику, ритм и контрасты различных шрифтовых композиций. Это ярче показывает и выявляет специфику типографического искусства и его отличие от прикладной графики, которой присуща весомая свобода выбора, а также использование разнообразных художественных приёмов.

Рихард Пауль Лозе · Художник

Жизненные этапы

Рихард Пауль Лозе (нем. Richard Paul Lohse) родился 13 сентября 1902 г., швейцарский художник и график, является одним из крупнейших представителей так называемого «Конкретного искусства».

Его отец умер, когда Рихарду было всего 13 лет, вследствие чего мальчик рос в бедности.

Он очень любил путешествовать, можно сказать, что это было его заветной мечтой, но, к сожалению, такая возможность у него отсутствовала.

Новые места и события увеличивают кругозор и гибкость ума, позволяя создавать великолепный дизайн.

Учёба

В 1918–1922 годах он стал учиться на художника в сфере рекламы в Цюрихе в «Школе прикладного искусства». Конкретно как художник Лозе сформировался самоучкой и любил экспериментировать с различными видами и стилями живописи.

В самый ранний период своего творчества он начинает увлекаться экспрессионизмом и кубизмом. Вплоть до 1960-х годов Рихард Лозе работает как график для различных газет.

Создание художественной группы

В 1937 году Рихард, работая в паре с Лео Лёйппи, создал авангардистскую художественную группу под названием «Альянс», в которую вошли ряд швейцарских художников-модернистов, среди которых, помимо Макса Билла, были Верена Ловенсберг, Камиль Грезер.

В среде «Альянса» появлялось такое направление в живописи, как «Конкретное искусство».

Лозе работал в различных рекламных агентствах, занимался созданием и оформлением промышленных выставок и журналов, которые были посвящены дизайну, а также типографике. Рихард Пауль Лозе в этот период был очень близок в творческом плане к кубистам и представителям голландской группы под названием «Стиль».

«Просветительствующий труженик цивилизации», по собственному выражению, сочувствовал социалистам и обществу общей справедливости. В юности продавал журналы в кафе «Одеон».

Цветовое пространство

Переживший увлечение кубизмом в юные годы, в 40-е он увлекается теоретическими исследованиями цветового пространства, расширения системы за счёт комбинаторики, упорядоченности цветов. В 1940-е годы художник переходит на позиции «Конкретного искусства». С 1942 года он становится создателем полотен, которые были разделены горизонтально и вертикально различными цветовыми полями (модулями).

Модули состояли из квадратов и прямоугольников, которые находились в определённом отношении друг к другу. Его интересуют логика и простота линии, ясность прямоугольных структур в типографике, горизонтальное и вертикальное вращение, пространственные характеристики двумерного листа. Принцип серийности он рассматривал как радикальную демократическую возможность, вводя политическую фразеологию в возвышенное само по себе искусство.

Художник-антифашист

Как швейцарец, он отличался чрезвычайным педантизмом. Скрупулёзно анализируя и контролируя весь творческий процесс рождения идеи и реализации готового продукта, он старался дистанцироваться от любой субъективности. Являлся художником-антифашистом.

В годы Второй мировой войны Лозе проявил себя как активный борец с нацизмом. Он по-разному поддерживает эмигрантов из стран фашистского блока, участвует в нелегальной деятельности.

Находясь в составе одной из антифашистских организаций, художник Рихард Пауль Лозе познакомился там со своей будущей женой, Идой Дюрнер.

В 1947–1955 годы начинает сотрудничество с журналом под названием «Строение и жильё» (Bauen und Wohnen), с 1958 года он становится одним из редакторов цюрихского журнала под названием «Новая графика».

На этом посту он знакомится с такими мастерами, как Аугусто Джакометти, Ганс Арп и Ле Корбюзье. Лозе являлся участником выставок современного искусства Documenta 4 (1968 год) и Documenta 7 (1982 год) в Касселе.

Николас Робель · Иллюстратор

ESAA на берегу озера

Николас Робель родился в Квебеке в Канаде в 1974 году. Он переехал в Женеву в Швейцарии со своей семьёй в возрасте трёх лет, учился в школе прикладного искусства в ESAA на берегу Женевского озера. С тех пор как Николас создал базу данных для управления своим складом импорта США, он стал увлекаться игровым аспектом методологий визуального подхода, используя организационные системы, и любил совмещать свои работы. У него много профессий: иллюстратор, автор графических романов, редактор, фотограф, кодировщик.

B.u.L.b.grafix – виртуальная студия

После Робелю удалось занять должность главного дизайнера Музея современного искусства в Женеве. И 2 года спустя он решил перейти в маленькое рекламное агентство для работы с большими и серьёзными клиентами. В свободное от клиентов время Николас начал заниматься печатной продукцией для музыкантов, художников, клубов и галерей. Флаеры, постеры, значки и логотипы для независимых лейблов в звукозаписи, оформление дисков.

Ему очень нравилось это занятие, и в итоге он принял решение покинуть агентство, и в ноябре 1999 года открыл свою собственную студию под названием B.u.L.b.grafix.

Под этой маркой выходят комиксы, причём не только Николаса, но и других иллюстраторов со всего мира. В 1997 году – графический дизайнер в Агентстве альтернативных коммуникаций, Женева.

В 1997 году – создание последовательного художественного издательства B.ü.L.b comix, Женева. В 1996 году – 7 графический дизайнер в mamco (музей современного искусства, Женева) под руководством Руеди Баура, Integral Concept, Париж, Франция. В 1995 году – 7 HES степень в области визуальных коммуникаций, Университет прикладных искусств (Heaa), Женева.

Мастер-классы:

В 2007 году прошёл семинар Mix & Match, Высшая школа искусств и дизайна (руководитель), Женева, семинар и конференция, Колледж креативных технологий университета ЛимКокВинг, Куала-Лумпур, Малайзия, семинар и конференция, Институт HELP, Куала-Лумпур, Малайзия. В 2006 г. семинар «Методология проекта», Высшая школа прикладного искусства (Хеа), Женева.

Диплом жюри по визуальным коммуникациям, класс 2006, Университет прикладных искусств (Heaa), Женева.

Иллюстратор для мира

Николас является автором-иллюстратором великолепных книг, которые были опубликованы в таких странах, как Франция, Швейцария, Канада и Соединённые Штаты. Николас Робель также не исключает работу для прессы и интернета и уже неоднократно принимал участие в многочисленных выставках. Публиковался в Логос и Дос Логос (Die Gestalten Verlag, Берлин, Германия), Графические этапы (Pyramid издания, Париж), Vision. (YIFEI Group, Шанхай, Китай), промышленный институт севера Франции, iconography, 2 (IDNPro, Гонконг, Китай).

Büro Destruct · Студия

Границы между искусством и коммерческим дизайном

Швейцарская графическая дизайн-студия под названием Büro Destruct. Была основана в 1994 году в Бёрне, и до сегодняшнего момента в состав этой группы входят такие люди, как Марк Брюннер (Marc Brunner), Хайнц Ребер (Heinz Reber), Хайнц Видмер (Heinz Widmer) и Лоренц Джианфред (Lorenz Gianfreda).

С самого своего начала и первого дня компания BD держала открытыми свои границы между искусством и коммерческим графическим дизайном, смотря по количеству и разнообразию используемых техник, которые отражены в проектах для клиентов из самых разных сфер.

Малый город – большой дизайн

Как оказалось, всего достаточно нескольких лет для того, чтобы маленькая компания получила обширное всемирное признание. Сутью того, чем она занимается, является попытка пересмотреть наследие швейцарской школы графического дизайна (50–70-е годы ХХ века), дать ему новейшее, более современное воплощение.

Публикации, выставки, лекции и семинары по всему миру позволяют Büro Destruct сохранить себя в ходе постоянного обновления и расширения своих контактов в Бёрне, столице Швейцарии, в соответствии со своим девизом: «Малый город – большой дизайн».

Несмотря на то, кем являются их клиенты, будь то агентства, различные бренды, издательства, художники или компании, и независимо от того, насколько обширной или малой, BD разработает графические иллюстрации.

Büro Destruct – современный дизайн, иллюстрации и типографика

С 2002 года «Бюро» решило запустить отдельный, индивидуальный проект по типографике под названием Typedifferent.

Büro Destruct занимаются типографикой, плакатной графикой, иллюстрацией, дизайном персонажей, дизайном упаковки, фирменным стилем и логотипами, а также web-дизайном, анимацией и 3D.

Среди клиентов коллектива проскальзывают немало тех имен, которые находятся у всех на слуху, а именно: Yahoo, British American Tobacco, Coca-Cola, Microsoft, MTV, Nokia, Swisscom, Nike, Universal Music etc. Также были изданы две книги: «Büro Destruct II» (2003 год) и «Büro Destruct III» (2009 год).

Япония

Фуми Шибата · Дизайнер

Ремарка:

«Если быть откровенными, то идея для создания популярного капсульного отеля (класса люкс) «9h» стала высшим достижением Фуми Шибата. Она, бесспорно, является одним из самых талантливых дизайнеров, но именно этот проект достаточно ярко выделил Фуми среди остальных дизайнеров».

В 1994 году после того, как Фуми Шибата окончила свой Университет искусств Мусасино, она приступила к основанию своей собственной дизайн-студии под названием Design Studio S.

Design Studio S

Окончив Университет искусств Мусасино, Фуми Шибата основала свою собственную дизайн-студию Design Studio S в 1994 году. С сильным фокусом на промышленный дизайн она активно занимается широким спектром направлений, от проектирования электроники и медицинской продукции, в качестве креативного директора в гостинице.

Достижения

Ее работы получили огромное признание во всём мире, завоевав множество наград, включая премии:

Mainichi Design, Good Design Gold Award, JCD Grand Award, iF Gold Award, DFA Grand Award, Gold Award, Special Award for Culture, Red dot design award.

Также Фуми Шибата занимает должность профессора университета искусств Мусасино с 2014 года, к тому же она опубликовала монографию Forms within Forms.

Капсульный отель «9h»

К числу её крайних работ можно отнести дизайн капсульного отеля класса люкс «9h» 2009 года. Вам предоставляется только душ, конечно же, постель и телевизор, на всё отводится максимум 9 часов. Дизайнер вдохновилась пчелиными сотами, и именно поэтому стена с капсулами напоминает пчелиные соты.

В «9h» всего девять этажей и 125 комнат-капсул. А для ещё большего сходства было решено подсвечивать капсулы изнутри жёлтым светом.

Разработкой дизайна отеля занималась Фуми Шибата с её командой из студии Design Studio S на протяжении трёх лет.

Посетителей отеля ожидает постельное белье высокого качества, а также система освещения Panasonic, при помощи управления которой можно создать такой режим, который будет способствовать вашему хорошему сну. Название гостиницы выбрали неслучайно: обычно, когда люди посещают подобные отели, у них уходит на всё не больше девяти часов. Как выяснилось, один час он тратит на принятие душа, семь часов – на сон, и ещё час выделяется на отдых.

Капсульные отели Фуми Шибата появились в одном из японских городов в 1979 году. С тех самых пор их количество многократно стало увеличиваться и увеличиваться, однако стоит сказать, что за пределами государства эту идею не восприняли серьёзно, по этой причине капсульные отели так и закрепились за Японией. Что неудивительно, поскольку нужно обладать поистине восточным терпением, чтобы проживать в комнате размером 1×2×1 м. Все отели устроены однообразно: капсулы располагаются рядом друг с другом в два яруса. Капсула ни на что не закрывается, выход из неё занавешен единственной шторкой из ткани или же стекловолокна.

На входе в комнату с капсулами все снимают свою обувь и убирают её вместе с остальным вещами в специальные шкафчики, которые располагаются отдельно. В самой камере есть телевизор и кондиционер. В общей гостиной можно посмотреть телевизор, также можно воспользоваться платным интернетом или же разогреть еду в микроволновой печи. Туалеты и душевые комнаты расположены отдельно и являются общими.

Но есть и плюсы в капсульных отелях: это жильё очень низкой стоимости. Основным контингентом этих гостиниц являются мелкие служащие, работающие в мегаполисе и живущие в далёком пригороде. Чтобы не тратить несколько часов в день на дорогу с работы и обратно, они снимают ячейку в отеле, что значительно экономит их время и средства. А уже на выходные они уезжают домой.

Интересным фактом является то, что в капсульные отели стараются не заселять женщин, мотивируя это тем, что такие шумные постояльцы могут помешать спокойному мужскому отдыху. В лучшем случае дамам могут пойти на встречу и выделить один этаж, при условии, что они не будут посещать мужскую часть отеля.

Масанори Умеда · Дизайнер

Биография

Родился в 1941 году в далёкой Канагаве. Своё образование в сфере дизайна получил в 1962 году в Kuwasawa Design School. Затем дизайнер принял решение отправиться в Милан, и уже потом в 1967 году Масанори Умеда успешно прошёл практику в проектном бюро братьев Акилле и Пьерджакомо Кастильоне, а после практики дизайнер устроился на работу в Olivetti (которые являются лидерами по производству печатных машинок, а также печатных станций) в качестве консультанта.

«Я считаю, что работы Масанори Умеда не то, чтобы спорные, порой они даже ужасные. Дизайн ради дизайна глупо и вовсе не оправдано. Хотя исключать персону такого «художника» из мира дизайна в Японии не стоит».

Мемфис

Работая в этой компании, Масанори Умеда познакомился с Эттори Соттсасом. Затем он получил приглашение от группы «Мемфис», и он, не раздумывая, стал участвовать в различных дизайн-выставках от «Мемфис». В 1980 году Масанори вернулся обратно в Японию и основал компанию под названием U-Metadesign Inc, которая получила немалую известность и действует по настоящий момент времени.

Самые известные проектные работы Масанори Умеда:

Tarawaya – боксёрский подиум, создан в 1981 году; Ginza – книжный шкаф для выставки группы «Мемфис», создан в 1982 году; ваза Orinoco, создана в 1983 году; создал «Цветочную коллекцию» в 1989 году; кресло Orchid, создано в 1990 году; стул Getsuen, создан в 1990 году; кресло Rose, создано в 1990 году.

Работы дизайнера были показаны на многочисленных международных выставках. Лауреат премии Braun в Германии в 1968 году. Получил премию «Ассоциации японских дизайнеров» в 1984 году и даже Гран-при за дизайн в 1986 году.

Стул Rose

Многие люди очень любят розы (и я думаю, что все женщины делают для своей элегантности и мягкости, для цвета и особенно для бархатного прикосновения). Именно это и вдохновило многих дизайнеров для создания новых интересных продуктов, связанных с ними.

Масанори Умеда не стал исключением, он создал кресло, которое сильно напоминает розу, которое в свою очередь предлагает все удобства, которые человек мог бы попросить. Не зря ему дали название Rose. Также в его изготовлении участвовали ребята из Эдры, которые отлично справились со своей работой, так как они обратили своё внимание на все мелочи и детали, что в свою очередь значительно повлияло на создание изысканного и неповторимого предмета мебели.

Лепестками «розы» служат ручные подушки, которые были изготовлены из бархата, а внутри из пенополиуретана, что придаёт им мягкость и комфорт. Рама кресла имеет каркас, но круглые и мягкие части сделаны из дерева. Ножки «розы» были изготовлены из матового алюминия, которые затем были покрыты неким прозрачным покрытием, благодаря которому они блестят и переливаются.

Икко Танака · Художник

Икко Танака родился в Нара, Японии. Ещё с самого детского возраста он принялся изучать мир искусства, был вовлечён в современную драматургию и различные виды театральных учебных групп.

Успех

Икко Танака – это один из выдающихся японских графиков второй половины XX века. У дизайнера очень интересный стиль, он одновременно прост, но в то же время обладает оригинальностью. Дизайнер стал создателем Design Studio. Работал с такими компаниями, как Mazda, Hanae Mori, Issey Miyake. Дизайнер стал создателем обложек для журналов Graphics annual 85/86, который на те времена был одним из самых популярных дизайнерских журналов, а также Nihon Buyo, Communication & Print.

В графических работах дизайнера соединены стили модернизма, которые в свою очередь содержат основные детали векового канона художественного наследия предков.

Поколения

Работам Икко Танака вдохновлялись и вдохновляются многие поколения, за что дизайнер и получил мировую известность. На протяжении всего творческого пути дизайнера можно наблюдать влияние определённых нескольких стилей, а именно, таких, как швейцарский интернациональный стиль, супрематизм, неопластицизм, а также японская графическая культура.

Икко Танака создал свой стиль графического дизайна, соединил в себе принципы модернизма и эстетики с японской традицией. Стилем дизайнера является простота композиции и цвета, функциональность, а также точность, присутствие свободного пространства на фоне, применяется стиль асимметрии, а также создаётся некое «движение», которое в свою очередь никак не мешает читаемости шрифта.

Шрифт

О шрифте в работах Икко можно сказать так: он, бесспорно, является мастером типографики. Помимо того, что иероглифы несут в себе определённую информацию, они остаются главными образами его стиля в работах. За период поиска себя и своего стиля Икко Танаки создал свой собственный шрифт под названием «cocho».

Интересным фактом является то, что в Японии в зависимости от того, каким способом написан текст, он меняет своё эмоциональное звучание. От способа изображения иероглифа японец получит больше информации, чем от значения слова. Написанный текст должен приносить эстетическое наслаждение – концепция всех каллиграфических японских стилей.

Визуальное восприятие текста так же важно, как и общее впечатление от картины. Визуальное восприятие текста так же несёт в себе важное значение, как и целостное впечатление от картины. Самым известным плакатом дизайнера является плакат, который был задуман ещё в 1981 году для выступления одной труппы танца Nihon Buyo, который он повторно использовал для различных целей, особенно абстрактный вариант гейш. Плакат показывает собой сочетание модернистских чувств и традиционной японской культуры на основе упрощённой иллюстрации гейши.

Традиция

Основная часть работ Икко Танаки была создана ещё в «докомпьютерную эпоху». Именно поэтому всё то, что на данный момент времени создаётся одним кликом мыши, в те времена создавалось вручную. Все цветовые традиции японского искусства, заложенные гравюрой укие-э, неизменно присутствуют в графическом искусстве и дизайне Японии ХХ века. Укиё-э – направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо.

Слово укиё, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами.

Те же черты – изысканность и разнообразие цветовых сочетаний, часть элементов юмора и игры, декоративность и условность – бесспорно, можно найти в работах Икко Танака. К японской традиции можно отнести: различные цветовые гаммы, свойственные японским гравюрам укиё-э, глубину цвета, а также декоративность, условность и изысканность, элементы юмора и игры.

Икко Танака показывал в течение всей своей долгой творческой жизни, что формула успеха художника не только в его таланте, но и в поиске творческой свободы, которая в свою очередь опирается на традиции той культуры, в которой он сформировался как личность. Дизайнер умер от сердечного приступа в возрасте 71 года.

Хиромура Масааки · Дизайнер

Хиромура работает с плакатами, смешивая японскую чистоту и европейскую «рекламность». Работы можно назвать расчётливыми и стильными.

Биография

Хиромура Масааки родился в 1954 году в префектуре Аичи. Дизайнер любит работать с плакатами, совмещая японскую чистоту с европейской «рекламностью».

После того как дизайнер окончил художественный университет «Мусасино» в 1977 году, он начал работать в дизайн-бюро Tanaka Ikko в Токио. Имея за плечами десять лет опыта работы, Хиромура Масааки принял решение открыть собственную студию.

Работы Хиромуры Масааки можно назвать расчётливыми, но в то же время со своим стилем. Они пронизаны лаконичностью и в то же время минимализмом.

Мусор

Хиромура Масааки в свои 23 года уже начал трудиться на благо Икко Танака. В своих работах дизайнер чётко преподносил зрителю настоящее значение «японской типографики».

Благодаря работам Масааки зритель освобождается от некого натиска «рекламного мусора», что позволяет ярко увидеть красоту. Красоту товара, красоту букв, иероглифов, красоту всего того, что Хиромура Масааки так старательно пытается нам всем показать в своих работах. Дизайнер очень любит использовать в своих работах один приём, а именно – увеличенные фотографии на переднем плане.

Студия Х

В 1992 году Хиромура Масааки решил основать студию под названием «ИКС» в Токио, но в том же 1992 году принял решение сменить название на Hiromura Design Office inc.

Портфолио проектов по графическому дизайну от студии Хиромура отмечено огромным количеством наград. Работы охватывают айдентику, рекламу, системы вывесок, а также упаковку. Клиенты включают Иссей Мияке, Nissan и различные музеи, и предприятия в Японии, в том числе и за рубежом.

Иссей Мияке – японский модельер и дизайнер, основатель модного дома Issey Miyake. Представитель концептуальной моды, приверженец инновационного и одновременно функционального дизайна с применением новых технологий.

Масааки Хиромура – консультант по художественным направлениям Tokushu Paper Co., а также доцент Токийского политехнического университета.

«Девять часов» («9h»)

9 декабря в Японии состоялось открытие нового отеля под названием «Девять часов» («9h»), который был спроектирован архитекторами и дизайнерами Хиромура Масааки совместно с Такааки Накамура и Фуми Шибата.

Весьма оригинальную конструкцию в форме капсулы расположили в центре Киото, поблизости с районами Понточио-дори. Данный отель отлично подойдёт для гостей одной из древних столиц, у которых не в планах надолго оставаться в данном отеле, которым хотелось бы просто принять душ, сменить одежду и соответственно поспать. Номерам отеля было принято решение также придать форму капсулы. Они современны, удобны и обладают хорошим техническим оснащением. В каждом номере-капсуле предусмотрена компьютерная система, благодаря которой регулируется освещение в номере.

Система была разработана Panasonic Corp. Эта система позволяет обеспечить вам глубокий сон и, что немаловажно, естественное пробуждение в установленное вами время. В самом отеле находится 9 этажей и приблизительно 125 номеров-капсул.

Название отеля «Девять часов» предполагает примерно следующую программу пребывания гостей: душ – 1 час, сон – 7 часов, одевание – 1 час. Стоимость одного номера составляет 4 900 йен (US$ 54/£34/€ 37).

Широ Курамата · Дизайнер

Широ Курамата является одним из величайших представителей дизайна XX века. Дизайнер любил создавать различную мебель, состоящую из металла и пластика.

Широ Курамата родился в 1934 году в Токио. Чем-то вроде толчка для творчества Курамата послужила учёба в Токийском политехническом институте, а также школе дизайна Кувасавы.

После того как дизайнер получил свой диплом, он некоторое время работал конструктором витрин в одном из крупных универмагов, а уже в 1965 году Широ открыл свою собственную студию дизайна. Дизайнера частенько называют «гением» или же «революционером», а также «разрушителем стереотипов».

Широ Курамата является одним из величайших представителей дизайна XX века. Дизайнер любил создавать различную мебель, состоящую из металла и пластика, акрила и стекла, благодаря Широ создавались шедевры, которые до сих пор считаются неким эталоном «минимализма» роскоши. Дизайнер являлся одним из немногих дизайнеров XX века вместе с Карло Моллино, Эйлин Грей и Жаном Пруве, чья мебель была востребована коллекционерами по всему земному шару. С конца 1990-х годов самые раритетные предметы Широ Курамата достигали по стоимости пяти-шестизначных сумм.

«Memphis»

В начале 1980 года Широ Курамата удалось познакомиться с творчеством Этторе Соттсаса. Дизайнеру так сильно понравились его идеи, что он с радостью откликнулся на предложение вступить к ним в группу «Memphis», которая была создана в Милане. Членами группы также являлись такие дизайнеры, как Питер Шир, Джавье Марискал, Ханс Холляйн и Майкл Грейвз. Они были одними из ярких представителей постмодернистского направления как в искусстве, так и в архитектуре.

«Мемфис – можно сравнить с очень сильным наркотиком. Его нельзя и невозможно принимать слишком много. Не думаю, что кто-то может жить в окружении лишь предметов от Мемфиса, это то же самое, что питаться исключительно пирожными», – Этторе Соттсаса говорил о творчестве своей группы.

Вплоть до 1988 года Широ Курамата частенько любил принимать участие в различных выставках и инсталляциях, которые были организованы группой, что, бесспорно, способствовало набору каких-либо идей для своих будущих творений.

Для своего друга и по совместительству коллеги Иссея Мияке Широ Курамата создавал не только интерьеры бутиков. В 1980-х годах он стал разработчиком флаконов духов для аромата L'Eau d’Issey, изготовить и воплотить в жизнь который удалось лишь двадцать лет спустя.

Уникальные открытия

Одним из уникальных открытий Широ Курамата стало кресло «Как высока луна» («How High the Moon», 1986 год). Оно было изготовлено из никелированной металлической сетки, благодаря которой вся конструкция была лёгкой и прозрачной. Именно мерцание, которое исходило от никелированного покрытия кресла, и напоминает свет луны. Вопреки, казалось бы, неординарному выбору материала, кресло является достаточно комфортным благодаря физическим свойствам металлической сетки. Поэтому оно и пользуется немалым спросом.

Также к числу уникальных и известнейших предметов мебели, созданных Широ Курамата, можно отнести стул «Мисс Бланш» («Miss Blanche», 1988), который является некой визитной карточкой. Именно он обладает чрезвычайной оригинальностью, поскольку выполнен и изготовлен из прозрачной акриловой смолы и декорирован пластиковыми розами. Это дизайнерское решение объединило в себе природную красоту и хрупкость, а также высокую технологичность использованных материалов, подтолкнув дизайнера на открытие и дальнейшее использование эстетического потенциала акрила.

Большую популярность также обрели такие предметы мебели Широ Курамата, как выполненный из бетона стол Kyoto (1983 год) и стол Sally (1987 год), который был сделан из металла и кусков разбитого стекла.

Сотрудничество

Далее он заключал сотрудничество с такими компаниями, как Vitra, Capellini, XO, Kokuyo Co. За свою карьеру дизайнер успел сделать достаточно многое – он сотрудничал с различными музеями, выставками, отелями и даже ресторанами.

По основам его эскизов были созданы многие известные интерьеры у таких магазинов, как Seibu и Esprit. Курамата стал основателем дизайна более 300 баров, а также магазинов и бутиков Issey Miyake в Токио, Париже и Нью-Йорке.

Широ прославился, прежде всего, как автор индустриальных интерьеров, многие из которых тем не менее вполне жизнеспособны и комфортабельны.

Символ эпохи постмодернизма

Дизайнер сочетал минимализм вместе с комфортабельностью и красотой. Это и в наше время является очень актуальным. Многие говорят, что интерьеры, которые были созданы Широ, выглядят будто бы застывшими во времени.

При всей любви и уважении к западной цивилизации Широ Курамата остался истинным японцем, который в свою очередь переосмысливал всё, что видел, и трактовал уже это на свой лад.

Широ Курамата умер 1 февраля в 1991 году, имея на своих плечах статус одного из культовых дизайнеров, а также новатора и символа эпохи постмодернизма. Его работы повлияли на целую плеяду современников, олицетворяя поэзию минимализма в сочетании с практичностью и актуальностью.

За год до смерти, в 1990 году, правительство Франции решило удостоить Широ Курамату Орденом искусств и изящной словесности. Тем самым оно подчеркнуло его огромный вклад в современное искусство. Итальянская компания Cappellini приняла решение посвятить работам дизайнера целую выставку, которая была организована в Милане в 2011 году.

Таданори Ёкоо · Художник

Свой путь графика Ёкоо начал с протеста и свободомыслия. Западная поп-культура, гротеск – то, что Таданори наложил на своё восприятие мира.

Биография

Таданори Ёкоо родился в 1936 году в префектуре Хего, Япония. Он родился и вырос в эпохе послевоенного дизайна. Является японским графическим дизайнером и художником, одним из наиболее известных художников современного искусства в Японии. Ёкоо Таданори был окружён агитационными плакатами, объявлениями и оповещениями о различных военных действиях. Именно это и послужило формированию его видения «современной» Японии.

Сотрудничество

Свою карьеру он начинал ещё в 1960 годы в роли сотрудника газеты «Кобэ Симбун» и немного позже был зачислен в состав Nippon Design Center.

Получил свою известность благодаря новаторскому стилю, который включал в стилистику поп-арта всевозможные национальные символики Японии, которые к тому времени считались архаичными и к которым в графическом дизайне в основном не обращались. Был выбран для главной роли карманника в фильме Нагисы Осимы «Дневник вора из Синдзюку» (в 1969 году).

Удавалось работать с писателем Юкио Мисимой, фотографом Эйко Хосоэ и даже с композитором Итиянаги Тоси, актёрами и основателями авангардных театров Тэраямой Сюдзи, Тацуми Хидзикатой и Дзюро Кара. В 1967-м художник впервые оказался в Америке, где познакомился с Уорхолом, Робертом Раушенбергом и Джаспером Джонсом.

Афишы

Является автором афиш ко многим театральным постановкам Тацуми Хидзикаты, национальных японских театров, в том числе Кабуки по пьесам Юкио Мисимы, к кинофильмам, а также к выступлениям «The Beatles», «Emerson», «Lake & Palmer». Помимо этого, он автор обложек к альбомам Карлоса Сантаны и Майлса Дэвиса. В 1972 году состоялась персональная выставка Таданори Ёкоо в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 2012 году одна из работ Таданори Ёкоо была представлена на выставке современного японского искусства «Двойная перспектива» в Московском музее современного искусства.

Будучи одним из самых известных художников современной Японии, Таданори Ёкоо достаточно часто получает предложения по сотрудничеству. С дизайнером Иссеем Мияке Таданори работал на протяжении двух с половиной десятков лет: художник должен был придумывать различные приглашения, рекламные кампании и графические принты для одежды Дома Issey Miyake.

Графический стиль

Когда человек смотрит на плакаты Ёкоо Таданори, то он невольно начинает задумываться над решением головоломки, и было установлено, что для европейца это становится всё сложнее и сложнее.

Из-за того, что стиль Таданори – это глубочайшее погружение в японские традиции, цвета и образ мысли, а если говорить точнее, то в некое отрицание традиций Японии, сложный коктейль противоречий, который Ёкоо Таданори пытается перевернуть и показать через определённую призму своих графических работ. Ёкоо является саркастичным, порой даже язвительным и одновременно чувственным человеком.

Свободомыслие

К сожалению, путь Таданори начался с войны. Именно она, забрав многое, что было у Ёкоо, дала ему путь к новому индустриализму в Японии, что, соответственно, и дало небольшой шанс появиться графическому дизайну, который, в свою очередь, стал обширной, самостоятельной профессией. Также интересным фактом является то, что Ёкоо Таданори очень сильно любит розовый цвет. И полностью игнорирует, и не принимает традиционные, всеми принятые японские цвета.

Свой путь графика Ёкоо начал с протеста и свободомыслия, что неудивительно. Западная поп-культура, гротеск – то, что Таданори наложил на восприятие мира своими глазами.

Смерть

В числе друзей Ёкоо даже был романист Юкио Мисима, он являлся значимой фигурой в жизни графика Ёкоо Таданори.

После его смерти (Юкио Мисима, следуя всем самурайским обычаям, совершил харакири) стилистика Таданори в работе очень сильно поменялась.

Именно это и привело Таданори к технологиям современности (а именно – графические редакторы). Хотя Ёкоо и остаётся верным странной школе, ведь ручная работа порождает различные острые ощущения, эмоции и накапливает опыт, очень сильно ценится.

Казуо Кавасаки · Дизайнер

В 28 лет для него случилось печальное событие, он попал в аварию и после этого был вынужден использовать инвалидную коляску.

Особенность

Казуо Кавасаки родился в 1949 году в Фукуи и окончил колледж искусств Kanazawa College of Arts. И есть одна деталь, которая стоит того, чтобы на неё обратили внимание, это то, что Кавасаки имел опыт работы в Toshiba промышленным дизайнером, помимо этого, он был философом.

Среди его популярных работ были: инвалидная коляска CARNA (часть постоянной коллекции в MoMA, New York), также он создал одноимённый бренд очков Kazuo Kawasak. Когда-то работал над созданием компьютеров EIZO. Один из исследовательских проектов Казуо – дизайн искусственного сердца.

MoMA – Музей современного искусства.

Толчок для работы

В свои 28 лет ему не посчастливилось попасть в аварию, из-за которой ему необходимо передвигаться в инвалидной коляске. С другой стороны, может быть, именно это событие и стало тем самым толчком для Казуо Кавасаки, так как его интересы в плане дизайна развивались не так успешно.

Он являлся разработчиком дизайнов предметов всевозможной направленности, будь то различные столовые приборы, стаканы, ядерные системы, протезы, мониторы, плееры. Работы Казуо Кавасаки были представлены в Музее современного искусства и Национальном музее дизайна Нью-Йорка (в США), в Монреальском Музее Науки (в Канаде) и в Центре дизайна Штутгарта (в Германии).

После основания своей компании он заключил сотрудничество с такими компаниями, как:

Eizo; Sony; Apple; Canon; Fujitsu; Toshiba; Matsuda; Moriseiki; NTT DoCoMo.

Кавасаки являлся директором по дизайну Apple в начале 1990-х и имел возможность разработать портативные компьютерные устройства под названиями: MindTop, POPEYE, Pluto, Sweatpea и JEEP.

Известные работы Казуо Кавасаки

TENSU (стул) создан в 2001 году; INTERTop (нетбук) создан в 1997 году; CLIPEUS (динамики) созданы в 1984 году; ILUS (настенные часы) созданы в 1989 году; Aurex (стереонаушники) созданы в 1989 году; MIKROS HOLA (будильник) создан в 1990 году; Fu taku Kakushu (комод) создан в 1984 году; Fu taku Marukuro (комод) создан в 1984 году; HR-910 (стереонаушники) созданы в 1976 году; HR-710 (стереонаушники) созданы в 1976 году; Sweatpea (аудиосистема) создана в 1991 году; CARNA (инвалидная коляска) создана в 1989 году; EXPANDABLE KEYBOARD (растягивающаяся клавиатура) создана в 1992 году; RyoRan Tissue Box (салфетница) создана в 2002 году.

Пускай Казуо Кавасаки и является очень занятым и востребованным дизайнером из Японии, но это никак не отвлекает его от ведения преподавательской деятельности: профессор в университете Осаки; приглашённый профессор в университете Tama Art и Kanazawa Institute of Technology, неоднократно участвовал в выставках MoMa.

Эргономичный дизайн очков Казуо Кавасаки

Это бренд, который отлично воплощает в себе прославленный дизайн Казуо Кавасаки с технической прочностью. Дизайн был основан на концепции smart & high technology, он воплощает в себе функциональность и минимализм в количестве деталей.

В процессе разработки очков они используют лёгкий, а также удобный и практичный для человека титан в качестве основного материала. Тем самым компания разрабатывает очки следующего поколения, которые действительно будут практичны и необходимы в использовании. Резонанс дизайна и технологий очков открывает новейший и широчайший мир.

Сори Янаги · Дизайнер

Среди наиболее известных творений Янаги – «стул-бабочка», ставший идеальным сочетанием прикладной ценности и традиций японского дизайна.

Начало карьеры

Сори Янаги родился в Токио в 1915 году. Дизайнерская карьера Янаги началась практически сразу после того, как он окончил Государственный Университет искусства в городе Токио, где он благополучно стал изучать различные виды архитектуры и живописи.

В начале 1940-х годов Янаги повезло, и его приняли на работу в компанию небезызвестного дизайнера Шарлотты Перьян.

Создание собственной компании

В 1952 году, Сори Янаги решил основать собственную компанию и незамедлительно занялся разработками собственных моделей дизайна промышленных объектов, посуды и всевозможных предметов обихода.

Одним из самых популярных и известных творений Янаги является «стул-бабочка». По мнению многих критиков, именно это творение отражает в себе сочетание прикладной ценности и многочисленных традиций японского дизайна.

Объекты, которые создал Сори Янаги, отличаются от остальных своими плавными линиями, обладающими необычайным, но в то же время простым изяществом. Именно благодаря своему «стулу-бабочке» Сори Янаги и приобрёл свою известность и популярность всемирного масштаба.

Победы

А в 1957 году дизайнеру удалось одержать победу на триеннале в Милане вместе со своим творением.

Стул-бабочка, за который Сори Янаги получил золотую медаль Миланского триеннале, представляет из себя две одинаковые, полностью идентичные части, которые скреплены между собой металлическими стержнями. Его ножки изогнуты для того, чтобы придать больше устойчивости, а сидение стула со стороны действительно напоминает распростёртые крылья бабочки, которая готовится вот-вот взлететь. Уникальность его творения состоит в том, что стульчик соединяет в себе всё изящество японского рисунка, культуры и каллиграфии, а также функциональность, практическую пользу и универсальность западных веяний.

Неповторимые объекты

Все критики, которым удавалось оценивать работы Сори Янаги, говорили, что при создании своих работ дизайнер сохраняет в них японский дух и при этом создаёт универсальные и неповторимые объекты, которые будут понятны и приняты с восторгом в любой точке мира. В 1954 году мир увидел новую работу Янаги, которая обрела не меньшую известность и популярность: «стол-слон» из пластмассы.

Помимо различных предметов мебели, дизайнер также разрабатывал дизайны ламп, детских игрушек и даже автомобилей.

Сори Янаги являлся директором Музея народного искусства в Токио, но назвать его японцем трудно – он человек мира. Права на его творения сейчас перешли на международную компанию под названием Vitra, которая занимается разработкой дизайнов предметов интерьера, мебели и т. д., главный офис которой находится в Швейцарии.

Легендарные табуреты Elephant Stool, которые были созданы в 1954 году, составляют часть экспозиции мебели, которые были размещены компанией под названием Vitra в знаменитом Брюссельском Атомиуме – выставочном павильоне, построенном в виде увеличенной в 150 млрд раз молекулы железа. Символично, что сам Атомиум воздвигнут в тех же 50-х годах в качестве ответа Эйфелевой башне.

Шары, которые покрыты металлическими пластинами, соединяются трубами с лестницами внутри них – строение, как правильно отметил генеральный директор Vitra Рольф Фельбаум, не просто оригинальное, неповторимое или же даже причудливое, это буквально символ человеческого оптимизма, жажды прогресса и «трогательного романа с современностью».

О своём творчестве, Сори Янаги говорил так: «Я стараюсь создавать вещи, которые мы, человеческие существа, считаем полезными в нашей повседневной жизни. Во время этого процесса естественным образом рождается красота. Когда вы делаете объект, который должен быть использован вручную, он и должен быть сделан вручную».

Elephant Stool

Пластмассовый стульчик, и при желании его даже можно назвать столом, получил название «слон». Именно он так хорошо нам знаком и узнаваем, и никто даже не задумывался о том, что именно этот «стул-слон» был разработан дизайнером. Стул действительно оказался очень удобной и универсальной вещью. Он является очень лёгким и устойчивым табуретом, состоящим из трёх полусферических ножек, с сиденьем, которое углублено внутрь, и действительно со стороны он чем-то напоминает силуэт слона. Его главным преимуществом является максимальное удобство, а самое главное – доступность и простота.

И вовсе не удивительно, что мебель знаменитого дизайнера на весь мир Сори Янаги, которая была создана им ещё 60 лет назад, до сих пор пользуется большим спросом и остаётся олицетворением будущего.

Наото Фукасава · Дизайнер

Значимым годом стал 1989, в этот год Фукасава переезжает в Сан-Франциско и начинает трудиться на благо маленькой компании ID two.

Наото Фукасава родился в 1956 году в Японии в городе Яманаси. В один период жизни Наото мечтал стать художником, но в какой-то момент он полностью ушёл в сферу дизайна, и вследствие чего Наото Фукасава решил поступить в Токио в Университет искусств Тама. Уже в 1980 году Наото окончил свой факультет искусства и трёхмерного дизайна, после чего и начался его пусть дизайнера с компании Seiko Epson, в которую его благополучно приняли. О нём говорили: «Создавать дизайн – значит придавать форму ценностям, которыми люди негласно делятся друг с другом и к которым стремятся».

Наото Фукасава подмечает эти ценности и делает точный набросок. Его способность визуализировать «незримые стороны» вещей нелегко объяснить, но смотришь на его работы и убеждаешься – умеет.

IDEO

Очень важный и значимый период в жизни Наото Фукасава пришёлся на 1989 год, именно в этот год Фукасава решается на переезд в Сан-Франциско. Именно там он начинает трудиться для небольшой компании под названием ID two, которая некоторое время спустя изменила своё название на IDEO.

Штат их сотрудников составлял всего 15 человек. Спустя 7 лет Наото Фукасава принимает решение вернуться в Токио, а в 1996 году решает основать азиатский филиал всё той же компании IDEO.

IDEO – это крупнейшее международное агентство по промышленному дизайну.

Первое дизайн-бюро

В 2002 году Наото Фукасава покинул данную компанию и решил открыть своё первое дизайн-бюро под названием Naoto Fukasawa Design в Токио. На создание своего личного бренда ±0 (Plusminuszero) ушёл всего лишь один год, стали выпускаться товары народного потребления, которые пользовались немалым спросом.

В 2006 году Наото Фукасава вместе с Джаспером Моррисоном устроил выставку Super Normal. Джаспер вспоминал, как вовремя Salone del Mobile в 2005 году в Милане разговаривал за чашкой чая с Такаши Окунтани. Он рассказывал о сотрудничестве с Muji, о дизайне столовых приборов для компании Alessi и решил привести в пример алюминиевые стулья Наото Фукусава Déjà vu для Magis.

«В них есть какая-то особая «нормальность», – сказал Джаспер.

И тогда Такаши воскликнул: «Они сверхнормальные!» – именно таким образом и родилось название той выставки.

Muji – известный японский бренд корпорации Ryohin Keikaku.

Алюминиевые стулья Déjà vu породили целый ряд мебели из прессованного алюминия: в комплекте – барные стулья и стол. В результате чего получилась вполне знакомая история, но в то же время современная и универсальная, неповторимая.

Однажды уже не малоизвестный успешный дизайнер Наото Фукасава высказал мысли о дизайне: «Дизайн можно рассматривать как процесс, который не только обеспечивает основную функцию объекта, но и облегчает альтернативные функции, которые могут быть обнаружены в активной среде использования предмета».

Простота и минимализм

Наото Фукасава все свои проекты связывал с простотой и минимализмом. Наото имеет некую связь с мебелью, светильными приборами, посудой и бытовой электроникой.

Проект «Не задумываясь» для компании под названием Muji в своё время высоко поднял и закрепил дизайнера над остальными и стал одним из самых популярных и известных его проектов.

Это произошло в 1990 году, проект принёс дизайнеру Наото Фукасава свыше 50 международных наград в сфере дизайна. В том числе Наото посчастливилось стать обладателем престижной награды IF Gold Award.

Его концепция удобства и полезности, простоты для конечного пользователя, то есть нас, стала главной особенностью дизайна Фукасавы на протяжении всей его жизни.

Дизайн не обдуман заранее, в нём заложен потенциал различных посланий, он познаётся в процессе общения с ним.

Бренды

На сегодняшний момент Наото Фукасава сотрудничает с ведущими производителями Италии, Франции, Германии, Швейцарии, Испании, скандинавских и азиатских стран, читает лекции в своей альма-матер – Университете искусств Тама на факультете объектного дизайна, а также в других университетах, в том числе он консультирует различные японские бренды.

А́льма-ма́тер – старинное неформальное название учебных заведений, которые изначально давали в основном теологическое и философское образование, как организаций, питающих духовно.

Бренды, которые выбирали Фукасаву и сотрудничали с ним:

Artemide, Apple, B & B Italia, Danese, Driade, Epson, Hitachi, Inax, Magis, Matsushita Electric, Muji, Nec, Nice, Samsung, Seiko, Sharp, Steelcase, Toshiba.

Haptic branding

Именно Наото Фукасаве получилось внедрить в головы различных маркетологов и продюсеров методику «тактильного брендирования» (haptic branding) – смысл этой методики состоит в том, что визуальное восприятие предмета является лишь частью нашей перцепции. Пользуясь предметом изо дня в день, мы привыкаем к его форме, весу, фактуре, пальцы помнят изгибы пультов и мышек, кофейников и чашек, мы не только видим, но щупаем бренды, и это необходимо учитывать, создавая новые коллекции и продвигая их на рынке.

Куичи Окамото · Дизайнер

В настоящее время дизайнер всё больше и больше начинает приобретать и наращивать свою популярность.

Куичи Окамото является молодым современным дизайнером. В 2006 году стал основателем студии под названием Kyoei design. В 2010 году дизайнер был выбран в качестве одного из 100 лучших художников современности в Сан-Паулу.

Звукорежиссёр

Дорога к миру дизайна у Куичи Окамото началась с должности саунд-продюсера (звукорежиссёра) в Нидерландах. Он выпустил музыкальный проект под названием «Привет, свет» совместно с фирмой X-Trax, после чего в основном стал работать и сотрудничать с голландскими и английскими музыкальными фирмами и компаниями.

В то время любил работать с аналоговым звуком, получил опыт сотрудничества с такими фирмами, как X-Trax и Re-Run, во время нахождения в Нидерландах вдохновился и покорился работами голландского дизайна и стал углублённо изучать его, благодаря чему создал собственную марку Kyouei.

Аутентичные работы

В настоящее время дизайнер всё больше и больше начинает приобретать и наращивать свою популярность. Созданные им предметы интересны.

Дизайн работ можно назвать «аналоговыми», аутентичными. Конечно же, сфера применения таких продуктов крайне мала, хотя это не мешает Куичи Окамото творить дальше. В 2010 году его работа «Стеклянный резервуар» была включена в постоянную коллекцию музея современного искусства в Сан-Франциско.

Японский дизайнер Куичи Окамото представил свой новый арт-проект Magnetic Field Record, который визуализирует силу тяжести.

Для реализации своей задумки Куичи пришлось соорудить некую необычную конструкцию. Дизайнер решил повесить над белым листом бумаги что-то вроде стрелки компаса. На конце одной стороны Окамото прикрепил маленькую ёмкость, в которой находится тушь. В качестве противовеса на противоположной стороне было принято решение закрепить магнит. По мере капания краски и опустошения маленького сосуда этот магнит менял своё вертикальное положение благодаря силе тяжести. В результате этого круги на бумаги меняли свой радиус, следовательно, и насыщенность. Из слов Куичи Окамото становится ясно, что физические закономерности являются большим вдохновением для дизайнера.

Он говорил: «Я хотел зафиксировать невидимое явление».

34 страны и музеи

Продукты, произведённые Куичи, продаются в 34 странах мира, они доступны как в стандартных дизайнерских магазинах, так и в различных музеях. И студия дизайна в Японии работает как раз над этим. А именно над конечным продуктом для реализации, созданием внешнего продуктового дизайна, упаковкой продукта и подачей его публике.

Куичи Окамото и его компания Kyouei Co. Ltd создают различные интересные и необычные лампы, состоящие из бумаги, воздушных шаров и даже телевизоров.

Лампа из бумаги HONEYCOMB

«Для лампы HONEYCOMB (Медовые соты) мы использовали Denguri paper, – говорит Куичи Окамото.

Dengri paper является некой местной традицией района Shikoku, который находится в самой Японии.

Конструкция лампы удивительно проста – светильник завернут в обычную бумагу, которая в свою очередь сложена специальным образом, похожая на китайские фонарики. Толщина бумаги в сложенном виде должна составлять 2 сантиметра. Когда вы приобретёте этот объект, вы получаете плоскую упаковку (также стоит обратить внимание, что источник освещения не входит в комплект) и сами должны развернуть его, постепенно придавая ему нужную форму и объём. Даже в наполовину развернутом виде, без источника освещения этот объект вполне может быть использован как элемент декора в вашей квартире.

BALLOONLAMP – лампа из воздушного шара

Куичи Окамото говорил, что хотел создать такую лампу, которая бы была максимально проста и имела бы минимальный набор функций. Он стал думать об источнике питания, который бы не требовал подключения к электросети. Прототипом ему послужили японские светильники под названием CHOCHIN.

Это переносные светильники, источником освещения в которых являются обычные свечи. В его лампе пламя было заменено некими светодиодами, а свечи – батарейками, и бумажный абажур – специальным резиновым шариком. И лампа BALLOON LAMP была готова.

Two days & four products

В марте в Shizuoka Prefectural Museum of Art на протяжении двух дней проходила выставка работ Куичи Окамото под названием Two days & four products – «Два дня и четыре изделия».

На выставке были представлены инсталляции из:

200 ламп Balloon; 15 светильников COLOR LIGHT, проще говоря, телевизоров, экраны которых создавали цветосветовой пояс (это очередная простая, но оригинальная задумка Окамото – использовать экран телевизора в качестве светильника, меняющего цвет по вашему желанию. Для этого на DVD записывается множество цветов, вы выбираете один из них – и светильник готов); подвешенных к потолку ламп Honeycomb; 3-х CD-плееров, которые издавали различные странные мелодии. В плееры были установлены необычные CD диски – также изобретение при помощи компании дизайнера Куичи Окамото. У этих дисков есть некая особенность, их можно проигрывать только в режиме Random – то есть только в режиме случайного выбора мелодии. С диска случайным методом выбираются звуки, из которых составляется новая мелодия.

Россия

Эркен Кагаров · Дизайнер

Эркен Кагаров – российский дизайнер, арт-директор студии Артемия Лебедева, основатель студии Imadesign, вице-президент Академии графического дизайна.

Биография

Родился в городе Ташкент (Узбекистан), в семье художников. Решив продолжить династию, поступил учиться в институт искусств и, закончив его в 1992 году, переехал в Москву.

Жизненный и творческий путь

Первым местом работы в сфере дизайна стало рекламное агентство «Гратис»; в 1994 году Кагаров основал студию Imadesign (до 2010 года); в 1999 году стал руководителем творческого отделения Высшей академической школы графического дизайна; с 2011 по 2012 год возглавляет художественное направление Пермского центра развития дизайна; в 2012 году был назначен арт-директором Студии Артемия Лебедева. Эркен Кагаров также является членом Московского союза художников, Союза дизайнеров России и членом художественного совета при Архсовете Москомархитектуры.

Направления работы

Одним из любимых направлений работы дизайнера является создание логотипов. На данный момент Эркен создал их уже около 1000. Многие из этих работ отмечены на конкурсах, некоторые находятся в частных коллекциях, и часть выставляется в Третьяковской галерее.

Также Эркен Кагаров усердно работает в области опытов с оптическими иллюзиями, сотрудничает в этом направлении с известными компаниями и проводит выездные лекции в городах России.

Много усилий Кагаров уделяет развитию проектов в сфере благоустройства городской среды. Например, он был одним из создателей проекта «Дизайн-код Москвы», в котором разрабатывались правила размещения вывесок, система пешеходной навигации и т. д.

Студия Артемия Лебедева

Студия Артемия Лебедева основана в Москве в 1995 году. Основными направлениями работы студии являются: промышленный, городской, графический дизайн, создание систем навигации, сайтов, дизайн паттернов, книгоиздание и архитектура.

На данный момент студия является одной из основных в сфере дизайна в Московской области, сейчас в штате работают более 70 дизайнеров, а в портфолио команды более 3500 проектов.

С 2012 года по настоящее время арт-директором студии является Эркен Кагаров. В стенах студии он создал 141 проект в различных направлениях: от спорта до сферы логистики.

Известные работы, заказчики

Одной из самых известных работ Эркена Кагарова, благодаря которой он получил известность, стала разработка логотипов-перевёртышей для Москвы. В 2011 году автор предложил своим коллегам разработать дизайн логотипа Москвы, но особенность заключалась в том, что название должно было состоять из двух частей MOS и COW для того, чтобы надпись могла удобно читаться слева направо и справа налево, а вписан логотип в квадрат, повёрнутый на 45 градусов.

Среди известных работ можно выделить дизайн магазинов, таких как «ВкусВилл», Quick Step, парка «Зарядье», разработка дизайна улиц некоторых городов и множество других работ.

Награды и признание

Приз «Виктория» (с 1997 по 2001 год) на конкурсах «Дизайн. Лучшая работа»; 1-е место в конкурсе «Упаковка – Звезда России» (2002 год); Гран-при на Московской биеннале графического дизайна «Золотая пчела», где в различные годы Эркен занимал первые, вторые и третьи места; в 2004 году занял 2 место на Московском Международном фестивале рекламы; Гран-при Московской биеннале «Золотая Пчела-5»; Гран-при Международного конкурса логотипов «Тамга-2003» и многие другие.

Артемий Лебедев · Дизайнер

Артемий Лебедев родился в семье профессора филологии Андрея Лебедева и известной телеведущей и писательницы Татьяны Толстой. Родители решили дать мальчику домашнее дошкольное воспитание, которое благоприятно отразилось бы на его характере. С самого детства Артемий увлекался творчеством, а любимым занятием в начальных классах было придумывание и написание логотипов для своих друзей и одноклассников из первых букв их имён.

Обучение

В школе мальчик учился плохо, прогуливал занятия, за что и отчислялся. Успел поменять три московских общеобразовательных заведения. В конце 80-х семья Лебедевых переехала в Америку, где Артемию пришлось учиться в местной школе. Через год он вернулся в Россию без родителей и стал учеником гуманитарного класса московской школы. Впоследствии поступил на факультет журналистики в МГУ, но был также отчислен на втором курсе. Благодаря этому Артемий стал учеником лучшего дизайнера и графика России Троянкера, который сумел заинтересовать Лебедева дизайнерским направлением.

Личная жизнь

Личную жизнь дизайнер тщательно скрывает. Всё, что не касается его профессиональной деятельности, не выносится на обсуждение публики. Известно лишь, что он был женат на журналистке Литвинович Марине, которая родила сына. Вскоре супруги развелись, и до сих пор Лебедев холост. Ходят слухи, что после развода дизайнер ещё трижды становился отцом, но сам Артемий эту информацию не обсуждает и не подтверждает.

По собственному утверждению является отцом 10 детей, четырёх девочек и шести мальчиков.

Своё свободное время тратит на путешествия и поездки по России с лекциями и мастер-классами.

Студия Артемия Лебедева

С 1998 существует «Студия Артемия Лебедева», которая считается первой и самой продуктивной и известной в сфере дизайна в России. За это время веб-студия осуществила более трёх тысяч проектов в разных дизайнерских направлениях. Это и промышленный дизайн, городской, графический, оформление сувенирной продукции, проектирование интерфейсов и большой перечень других направлений. Логотип Крыма, плакат туристического портала и схема метро Петербурга, дизайн дорожных знаков, дисконтной карты, компакт-диска известной группы «Агата Кристи» – это лишь малая часть известных работ талантливого дизайнера. Услугами студии пользуются такие крупные заказчики, как «Евросеть», «Яндекс», «Майкрософт» и другие известные фирмы и компании, для которых Артемий и его команда создают узнаваемые и уникальные логотипы и дизайны.

Провокация

Для привлечения внимания к своей студии Артемий часто делает громкие и провокационные заявления, употребляет в речи большое количество нецензурной лексики. Благодаря отсутствию политических и религиозных взглядов Артемий часто фигурирует в различных скандалах. Им часто бывают возмущены православные эксперты, парламентарии, различные пользователи сети. Нередки случаи, когда на блогера подавали судебные иски. Сам Артемий над выпадами в свой адрес смеётся и считает свою скандальную деятельность отличной пиар-кампанией.

Тем не менее ежегодно «Студия Артемия Лебедева» и сам руководитель получают престижные награды. Его профессиональная деятельность признана и популярна не только на территории России, но и далеко за её пределами. Артемий вывел российскую сферу дизайна на высокий мировой уровень.

Награды

2019: Вебби авардс за сайт «Сотби», Иф коммуникейшн дизайн авард за айдентику Российской премьер-лиги, Иф коммуникейшн дизайн авард за таблицу Менделеева, Большая рыба за логотип и айдентику «Утконоса».

2018: Ред дот дизайн авард за логотип Российской премьер-лиги, Ред дот дизайн авард за навигацию дизайн-завода «Флакон», Графис силвер авард за шрифт Ламон, Иф коммуникейшн дизайн авард за сайт «Таймстрайп», Иф коммуникейшн дизайн авард за новые автомобильные номера, Тайпфейс дизайн авард за шрифт Ламон.

Зорик Истомин · Дизайнер

С совершенствованием цифровых нанотехнологий «новые медиа» начинают динамично наполнять собой как творческий труд человечества, так и повседневный быт. На всём земном шаре художники стали постигать электронные ресурсы для «рождения» своих плодов вдохновения.

И наряду с этим встал вопрос: «А можно ли приурочить их цифровые творения к искусству?».

Ответ на этот вопрос кроется в творчестве Зорика Истомина. Он стал «первопроходцем» среди российских художников, перешедших на цифровую форму творческой деятельности. Проекты Зорика Истомина увенчались триумфом, а единственный в своём роде стиль начисляет целый ряд последователей по всей Вселенной.

Биография

Эта творческая персона является и художником, и фотографом, и философом, и писателем, и музыкантом, и дизайнером, и клипмейкером. Приобрёл известность благодаря популяризации цифрового искусства и фэшн-взгляду на творческую деятельность.

Родился 6 марта 1990 года в городе Иркутск (восточная Сибирь), раскинувшемся возле хрустальных вод Байкала. Мама Зорика Истомина – градостроитель, а папа – психолог. Ещё с юности он интересовался цифровыми фотоизображениями и таким экстремальным видом спорта, как паркур. Свою художественную карьеру начал с обрисовок фото посредством Adobe Photoshop. На фотографиях был запечатлён сам Истомин и его друзья.

Спустя некоторое время разработанная им техника получила широкое распространение во Всемирной паутине. С 16 лет молодой человек уже стал зарабатывать денежные средства своей творческой деятельностью, создавая графику, постеры к фильмам, видеоролики, обложки музыкальных альбомов.

С 19 лет стал заниматься преподавательской деятельностью, а именно обучением базовых основ цифрового искусства, а также чтением лекций о творческой мысли. На протяжении 5 лет объезжал десятки российских городов и СНГ с тренингами, чтобы поделиться своим опытом.

Проживает в столице РФ, состоит в браке и занимается воспитанием своей дочери.

Работы и заказчики

Пик величайших творений Истомина пришёлся на период 2009–2014 годов. Его работы сильно затронули молодое поколение, в частности фанатов digital art, и повлекли за собой мегапопулярность художественной обработки фотоизображений:

2011 г. – коллегиально с Кравцем и Таиром Мамедовым (его друзья) создали проект, именуемый «Стикербук», увенчавшийся успехом и благодаря которому был создан новоявленный рынок «стикербуков» в Украине и РФ; 2012 г. – вместе с Сергеем Валяевым создали объединение, именуемое Smokin Heroes, а её основанием к такой бешеной популярности послужили проекты: рюкзак-гамак «HammoBag», «Show Yourself», участливое отношение в создании кинофильма «Хардкор» и «Город грехов-2» (люминесцентные постеры), музыкальные видео Biting Elbows «Bad Motherfucker»; 2017 г. – учреждает студию цифрового искусства THE и работает с такими брендами, как IKEA, Apple, Adidas и MTS, Nike, Salomon, Comedy Club, Yota, Lexus, Burger King, Panasonic.

Также заказчиками Зорика Истомина были: Кажэ Обойма, Смоки Мо, Баста, Крипл, «Центр» и многие другие деятели хип-хоп индустрии.

Всеобщее признание

В настоящее время Зорик Истомин – художник, оценённый всеми по достоинству. Кроме того, Зорик Истомин – дизайнер и признанный деятель культуры, реализующий нео-проекты в сфере цифрового искусства и дизайнерского моделирования. Его творческие труды можно созерцать в галереях и частных коллекциях по всему земному шару. Он сделал себе шикарную карьеру благодаря многолетнему профессиональному стажу работы с передовыми компаниями, музыкантами и режиссёрами.

Иван Богданов · Дизайнер

Иван Богданов – русский дизайнер, руководитель и основатель проекта «Мастерская Ивана Богданова», основатель трёх брендинговых компаний. Имеет огромный опыт работы в сфере визуального брендинга (более 15 лет). Его клиентами являются такие крупные компании, как «Сбербанк», «Пенсионный фонд России», Cosmopolitan, Sony и другие.

Биография

Из биографии дизайнера известно немногое. В дизайне и рекламе Иван более двадцати лет. В то время он переехал в Москву для того, чтобы работать в студии Артемия Лебедева, но не получилось. И только позже его первым настоящим местом работы в сфере дизайна стало рекламное агентство Leo Burnett (& Moradpour). Это произошло в далёком 1996 году, когда Иван ещё не определился окончательно со своим призванием и не раз отвлекался от рекламы, например, на киноглянец, телевидение и даже винную торговлю.

Направление работы

Богданов сам про себя говорит, что в рекламе может делать практически всё: от написания текстов до визуального составляющего.

На данный момент основное место в деятельности дизайнера занимает: собственный проект «Мастерская Ивана Богданова» – это авторская онлайн-школа по визуальному брендингу; вице-президент в сфере брендинга в крупной компании Id systems; основатель нескольких брендинговых компаний, таких как Brandwork, B2Brand, Summadesign; персональный дизайнер по брендингу множества крупных компаний, о которых говорилось в начале статьи.

Студия Ивана Богданова

Студия носит название «Мастерская Ивана Богданова». Она является онлайн-площадкой по обучению в сфере брендинга и дизайна. В авторской школе Богданова регулярно проходят различные практикумы дистанционного обучения. Курсы предназначены как для начинающего дизайнера, так и для опытных мастеров этой сферы, желающих внести что-то новое в своё творчество.

В ходе практикумов предоставляется огромное количество полезной и наглядной информации, которая, несомненно, даёт прорыв в творчестве любого человека.

Эпатаж

Как и многие творческие личности, Иван Богданов отличается особой эксцентричностью и эпатажностью. Первое, что сразу же бросается в глаза, это его манера общения: очень живая, дерзкая, часто сопровождающаяся нецензурной лексикой.

Иван – человек, обладающий отличным чувством юмора. В его жизни происходит множество ярких запоминающихся случаев, о которых он зачастую рассказывает в интервью.

Известные работы, заказчики

На данный момент Иван является одним из самых авторитетных дизайнеров в России, именно поэтому его клиентами являются огромные российские корпорации.

Например, он является создателем логотипов ПАО «Сбербанк», «Альфа-банк», корпорации Sony, а также является со-дизайнером обложек Men's Health, Cosmopolitan и других.

Девизом его работы является простое и доходчивое донесение основной идеи креативным способом, именно поэтому Богданов заслужил устойчивый авторитет в своей нише.

Скандалы

Иван Богданов очень трепетно относится к общению дизайнера с клиентом и говорит, что клиенту нужно учиться общаться с дизайнером, иногда объясняя свои требования, как маленькому ребёнку. Потому что дизайнер, отдавая своё творчество, очень остро чувствует недовольства заказчика, поэтому может просто бросить работу, не поняв клиента.

На этой почве непонимания с клиентами у Ивана часто происходили скандалы, но, как правило, всё заканчивалось хорошо, и обе стороны приходили к консенсусу.

Владимир Лифанов · Дизайнер

Владимир Лифанов – успешный, молодой и талантливый российский художник-дизайнер интернет-сайтов и разработчик индивидуального стиля выпускаемой фирменной продукции. Он основатель и один из учредителей брендингого агентства Suprematika.

Биография

Будущий дизайнер родился в городе Протвино Серпуховского района Московской области 11 июля 1984 года.

Владимир Лифанов с детских лет тяготел к творчеству и любил рисовать. Поэтому обучение своей будущей профессии и дела жизни начал с художественной школы, а продолжил образование в МГАХУ памяти 1905 года по специальности «Графический дизайн».

Направление деятельности

Лифанов свою деятельность осуществляет в Москве и занимается одним из самых востребованных на сегодняшний день видом дизайна: придумывает логотипы и визуализирует идеи рекламного характера для продвижения продукта, занимается оформлением сайтов. Одним словом, в сфере дизайна это называется айдентикой (корпоративный или фирменный стиль).

Корпоративная идентификация – внешний образ предприятия в глазах общественности, заказчиков и сотрудников. Она обеспечивается различными средствами, включая характерный дизайн, брендинг и использование товарных знаков. Корпоративная идентичность выражается в атрибутах корпоративного стиля.

Помимо этого, дизайнер читает лекции и семинары, проводит вебинары и курсы дизайна. Является членом жюри конкурсов по дизайн-проектам и продвижению продуктов.

Студия Suprematika

Владимир Лифанов является основателем и креативным директором такой брендинговой фирмы, как Suprematika («Супрематика»), которая вышла на рынок в 2009 году и сразу же завоевала признание и уважение заказчиков и профессионалов. Он вместе с сотрудниками данного агентства занимается созданием интернет-сайтов, разрабатывает фирменный стиль продукта или фирмы в целом, графический дизайн и анимацию, красивое внешнее представление товара (дизайн упаковки), яркие запоминающиеся слоганы.

За время своего существования фирма выпустила в свет сотни неповторимых и непохожих ни на что проектов, которые достойно были оценены заказчиками и завоевали лидирующие места на всевозможных российских конкурсах и фестивалях, а также за рубежом.

Сегодня Suprematika занимает уверенную позицию в брендинговой категории и второе место среди российских брендинговых предприятий. Это одна из профессиональных российских фирм в области графики и дизайна, а также фирменного стиля.

Известные работы и заказчики проектов Владимира Лифанова

Наиболее крупными клиентами и заказчиками создания проектов в агентстве Suprematika являются:

Департамент культуры Москвы; «Внешэкономбанк»; оператор мобильных систем Yota и «Мегафон»; одна из крупных телерадиокомпаний – «ВГТРК»; «РЖД»; футбольные клубы; DST Global и многие-многие другие.

Награды и премии

В сфере своей деятельности Владимир Лифанов и его креативное брендинговое агентство Suprematika добились колоссальных высот. Уже начиная с момента образования фирмы в 2009 году проекты дизайнера удостаивались похвалы и высших наград российских и иностранных конкурсов.

Среди них были получены такие профессиональные награды, как: Golden drum, Red Apple, KMRF, «Белый квадрат», «Идея», «Рейтинг рунета», «Золотая блоха» и множество других.

В рейтинге брендинговых агентств по России «детище» Владимира Лифанова занимает основные места и по признанию профессионалов является одним из лидеров на рынке инновационных услуг в своей области.

Денис Башев · Дизайнер

Биография

Необыкновенная судьба Дениса Башева, профессионала в брендинге и создателя студии Province, поражает своей историей.

Биография

Денис Башев родился в крохотном посёлке Долина на Украине, где он прожил до своего шестилетия. Родители были не самыми состоятельными людьми: мама – доярка, а папа – комбайнер. Но в один момент его отец решил дать хорошее образование своим детям, и в поисках денег семья переехала жить в Сибирь в 1991 году.

Денис не был особо силён в учёбе и даже оставался на второй год в школе. Высшее образование он так и не получил. Окончив школу, парень пошел учиться на дизайнера в Томский университет, но и там не вышло: плохо учили, отчислился с первого же курса.

Москва

На переезд в Москву Денис решился благодаря двухнедельному интенсиву в Британке. Его первым рабочим местом в городе стала студия Shandesign, которая добровольно согласилась оплатить его обучение в Британской высшей школе дизайна. Но после ухода его любимого преподавателя Леонида Фейгина он незамедлительно забрал документы из университета по собственному желанию.

Направление работы

За свои 39 лет арт-директор Денис Башев успел посотрудничать с Front: Design, Logvindesign, Shandesign, Sila Sveta, PHPG и Tomatdesign.

В основном он специализируется на логотипах. Уже более 19 лет Денис стажируется в творческой среде. Он говорит о том, что прийти в дизайн никогда не поздно.

Также Денис занимается преподаванием в Школе дизайна Национального исследовательского университета (НИУ ВШЭ), который, на минуточку, является одним из крупнейших и лидирующих вузов страны. Является руководителем дизайн-студии DILETTANT.

Частенько дизайнер Денис Башев устраивает поездки по городам, так называемые воркшопы, посещение которых позволяет начинающим ребятам получить развернутые ответы на все интересующие их вопросы в сфере дизайна.

Приоритет

Денис стал успешным в своей работе, так как с самого начала чётко расставил свои приоритеты. Относительно недавно он говорил о том, что не работает с алкогольными торговыми марками, табаком и не собирается делать логотипы для сайтов порно и различных сект. Также известно, что он наотрез отказался работать с Русской православной церковью и чиновниками. К такому выводу он пришёл после сотрудничества с комитетом Олимпиады, для которого Денис потратил целый год на создание двадцати трёх спортивных знаков (пиктограмм).

Известен публике благодаря своим работам над маленькими, большими брендовыми стилями и эмблемами. Все его творческие произведения представлены на официальной странице на Behance. Его популярными работами стали логотипы для телевизионного канала «Супер», магазина книг RESPUBLICA.

Behance – это онлайн-платформа для демонстрации и изучения творчества. Он принадлежит Adobe. Люди присоединяются к Behance и создают профили, состоящие из проектов.

Илья Бирман · Дизайнер

Илья Борисович Бирман – известный российский дизайнер. Родился в Челябинске в 1984 году. Отучился в школе с математическим уклоном, а потом он поступил в университет на приборостроительный факультет. На сегодняшний день он является дизайнером, творческим руководителем дизайн-бюро Артёма Горбунова, разработчиком справочного сайта «Правила русского языка», создателем движка «Эгея» для блогов и популярной типографической раскладки.

Направление работы

Его деятельность направлена на разработку сайтов, транспортных схем и дизайн в IT-сфере. Также он работает арт-директором в бюро, руководит работой дизайнеров и создаёт свои проекты. Помимо этого, он много путешествует и фотографирует, а ещё слушает музыку и играет.

Бирман и дизайн-бюро Артёма Горбунова

В 2007 году Артем Горбунов и Илья Бирман сформировали дизайнерскую студию. Они работают над проектировкой сайтов, пользовательских интерфейсов, веб-дизайном и многими другими вещами. Помимо этого, они разработали образовательные программы в сфере информационного дизайна.

Бирман и типографская раскладка

У Ильи есть даже собственная типографская раскладка. Он её изобрел для того, чтобы с лёгкостью вводить специальные символы, без знания кодов. Для простого обывателя очень полезная штука. Раскладку можно скачать как установочной пакет, она поддерживается на Windows и Macintosh. А после скачивания на клавиатуру надо наклеить наклейки с этой раскладкой, её можно найти в интернете и распечатать на самоклеящейся бумаге. На такой раскладке можно вводить не только редкие символы, но и диакритические знаки. В своём бюро он пользуется этой раскладкой, а также ей пользуются многие российские компании.

Илья – «Эгея блогов»

«Эгея» – ещё одно усовершенствование от Бирмана. Движок – программа для автора, она удобна тем, что автору предоставляют инструменты для ведения блога, а посетителям – возможность видеть заметки и писать комментарии. Так, что если у вас есть свой сайт, то вы можете улучшить его, скачав «Эгею».

Сайт «Правила русского языка»

Илья – настоящий патриот, он решил позаботиться о грамотности россиян и создал электронное пособие с правилами по русскому языку. Время от времени даже взрослые люди путаются в написании каких-либо слов. Поэтому Бирман придумал веб-издание правил русского языка, в нём есть правила по написанию гласных, правила орфографии и пунктуации.

Справочник довольно функциональный, начав вводить слово, можно найти нужный параграф, также он поддерживается на мобильных устройствах. Так что в любой момент человек может посмотреть, как пишется то или иное слово, и заодно запомнить правило.

Василий Кандинский · Художник

Начало жизненного пути

Биография общепризнанного художника, Василия Кандинского, началась шестнадцатого декабря 1866 года. Будущий идеалист изобразительного искусства родился в Москве в состоятельной купеческой семье. В раннем возрасте вместе со своими родителями часто путешествовал по странам Европы.

Как оказалось, музыкальное и художественное образование будущий художник получил в Одессе, куда Кандинские перебрались в 1871 году.

В 1885 году Василий стал учиться в Московском государственном университете на юриста. Из-за слабого здоровья в 1889 году был вынужден оставить на некоторое время учёбу.

Спустя восемь лет созидательного труда Василий на отлично окончил юридический факультет. В том же году он становится преподавателем, впоследствии чего получает звание педагога высшего образовательного учреждения – доцент.

Лишь в 1896 году Кандинский решился на то, чтобы построить карьеру художника. Во многом этому обязана картина «Стог сена» французского, всемирно признанного художника и живописца, Клода Моне, которая произвела на Василия невероятное впечатление.

Личная жизнь

Личная жизнь живописца сложилась довольно неплохо. Ещё за год до окончания Московского университета Кандинский узаконил отношения с Анной Чемякиной, которая приходилась ему двоюродной сестрой. Позже, в 1917 году, женился на Нине Николаевне Андреевской.

Направление работы

Более сорока лет, вплоть до 1944 года, Кандинский занимался изобразительным искусством. Его ранние работы были написаны в жанре импрессионизма. Среди них наиболее известной картиной является «Пляжные корзины в Голландии», которая была написана в 1904 году.

Творчество художника является уникальным явлением и достоянием русского, а также европейского искусства. Причиной тому стал переворот в живописи, который совершил Василий. Общеизвестно, что именно он стал основоположником абстракционизма.

Вот список его знаменитых картин, которые представлены не только в российских государственных музеях, но и за рубежом:

«Синий всадник» (1903); «Осень в Мурнау» (1908); «Первая абстрактная акварель» (1910); «Лирическое» (1911); «Квадраты с концентрическими кругами» (1913); «Москва» (1916); «Синий» (1922).

В 1912 году Василий Кандинский художник организовал с экспрессионистами совместную группу «Синий всадник». Это было небольшое объединение творческих личностей, в большей степени художников, которые писали свои картины в стиле экспрессионизма.

По официальным источникам, сообщество было образовано в Германии, в городе Мюнхен.

Целью образования редакционного альманаха было доказательство всем людям того, что в искусстве главным являются далеко не формы изображения, а его содержание.

Источники иллюстраций

В книге использованы иллюстрации следующих авторов (взяты из открытых источников):

Джонатан Айв, бренд: Apple, изображения из книги: Designed by Apple in California и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ник Бакс, студия дизайна: Human, изображения из портфолио работ на сайте: humanstudio.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Дорра Бетти, работы для: London Transport, изображения из примера работ на сайте: ltmuseum.co.uk и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Алан Флетчер, изображения из примера работ на сайте: alanfletcherarchive.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Алан Флетчер, изображения из примера работ на сайте: ollymoss.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Дэвид Пирсон, изображения из примера работ на сайте: typeasimage.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Фернандо Гутьеррес, изображения из примера работ на сайте: fernandogutierrez.co.uk и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Джонатан Барнбрук, изображения из примера работ на сайте: barnbrook.net и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Майк Демпси, изображения из примера работ на сайте: studiodempsey.co.uk и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Майкл Вольф, изображения из примера работ на сайте: wolff.eu.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Алан Китчинг, изображения из примера работ на сайте: en.wikipedia.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Маартен Баас, изображения из примера работ на сайте: maartenbaas.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ян ван Тоорн, изображения из примера работ на сайте: rkd.nl и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Пит Мондриан, изображения из примера работ на сайте: mondriantrust.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Тео ван Дусбург, изображения из примера работ на сайте: commons.wikimedia.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Казар Домела Ньивенхёйс, изображения из примера работ на сайте: wikiart.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Вилмос Гузар, изображения из примера работ на сайте: artcyclopedia.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ван Каспель, изображения из примера работ на сайте: commons.wikimedia.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Макс Кисман, изображения из примера работ на сайте: bykisman.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Бен Бос, студия дизайна: Total Design, изображения из примера работ на сайте: totaldesign.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Карел Мартенс, изображения из примера работ на сайте: pinterest.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Барт ван дер Лек, изображения из примера работ на сайте: wikiart.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Droog Design, студия дизайна: Droog Design, изображения из примера работ на сайте: droog.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Роман Чеслевич, изображения из примера работ на сайте: culture.pl и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Дитер Рамс, изображения из примера работ на сайте: designmuseum.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Герберт Байер, изображения из примера работ на сайте: herbertbayer.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ян Чихольд, изображения из примера работ на сайте: digitaltmuseum.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ив Нетцхаммер, изображения из примера работ на сайте: netzhammer.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Карл Герстнер, изображения из примера работ на сайте: form.de и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Корнел Виндлин, изображения из примера работ на сайте: cornelwindlin.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ларс Мюллер, изображения из примера работ на сайте: lars-mueller-publishers.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Мартин Вудтли, изображения из примера работ на сайте: woodt.li и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Йозеф Мюллер-Брокманн, изображения из примера работ на сайте: blanka.co.uk и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Николас Трокслер, изображения из примера работ на сайте: troxlerart.ch и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Ральф Шрайфогель, изображения из примера работ на сайте: posterpage.ch и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Эмиль Рудер, изображения из примера работ на сайте: minimalissimo.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Рихард Пауль Лозе, изображения из примера работ на сайте: wikiart.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Николас Робель, изображения из примера работ на сайте: bulbfactory.ch и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Buro Destruct, изображения из примера работ на сайте: burodestruct.net и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Фуми Шибата, изображения из примера работ на сайте: memphis-milano.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Масанори Умеда, изображения из примера работ на сайте: design-ss.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Икко Танака, изображения из примера работ на сайте: japanesedesign.pl и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Хиромура Масааки, изображения из примера работ на сайте: hiromuradesign.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Широ Курамата, изображения из примера работ на сайте: sfmoma.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Таданори Ёкоо, изображения из примера работ на сайте: pinterest.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Казуо Кавасаки, изображения из примера работ на сайте: kazuokawasaki.jp и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Сори Янаги, изображения из примера работ на сайте: soriyanagi.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Наото Фукасава, изображения из примера работ на сайте: naotofukasawa.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Куичи Окамото, изображения из примера работ на сайте: jpdesign.org и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Эркен Кагаров, студия дизайна: Art Lebedev, изображения из примера работ на сайте: artlebedev.ru и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Артемий Лебедев, студия дизайна: Art Lebedev, изображения из примера работ на сайте: artlebedev.ru и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Зорик Истомин, изображения из примера работ на сайте: zorikistomin.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Иван Богданов, изображения из примера работ на сайте: bogdanovka.com и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Владимир Лифанов, брендинговое агентство: Супрематика, изображения из примера работ на сайте: suprematika.ru и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Денис Башев, изображения из примера работ на сайте: provincestudio.ru и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Илья Бирман, изображения из примера работ на сайте: ilyabirman.ru и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Василий Кандинский, изображения из примера работ на сайте: wassilykandinsky.ru и открытых источников сети Интернет (дизайнроссия.рф).

Благодарности

Именно тебе спасибо, ты уже наш друг, дочитал эту книгу до конца. Конечно, она имеет свои изъяны и спасибо тебе за терпение и интерес к ней. Я очень благодарен тебе мой читатель. Стоит быть честным и выразить огромное спасибо многим авторам и корректорам, которые получали деньги за написание и корректировку. Спасибо вам за то, что из предложенных статей и набросков, мы с вами создали этот проект! И отдельная благодарность Фаизовой Юлии Кямилевне, за написания и переводы ряда статей, за корректировку текста и работу с пунктуацией и постоянную поддержу на протяжении этих длительных трёх лет. Очень благодарен! Так же спасибо тем ребятам, которые отказались участвовать в проекте.  С уважением Штольц Юлий.

Content

Юлий Штольц
STOLZ о дизайне и пути современного искусства

Введение

Англия

Джонатан Айв · Дизайнер

Биография

Краткая история до работы в Apple

Путь дизайна Джони Айва

Взгляд на дизайн

Чем Джонатан выделяется среди всех?

Ник Бакс · Дизайнер

Биография

The Designers Republic

Чем дизайнер занят сегодня?

Дорра Бетти · Иллюстратор

Биография

Творческий период

Карьера

Алан Флетчер · Дизайнер

Дизайн из Лондона

Путь дизайнера

Лос-Анджелес и знакомство с американским дизайном

Crosby Fletcher Forbes

Джонатан Оливер · Иллюстратор

Биография

Какими видят работы мастера зрители

Кто заказывает работы

Когда стал знаменитым

Дэвид Пирсон · Типограф

Биография

Фрилансер

Направление работ

Фернандо Гутьеррес · Дизайнер

Биография

Pentagram

Взгляд на графический дизайн

Colors

Джонатан Барнбрук · Дизайнер

Биография

Направление в дизайне

Жизненные ценности

Майк Демпси · Дизайнер

Опыт и практика – великое дело

Майк про учебники

Каллиграфия еще жива

Личный креатив не помешает

Послужной список

Майкл Вольф (Майкл Вульф) · Дизайнер

Michael Wolff – семья и образование

Дизайн агентство – Wolff Olins

Проблемы в дизайне

Майкл и The Fourth Room

Алан Китчинг · Типограф

Король шрифта

Биография

Типограф

Студия

Голландия

Маартен Баас · Дизайнер

Начало пути дизайна

Коллекция Smoke

Дальнейший путь дизайнера

Выставки

Дизайн проект Real Time

Ян ван Тоорн · Дизайнер

Биография

Вклад в дизайн

Пит Мондриан · Художник

Биография

De Stijl

Память

LOLA

Тео ван Дусбург · Художник

Биография

DE STIJL

Ссора

Выставки и журналы

Казар Домела Ньивенхёйс · Художник

Биография

De Stijl

Переезд в Париж

Visite

Вилмос Гузар · Художник

Биография

Война и дизайнер

Журнал De Stijl

Радикальный дизайн

MISS BLANCHE

Ван Каспель · Художник

Биография

Amand

Жизнь в Ларене

Стиль Ван Каспеля

Макс Кисман · Дизайнер

Биография

Преподаватель

Награды

Работа на VPRO

Серия марок «Красный Крест»

Шрифты

Бен Бос · Дизайнер

Биография

Работа в студии Total Design

Свободный дизайнер

Преподаватель

Выставка

Карел Мартенс · Дизайнер

Биография

Дизайн

Работа на правительство

Награды

Werkplaats Typografie (WT)

Барт ван дер Лек · Художник

Биография

Живопись

Хелен Крёллер-Мюллер

Журнал De Stijl

Эксперименты с керамикой и архитектурой

Droog Design · Студия

Кароль Байингс и Стефан Шолтен

Зарождение студии

Scholten & Baijings

Mini

Arita Japan

Established & SONS

Georg Jensen

Ottoman

Ikea

Награды

Польша

Роман Чеслевич · Дизайнер

Журналы и графика

Известные работы

Плакаты и их мотив

Германия

Дитер Рамс · Дизайнер

Дитер Рамс и Braun

Дитер Рамс и Vitsoe

10 принципов Дитера Рамса

Награды и признание

Герберт Байер · Дизайнер

Биография

Германия и работа в Bauhaus

Создание шрифта Universal

Творческое развитие как дизайнера и фотографа

Ян Чихольд · Типограф

Биография

Преподаватель

Книги

Шрифт

Признание

Швейцария

Ив Нетцхаммер · Дизайнер

Архитектура в дизайне объектов мира

Приятное с неприятным

Фантазия неудержима

Многочисленное участие в музейных выставках

Карл Герстнер · Дизайнер

Развитие типографики

Начало пути

Gerstner + Kutter

Визуальный эффект

Корнел Виндлин · Дизайнер

Влияние или сила шрифта

LineTo – сеть дизайна

Специалист по типографике и плакатный дизайн

Ларс Мюллер · Дизайнер

Графический дизайнер. Основатель студии

Студия

Книга – инструмент!

Мартин Вудтли · Дизайнер

Футуристические фантазии

Выпуск альбома компьютерной графики

Дизайн эмоции и страсть

Мюллер Брокманн · Типограф

Kunstgewerbeschule – в студии графического дизайна

Watch that Child!

Книги

Брокманн наследие

Николас Трокслер · Дизайнер

Художник-оформитель, организатор фестивалей

Награды

Дизайн – это сердце!

Ральф Шрайфогель · Дизайнер

Разработка плакатов

Визуальное исследование пространства

Новый дизайн

Награды

Эмиль Рудер · Типограф

Цюрих, 1914 (Типографика)

Аналитик-педагог

Типографика как вид искусства

Рихард Пауль Лозе · Художник

Жизненные этапы

Учёба

Создание художественной группы

Цветовое пространство

Художник-антифашист

Николас Робель · Иллюстратор

ESAA на берегу озера

B.u.L.b.grafix – виртуальная студия

Иллюстратор для мира

Büro Destruct · Студия

Границы между искусством и коммерческим дизайном

Малый город – большой дизайн

Büro Destruct – современный дизайн, иллюстрации и типографика

Япония

Фуми Шибата · Дизайнер

Design Studio S

Достижения

Капсульный отель «9h»

Масанори Умеда · Дизайнер

Биография

Мемфис

Стул Rose

Икко Танака · Художник

Успех

Поколения

Шрифт

Традиция

Хиромура Масааки · Дизайнер

Биография

Мусор

Студия Х

«Девять часов» («9h»)

Широ Курамата · Дизайнер

«Memphis»

Уникальные открытия

Сотрудничество

Символ эпохи постмодернизма

Таданори Ёкоо · Художник

Биография

Сотрудничество

Афишы

Графический стиль

Свободомыслие

Смерть

Казуо Кавасаки · Дизайнер

Особенность

Толчок для работы

Известные работы Казуо Кавасаки

Эргономичный дизайн очков Казуо Кавасаки

Сори Янаги · Дизайнер

Начало карьеры

Создание собственной компании

Победы

Неповторимые объекты

Elephant Stool

Наото Фукасава · Дизайнер

IDEO

Первое дизайн-бюро

Простота и минимализм

Бренды

Haptic branding

Куичи Окамото · Дизайнер

Звукорежиссёр

Аутентичные работы

34 страны и музеи

Лампа из бумаги HONEYCOMB

BALLOONLAMP – лампа из воздушного шара

Two days & four products

Россия

Эркен Кагаров · Дизайнер

Биография

Жизненный и творческий путь

Направления работы

Студия Артемия Лебедева

Известные работы, заказчики

Награды и признание

Артемий Лебедев · Дизайнер

Обучение

Личная жизнь

Студия Артемия Лебедева

Провокация

Награды

Зорик Истомин · Дизайнер

Биография

Работы и заказчики

Всеобщее признание

Иван Богданов · Дизайнер

Биография

Направление работы

Студия Ивана Богданова

Эпатаж

Известные работы, заказчики

Скандалы

Владимир Лифанов · Дизайнер

Биография

Направление деятельности

Студия Suprematika

Известные работы и заказчики проектов Владимира Лифанова

Награды и премии

Денис Башев · Дизайнер

Биография

Биография

Москва

Направление работы

Приоритет

Илья Бирман · Дизайнер

Направление работы

Бирман и дизайн-бюро Артёма Горбунова

Бирман и типографская раскладка

Илья – «Эгея блогов»

Сайт «Правила русского языка»

Василий Кандинский · Художник

Начало жизненного пути

Личная жизнь

Направление работы

Источники иллюстраций

Благодарности